Ya puedes ampliar tu biblioteca de PC con un nuevo juego gratis. Gravity Circuit, un plataformas en 2D con alma retro y un estilo a lo Mega Man, se está regalando por tiempo limitado en Steam y los jugadores ahora pueden descubrir su universo de acción y robots sin pagar ni un céntimo. Y lo mejor es que hay tiempo de sobra para reclamar la experiencia del estudio Domesticated Ant Games, pues los usuarios tienen más de diez días para obtener el título en la plataforma de Valve.

Siendo más concretos, Gravity Circuit se puede reclamar ya mismo y hasta el próximo 14 de junio a través de la app o web oficial de Steam. A partir de entonces, el juego de plataformas recuperará su precio habitual de 16,99 euros. Y Domesticated Ant Games tiene buenos motivos para abrir las puertas de su mundo futurista a todos los jugadores de PC, pues el equipo ha aprovechado la semana de los eventos de videojuegos para anunciar que Gravity Circuit 2 está en desarrollo.

Años antes de aterrizar en el cine de superhéroes, incluso antes de sorprender a propios y extraños con la épica 300, Zack Snyder debutó como director con una nueva versión de una cinta de culto de George A. Romero, Amanecer de los muertos (Dawn of the Dead, 2004) y... Lo hizo bien. Más de dos décadas después, el realizador parece buscar un segundo renacimiento tras varios fiascos y se hará cargo de una reimaginación de otra obra venerada por los fans, esta vez de ciencia ficción: 1997: Rescate en Nueva York, de John Carpenter.

Sí, no me lo estoy inventando. The Hollywood Reporter ha adelantado hoy en exclusiva que Studio Canal ha encargado al cineasta recuperar este clásico protagonizado por Kurt Russell. Por ahora hay pocos detalles del proyecto, pero, dado que está Zack Snyder detrás, ya podéis imaginar que no va a conformarse con simplemente modernizar la película original. De hecho, ya se habla de un enfoque más duro y más callejero, en el sentido de recurrir a una gran cantidad de efectos prácticos y localizaciones reales, lo cuál sería algo disruptivo en un director al que se le ha solido acusar de tener mucha dependencia del CGI.

Pero, como decimos, por ahora se sabe muy poco. Ni siquiera hay pistas de quién asumirá la difícil papeleta de reemplazar a Kurt Russell, cuya icónica imagen con el parche en el ojo se ha convertido en parte inseparable del personaje. Lo que sí parece evidente es que el casting será uno de los puntos más delicados de un proyecto complicado, y no deberíamos descartar que Snyder opte directamente por prescindir de Snake Plissken y busque darnos su propia alternativa de este antihéroe icónico del cine de ciencia ficción distópico. Al fin y al cabo, el director ha demostrado a lo largo de su filmografía no tener miedo a las críticas ni a reinterpretar materiales consagrados, aunque le lluevan palos después.

Sea como fuere, con 1997: Rescate en Nueva York estamos ante una historia reverenciada por millones de espectadores, cuya huella puede rastrearse incluso en el mundo de los videojuegos, que muchos consideran imposible de rehacer. Algo fruto de una época pasada. Por tanto, se avecina otro proyecto movido para un director al que, por otra parte, parece acumulársele el trabajo. Actualmente se encuentra inmerso en la posproducción de The Last Photographer, un drama muy personal rodado en varios países; además, tiene en marcha una película para la UFC y un thriller policial para Netflix. Snyder no descansa, y todo apunta a que los próximos años serán especialmente intensos para él. Le deseamos suerte en esta nueva empresa.

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Como todo juego del estilo de los Sims que se precie, en Paralives tienes que tener varios factores en cuenta: tu personalidad, tus relaciones vecinales, tu dinero, tu casa... Mucho tomate que a veces es difícil mantener a unos niveles medios y ya no digamos óptimos. Pero si se te está resistiendo alguna faceta del juego de Paralives Studios, este también cuenta con sus truquitos que puedes activar y desactivar a placer.

En esta guía te explicaremos lo necesario para poder ponerlos en marcha o apagarlos. Primero explicándote cómo acceder a la consola de comandos, y después los códigos que tienes que escribir para que el truco asociado a ella surta efecto.

Cómo funciona la consola de Paralives

La consola de Paralives puede abrirse y cerrarse pulsando Ctrl(Control) y la tecla F1 a la vez. Esto abrirá una superoposicón u "overlay" en el juego en la parte superior derecha de la pantalla en la que debes escribir el truco que desees. 

Adicionalmente, si escribes help tal cual obtendrás un listado de los que hay más algunos comandos de utilidad para el juego. Dicho esto, los trucos que hay actualmente disponibles para Paralives se pueden dividir en varias categorías. La mayoría afectan a la jugabilidad directa de tu personaje, tus objetos o casa o los otros NPC, pero también hay algunos que pueden resultarte muy útiles en situaciones en las que te topes con un fallo del juego como quedarte atascado tu o los otros paras.

Todos los Trucos de Paralives

Trucos que afectan al Dinero

Empezando por el elemento que te da acceso a más cosas en el juego, con estos conseguirás las cantidades de paradines (la moneda del juego) que necesites e incluso te permitirán saltarte cosas como las facturas.

Trucos relacionados con los Estados de los paras

Estos trucos afectan directamente al estado de los Paras seleccionados, pero no se limitan a sus deseos o personalidades; afectan también a sus habilidades o incluso modificar a qué familias u hogares pertenecen. Cuidado con uno en concreto [kickselectedcharactersfromhousehold], ya que puede provocar bugs en el juego.

Trucos de Necesidades, Edad y Embarazo

Estos trucos son los que afectan principalmente a la jugabilidad relacionada con las edades, necesidades y el embarazo de los Paras. Úsalos si te cuesta cumplir con ellas o quieres tener una familia rápida.

Trucos de trabajo, fuego o correo

Estos trucos están relacionados con tres sistemas del juego que son importantes para cualquier para: el trabajo que nos permite definir los periodos de actividad del para; el fuego como elemento que hace las veces de evento destructivo del mobiliario o el hogar, y el correo que es el que suele generar eventos concretos para el para en el juego.

Trucos de construcción, de la consola, y 'debugging'

Estos trucos afectan a los modos de construccion del juego y a la configuración del escenario en general -posición de los paras, interacciones etc.- y tambien permiten manejar el juego y limpiar la consola de comandos. Se incluyen también algunos relacionados con el rendimiento y la configuración del juego sin necesidad de ir al menú de opciones.

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Trucos varios

Estos trucos no tienen ninguna utilidad real en el juego. Son más bien 'easter eggs' o huevos de Pascua con los que divertirnos un rato mediante algunos comandos con efectos inesperados o graciosos. 

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El desarrollo de un videojuego suele dar lugar a anécdotas curiosas y The Witcher 3 no está exento de este fenómeno. Y es que CD Projekt RED ha vivido desafíos, momentos de estrés y situaciones inverosímiles mientras desarrollaba la aventura de Geralt de Rivia. Un conjunto de vivencias que Paweł Sasko, director asociado de Cyberpunk 2 y quien fuera diseñador de misiones en la tercera entrega de The Witcher, ha recordado con motivo del anuncio de Songs of the Past, la tercera expansión del RPG prevista para 2027.

Siendo más concretos, Sasko ha recordado en una publicación de X que Blood and Wine no tuvo precisamente un desarrollo sencillo. Para empezar, la segunda expansión de The Witcher 3 se había bautizado originalmente como Bells of Beauclair (BoB), pero el equipo polaco decidió cambiarle el nombre "porque necesitábamos un título cautivador que capturara la esencia de la historia y que fuera más fácil de deletrear y articular". Y es que CD Projekt RED tenía una gran ambición con Blood and Wine, ya que quería usar sus contenidos para causar un buen impacto en los jugadores. "El calendario de producción fue bastante exigente. Un país completamente nuevo, una historia principal, personajes, monstruos, mecánicas, viñedo y una narrativa digna de culminar la aventura de Geralt. Ah, y tenía que ser mejor que el juego base y que Hearts of Stone".

El drama del País de las Mil Fábulas

A pesar de que CD Projekt RED estuvo diseñando misiones para Toussaint y tenía bastante claro cuáles serían las temáticas y atmósfera de la expansión, la historia principal llegó en un estado avanzado de la producción. Y eso no fue un gran problema para el equipo: "cuando la implementamos, la mayor parte de los componentes que habíamos diseñado estaban en los lugares adecuados y sólo tuvimos que hacer un puñado de ajustes", comenta Sasko en la publicación de X.

Pero hubo una zona en cuestión que fue más problemática para el desarrollo de Blood and Wine: el País de las Mil Fábulas. "El debate creativo más difícil fue sobre un bosque", desvela el profesional. "Los guionistas necesitaban un Bosque de Druidas para una trama específica, algo sin lo cual la narrativa no podía respirar. Fuimos a hablar con los Artistas de Entorno y recibimos la respuesta que todos temíamos: no hay suficiente tiempo, no nos lo podemos permitir. Así que cambiamos la estrategia: ¿Qué pasaría si diseñamos un mundo de cuento de hadas? De esos donde los cuentos de hadas se corrompen y se vuelven salvajes".

"Arquetipos retorcidos, historias corruptas, un lenguaje visual que no habíamos explorado antes. Internamente, lo llamábamos "Kraina z Bajki". Y nuestros artistas dijeron "Sí", porque el estilo les intrigaba e inspiraba". Irónicamente, esta idea también dio lugar a un buen puñado de obstáculos. De hecho, Sasko admite que "el cuento de hadas resultó ser mucho más caro de diseñar que el Bosque de los Druidas". Por suerte, el País de las Mil Fábulas terminó convirtiéndose en uno de los enclaves más aplaudidos de Blood and Wine y actualmente es uno de los escenarios más queridos del mundo de The Witcher 3. Por lo tanto, y a pesar de las dificultades, el plan de CD Projekt RED finalmente dio muy buenos resultados.

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Esta semana, Games Workshop ha emitido en redes un nuevo tráiler de la inminente 11ª edición de Warhammer 40.000, cuya caja principal (llamada Armageddon, en honor al belicoso planeta homónimo) tiene previsto abrir sus reservas el próximo fin de semana. Notablemente, el tráiler en cuestión ha pillado por sorpresa a los entusiastas más acérrimos que decidieron pausar la secuencia en ciertos momentos clave: los británicos incluían por primera vez en muchos años nuevas imágenes del dios-Emperador de la Humanidad. 

A pesar de que el Emperador sea a grandes rasgos el personaje más importante del universo 40K, en realidad ni las novelas oficiales ni las series de animación nos han dado una perspectiva particularmente profunda ni cercana acerca de él. En lugar de eso, GW ha preferido mantener esta figura en segundo plano y rodeada de secretismo. Los fans tenemos una idea más o menos precisa de qué se cuece en el Trono Dorado de Terra, pero nada acerca de sus motivaciones o su personalidad; ni siquiera hasta qué punto es justo decir que está vivo o muerto.

A modo de ejemplo, la mayoría de ilustraciones oficiales del Emperador tienen al menos diez años de antigüedad: el legendario artista John Blanche firmaba la ilustración más icónica del personaje en 1987, cuando el juego aún se vendía como Rogue Trader. Hemos vuelto a verlo en algunas ocasiones desde entonces de mano de otros profesionales del sector (p. ej. Adrian Smith en 2004 o Kevin Chin en 2012) pero es difícil determinar hasta qué punto estas obras representan lo que Games Workshop determina como canónicamente correcto a día de hoy.

El Emperador, según la 11ª edición de 40K

La nueva versión del Emperador de Warhammer 40.000, como decíamos, es parte de un tráiler CGI; y aparece solo durante unos breves instantes entre secuencias. Es necesario pausar el vídeo con mucha precisión para verlo, y aún así solo conseguirás una versión nebulosa y envuelta en sombras del modelado real. Tal vez más interesante aún sea comprobar que en realidad aparecen varias interpretaciones distintas del personaje en lugar de una sola, en diferentes estados de descomposición y aparente consciencia. O lo más cercano a ello.

¿Qué quiere decirnos con esto Games Workshop? El debate está servido. Las comunidades dedicadas de Reddit, Discord y similares emiten sus propias interpretaciones de los hechos: unos defienden que cada imagen corresponde a alguna de las muchas teorías e hipótesis que circulan por internet acerca del papel del Emperador y su estado en el cuadragésimo primer milenio, mientras que otros defienden que nada de esto cambia la percepción que tenemos del personaje. Incluso algunos encuentran paralelismos artísticos (bastante razonables, todo sea dicho) con el Ecce Homo, corona de espinas y todo.

Todo ello encaja con la descripción que teníamos hasta ahora del Emperador y de su Trono Dorado. Alguien que lleva diez mil años "muerto" y cableado después de una reyerta con el Primarca corrompido Horus Lupercal, pero cuya extraordinaria proyección psíquica aún le permiten hacer de faro para habilitar la travesía interestelar a través de la Disformidad: lo único que mantiene su Imperio en pie después de tanto tiempo, junto con la fe que motiva a sus ejércitos a luchar contra los xenos, herejes y demonios del Caos.

Que el dios-Emperador de la Humanidad reaparezca, aunque sea en condiciones extrañas, ha sacudido a la comunidad de 40K conforme celebran la llegada de una nueva edición —así como la caja de inicio que le suele acompañar, con precios más que competitivos en contexto. Personalmente, veo difícil que esta nueva versión cambie mucho las cosas: Games Workshop lleva mucho tiempo manteniendo la historia principal de su icónica saga 'grimdark' intacta, pues su negocio orbita en torno a una ambientación inmóvil.

Con la misma sinceridad te diré que aunque el cómputo general de 40K sea estático, existen muchas indicaciones que invitan a pensar en que el Emperador aún no ha dicho su última palabra; y cualquier movimiento podría disparar la marca Warhammer en nuevas (y comercializables, ojo) direcciones. 

Ahora mismo, el protagonista de esta historia es a todas luces un cadáver; pero "cadáver" es un término muy ambiguo en un marco en el que los psíquicos y mutantes están a la orden del día. Si GW desease explorar la marca en otro 'setting' más, del mismo modo en que Horus Heresy es básicamente 30K, casi con total seguridad lo haría dándole un giro al panorama tal y como lo describe el vídeo de marras. Así que merece la pena estudiar estas oportunidades, supongo.

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El cine de los años 90 construyó un canon de masculinidad que una generación entera absorbió sin cuestionarlo. Mientras Tyler Durden era la libertad encarnada, Lester Burnham era una víctima del sistema, así que muchos vieron en el protagonista sin nombre de El club de la lucha la imagen del hombre que por fin despierta. Hollywood contaba historias sobre modelos de hombres rotos, furiosos y reprimidos como si esa fuera la forma más honesta de existir, pero nadie lo llamaba de otra manera porque no había vocabulario para hacerlo.

La Generación Z sí lo hizo, ya que se creyó entre TikTok de psicólogos, hilos de Reddit sobre apego ansioso y podcasts que desmontan dinámicas tóxicas en 15 minutos. Esta generación ve las mismas películas, pero lo hace con un marco de referencia radicalmente distinto: donde sus padres ven rebeldía, ellos ven disociación. Así, tan solo con el paso de una generación, muchos pasaron de ver un antihéroe carismático a tener ante sí un trastorno de identidad disociativo sin diagnosticar.

El problema es quién se identifica con la película

El club de la lucha lleva 25 años generando debate, pero este ha cambiado de naturaleza. Según un análisis publicado en Medium en 2024, cada generación ha leído la película a través de su crisis particular: la Generación X vio una crítica al consumismo, los millennials adoptaron la cinta como un manifiesto contra el sistema y la Generación Z lo fragmentó en dos lecturas opuestas. Así, mientras algunos glorifican a Tyler Durden como prototipo alfa en TikTok, otros creen que es un estudio de caso sobre salud mental masculina ignorada. Lo significativo no es que la película sea buena o mala, es que su protagonista lleva décadas funcionando como espejo de lo que cada momento histórico no sabe nombrar.

Otro ejemplo igual de revelador es American Beauty, una película que arrasó en los Oscars con cinco estatuillas. Lester Burnham fue visto durante años como un hombre que recupera su autenticidad frente a la hipocresía suburbana, pero la Generación Z lo ve como un hombre de mediana edad en plena crisis narcisista que proyecta su malestar en una adolescente. El mismo personaje, el mismo guion y la misma actuación, pero el marco clínico es distinto, y American Beauty supera a El club de la lucha en peligrosidad porque la masculinidad que muestra es más silenciosa y, por tanto, más difícil de identificar.

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Lo que esta relectura revela es que la Generación Z creció con acceso inmediato a contenido de salud mental y normalizó el lenguaje clínico como herramienta cotidiana. Así, no evalúa una película por la eficacia de sus técnicas narrativas, lo hace desde un prisma más amplio: dinámicas de poder, representación y normas culturales que termina alineando con salud mental. De hecho, ver a un terapeuta demostrando la masculinidad tóxica de El señor de los anillos no es entretenimiento marginal, es un género con millones de seguidores.

El fenómeno lleva a plantear una pregunta incómoda para quienes crecieron con esas películas: ¿estaban mal o se equivocaba la cultura al pedirnos ver algo en ellas? La respuesta honesta es que ningún enfoque es correcto, ya que Tyler Durden y Lester Burnham no fueron concebidos como modelos a seguir: uno es un esquizofrénico disociativo y el otro actúa de forma que hoy calificaríamos de depredadora. La Generación Z no descubrió que eran películas peligrosas, descubrió que hubo un diagnóstico que nadie se había molestado en escribir.

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Si eres uno de los tantos jugadores que se quedaron impresionados con la saga Forgive Me Father, entonces debes echarle un vistazo a lo nuevo de sus autores. Y es que Byte Barrel ha teñido el The Mix Summer Showcase 2026 de rojo con la explosiva presentación de DIOXIDE: un "FPS táctico" con elementos "soulslike" y ambientado en "un mundo distópico devastado por la decadencia industrial". Todo ello, cómo no, estilizado con ese característico diseño de cómic de Byte Barrel que tanto ha gustado a los jugadores.

Byte Barrel no ha creado un universo precisamente amigable. En todo caso, los desarrolladores han dado forma a un escenario distópico e industrial en el que los jugadores sólo son un número a ojos de grandes corporaciones. Ahora bien, el contexto cambia drásticamente cuando los usuarios obtienen el módulo de administración Core-ID, que les permite regresar de entre los muertos, romper el brutal sistema impuesto por las empresas y establecer los primeros cimientos de un santuario para lo que queda de la humanidad.

En cuanto a mecánicas, el estudio de Forgive Me Father promete una experiencia shooter explosiva y frenética en la que el jugador debe navegar por una metrópolis controlada por conglomerados sin escrúpulos que exprimen a los habitantes hasta sacar el máximo de ganancias. Ahora bien, cada zona presenta desde desafíos mortales y enemigos producidos en masa por las corporaciones, y hasta recursos vitales para mejorar el equipamiento del protagonista. Todo ello, claro está, busca responder a una pregunta diseñada para que el jugador se cuestione sus límites morales: ¿salvarás a tu gente de las garras de este mundo industrial, o tú también usarás a las personas para tu propio beneficio?

Porque una de las particularidades de DIOXIDE es que los jugadores también gestionarán un santuario pensado para aquellas personas que quieren salir del decadente sistema impuesto por las grandes empresas. Y esta parte del juego supone un reto en sí mismo, pues el protagonista tendrá que equilibrar la supervivencia de su comunidad con la escasez de recursos. Una experiencia que, en conjunto, invita a los fans de los FPS a destruir una cadena de corporaciones egoístas y a salvar lo poco que queda de humanidad en este mundo en ruinas. "Hemos preparado el lienzo. Ahora es tu turno pintarlo de rojo", comenta el equipo de Byte Barrel.

DIOXIDE tendrá demo en el tercer trimestre de 2026

Si la descripción de los párrafos anteriores ha captado tu atención, aprovechamos este espacio para señalar que ya puedes añadir DIOXIDE a tu lista de deseados de Steam. El título se está desarrollando para PC y todavía no tiene fecha de lanzamiento definida, pero Byte Barrel asegura que los jugadores podrán catar brevemente su decadente mundo industrial a través de una demo que se habilitará en algún momento del tercer trimestre del 2026. De este modo, los usuarios podrán hacerse una idea de la explosiva experiencia que preparan los autores de Forgive Me Father con su nuevo juego.

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La noticia No es habitual encontrar un "FPS táctico" con toques "soulslike", pero esto es lo que proponen los autores de Forgive Me Father con un nuevo juego fue publicada originalmente en 3DJuegos por Brenda Giacconi .

"White Wolf está de vuelta y estamos diseñando algo nuevo". La compañía, que hasta el año pasado se conocía con el nombre de World of Darkness, ha sorprendido a los fans del rol anunciando un nuevo proyecto para el archiconocido universo de Vampire: The Masquerade. No hablamos de un videojuego, sino de una idea aún envuelta en misterio que, según las escasas pistas compartidas por sus creadores, se vinculará con el TTRPG (TableTop RPG). Y parece que White Wolf ha hecho los deberes, pues sus equipos han estado observando en silencio los comentarios y reacciones de los fans de VTM cual grupo de Nosferatus para asegurar que la propuesta está a la altura del mítico universo de las criaturas de la noche.

Ahora bien, el anuncio de White Wolf no ha sido más que un aperitivo. La filial de Paradox Interactive, empresa que posee los derechos de distribución de todo lo relacionado con Vampire: The Masquerade, ha confirmado el proyecto con un largo comunicado en el que se abordan temas como la larga trayectoria del TTRPG, los objetivos de la nueva propuesta y la negativa de la compañía a diseñar su idea con ayuda de la Inteligencia Artificial generativa. Y esto supone un claro distanciamiento respecto a la postura de otras empresas dedicadas a juegos de rol, pues es bien sabido que grupos como Wizards of the Coast y Hasbro están experimentando con dicha tecnología a pesar del rechazo por parte de sus fans. Y, aunque muchas de las características de la obra de White Wolf se reservan para la Gen Con 2026, los primeros detalles relativos a sus cimientos y metas emocionarán a más de un jugador.

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Una celebración de Vampire: The Masquerade

Si bien es cierto que White Wolf ha sido cuidadosa a la hora de elegir sus palabras para evitar comentar detalles importantes sobre su nuevo proyecto, la comunidad ha detectado rápidamente que, salvo sorpresa, la novedad no tiene nada que ver con videojuegos. En este sentido, la compañía ha anunciado su propuesta presentando asimismo a algunos de los responsables que le están dando vida: Jess Lanzillo como directora creativa, Martyna (Outstar) Zych como productora creativa y Diogo Nogueira como diseñador jefe. Es este último nombre el que más ha llamado la atención de los fans, pues, como recuerda el usuario TheCthuloser en Reddit, Nogueira ha dejado huella principalmente en el panorama OSR (Old School Renaissance, un movimiento relacionado con los TTRPG que busca revivir las experiencias y estilo de la época de los 70 y los 80) y su involucración en la enigmática propuesta de White Wolf significa que sus características están más vinculadas a las del juego de rol clásico que a la de las experiencias digitales modernas.

Y este equipo, así como el resto de miembros de White Wolf que no se han mencionado en el comunicado de anuncio del nuevo proyecto, ha estado trabajando en el más absoluto silencio durante los últimos meses para recopilar información útil para su propuesta. "Hemos estado leyendo vuestras crónicas, vuestros mensajes de Discord, Reddit y Tumblr, vuestras cartas, vuestras reglas caseras y vuestro feedback sobre lo que se ha perdido y lo que todavía importa. Nos estamos asegurando de que vuestra voz importe para el futuro de White Wolf", indican los creadores en el comunicado. "El nuevo proyecto es una carta de amor a los más de 30 años de vampiros que nos han conducido hasta aquí. Estamos celebrando la conexión entre lore y mecánicas, reglas y narrativa. El diseño se está centrando en la libertad del jugador, la colaboración y en hacer que la experiencia se sienta personal". La dirección de arte se ha diseñado alrededor de la ilustración, con un fuerte compromiso por el trabajo hecho por humanos".

Y esto último alegrará a buena parte del fandom de Vampiro: La Mascarada. Tal y como hemos señalado más arriba en este mismo artículo, hay empresas de juegos de rol que han empezado a experimentar con las posibilidades de la Inteligencia Artificial en cuanto a la generación de ilustraciones para sus productos. Sin ir más lejos, los responsables de Dungeons & Dragons y Magic: The Gathering, los equipos de Wizards of the Coast y Hasbro, han protagonizado noticias al respecto y han enfadado a sus comunidades en más de una ocasión. Sin embargo, que White Wolf esté rechazando la IA generativa en pleno 2026 demuestra que conoce las opiniones de sus fans en cuanto al uso de dichas herramientas.

El 'metaplot' de Vampire: The Masquerade, un aspecto a mejorar

Más allá de su respeto por la IP y su compromiso en torno al arte hecho por humanos, uno de los aspectos más destacables del anuncio de White Wolf es que quiere tener muy en cuenta el metaplot. Básicamente, Vampire: The Masquerade (y muchos otros juegos de rol) construyen una línea narrativa a través de sus campañas oficiales que profundizan en el lore de la marca y dan forma a acontecimientos importantes para la sociedad vampírica. El metaplot no ha sido siempre excelso y más de un jugador se ha quejado de la forma en la que White Wolf y Paradox Interactive han intentado desarrollar el universo del World of Darkness (contando VTM y otras licencias como Hombre Lobo: El Apocalipsis o Mago: La Ascensión). Por ello, el equipo busca que su misterioso proyecto tenga este concepto como uno de sus pilares clave.

"También estamos mirando cómo queremos trabajar con el metaplot en libros futuros. La sensación de que la historia se mueve y vuestras crónicas existen dentro de algo más grande importa a la gente. Y a nosotros también nos importa". Y todas las características descritas a lo largo de este artículo, así como la promesa de ofrecer libros adicionales muy vinculados a la narrativa principal de Vampiro: La Mascarada, han provocado que la comunidad tenga una teoría sobre la naturaleza del proyecto de White Wolf. En resumidas cuentas, los fans consideran que estamos ante una nueva edición de VTM; podría ser un volumen de aniversario, una 5.5e como hizo Wizards of the Coast con Dungeons & Dragons, o un salto totalmente inédito para la franquicia. Y, aunque aún no hay una confirmación oficial, la idea de regresar a Vampiro: La Mascarada con una nueva edición y, tal vez, mecánicas nunca vistas ha emocionado a más de un jugador.

Sin embargo, de momento no tenemos más remedio que esperar novedades por parte de White Wolf para conocer al detalle todos los planes alrededor de su nuevo proyecto. La parte buena es que el equipo aprovechará la Gen Con 2026, que se llevará a cabo del 30 de julio al 2 de agosto, para desvelar nuevos datos sobre su propuesta. De hecho, los fans del rol que asistan a esta gigantesca convención tendrán la oportunidad de participar en un playtest para probar el concepto de Vampiro: La Mascarada de primera mano. Y esto, a su vez, impulsará la ilusión alrededor de la IP: "Si lo de hoy ha sido la introducción, Gen Con será la conversación; y no podemos esperar a tenerla con vosotros", concluye el equipo en su comunicado.

¿Qué opinas de la noticia? ¿Juegas a Vampire: The Masquerade u otros juegos de rol? En ese caso, échale un vistazo al servidor de Discord de 3DJuegos, donde hablamos tanto de videojuegos como de TTRPG incluyendo Dungeons & Dragons, Pathfinder y los juegos de World of Darkness.

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J. J. Abrams contó una vez que, sin el cine de Steven Spielberg, no habría encontrado su camino como director. Esa influencia atraviesa toda su obra y explica por qué en 2009 estrenó Super 8, esa joya de ciencia ficción y carta de amor al Spielberg de finales de los 70 y principios de los 80. Y quizá por esa misma devoción, ahora ha decidido producir —que no dirigir— El final de Oak Street, una cinta familiar ambientada en los años 80 y poblada de dinosaurios, cuyo tráiler deja claro que su ADN visual y emocional remite directamente a los grandes blockbusters del maestro detrás de E.T. y Tiburón.

Entrando ya en materia, El final de Oak Street está escrita y dirigida por David Robert Mitchell, más conocido por It Follows y Lo que esconde Silver Lake. Su nueva película promete contar cómo un misterioso fenómeno cósmico arranca de cuajo un barrio residencial típico estadounidense y lo transporta a un lugar desconocido, donde empiezan a surgir amenazas propias de otra época. La historia sigue a la familia Platt, que pronto descubre que su supervivencia depende de mantenerse unida mientras intenta orientarse en un entorno que ya no reconocen y que parece desafiar toda lo que conocen.

Vamos, lo que viene siendo una aventura familiar con mucho misterio dinosaurios de por medio que promete hacer las delicias de quienes crecieron con el cine de Steven Spielberg, ya sea con E.T., del que hereda ese espíritu suburbano y emocional, o con Parque Jurásico, cuya huella se percibe en la forma en que la película combina asombro, peligro y ese sentido de maravilla tan propio del blockbuster clásico. Además, lo hace con un reparto liderado por Anne Hathaway y Ewan McGregor, que siempre apetece ver en pantalla.

No parece una película de Cloverfield

Antes de este tráiler, y de las primeras proyecciones de prueba, existía un fuerte rumor en los mentideros de la red de que El final de Oak Street era una nueva película del universo Cloverfield. Era difícil creer en esta posibilidad ya que detrás de la producción se encuentra Warner Bros., y no Paramount Pictures. Pero sea como fuere, una vez visto este adelanto parece evidente que J. J. Abrams decidió impulsar este proyecto por recordarle al cine de Spielberg, y no porque pudiera encajar dentro de la saga de Monstruoso de alguna forma. Es decir, esta no es una nueva entrega de esa franquicia.

El final de Oak Street llegará a los cines este próximo 14 de agosto, lo que la convierte en un candidato serio a taquillazo veraniego. No es una mala fecha —más bien al contrario— y desde luego reúne suficientes ingredientes como para posicionarse como uno de esos estrenos capaces de arrastrar a toda la familia: nostalgia ochentera, criaturas gigantes, un misterio cósmico de fondo y ese aroma spielbergiano que, cuando está bien ejecutado, sigue siendo un imán infalible para el gran público. ¡Qué ganas de ver la película!

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Aunque muchos dudaban de él, Paralives ya está en el mercado. El esperadísimo competidor de Los Sims 4, retrasado en 2025 tras dar aparentes indicios de problemas en su desarrollo, ha llegado a Steam en acceso anticipado, con un sobresaliente en cuanto a las valoraciones de los jugadores. De hecho, en 3DJuegos ya hemos tenido la oportunidad de jugarlo y os recomendamos que, si os gusta el género, le deis una oportunidad. Eso sí, al margen de estas recomendaciones, había una duda en la cabeza de sus jugadores: ¿cómo sería la política de mods del juego? Para Alex Massé y su equipo, puedes pasarte de marrano con el juego, pero cuidado, porque ellos no dictan sentencia.

La respuesta del estudio desarrollador, Paralives Studio, ha llegado a través de una sesión de preguntas y respuestas en Reddit, donde han abordado directamente la cuestión de los mods del juego. Si bien es cierto que casi cualquier proyecto se puede modificar, en ocasiones hay estudios que no están muy contentos o no son muy proclives a que se cambie estética o jugablemente su idea, algo que no ocurre con Paralives.

Los mods con contenido para adultos en Paralives deben estar bien identificados

Según explican desde Paralives Studio, los mods no solo son bienvenidos, sino que incluso aquellas modificaciones con contenido adulto estarán permitidas siempre que se cumplan una serie de normas. La primera es que se respete lo establecido por Steam en referencia al contenido subido por los usuarios. En segundo lugar, que todo mod esté correctamente etiquetado como corresponde; si es contenido NSFW, debe indicarse claramente que es material para adultos, una condición que limita su distribución dentro del propio ecosistema de la plataforma, pero evita problemas.

Paralives Studio ha dejado claro que, en caso de que el contenido esté subido a Steam Workshop, al tratarse de una plataforma ajena a ellos, las políticas de Valve imperan y, en caso de que se produzcan baneos, no tienen potestad para revocarlos. Esto se aplica también a todo lo que se publique fuera de ese entorno, lo que implica que plataformas externas como Nexus Mods tampoco estarán bajo su jurisdicción ni formarán parte de su sistema de moderación oficial.

Pero ¿por qué ese interés en tener contenido NSFW en Paralives? Lo cierto es que, aunque no es oficial ni está aprobado por EA, dentro de la comunidad de Los Sims ha circulado durante años el mod WickedWhims, alcanzando una enorme popularidad. Esta modificación, para quien no la conozca, añade nuevas interacciones personales, un sistema de atracción donde los personajes desarrollan preferencias físicas y de personalidad, y aporta realismo a las relaciones entre los personajes del juego, con todo lo que ello conlleva.

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A pesar del foco mediático en este tipo de contenido, el estudio recuerda que también existe un amplio abanico de mods completamente seguros para todos los públicos y que su intención es fomentar la creatividad de los jugadores dentro de un entorno abierto. De hecho, enfatizan que, con el poco tiempo de vida del juego, es de esperar que el ecosistema de mods de Paralives se expanda considerablemente en las próximas semanas y meses.

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La nueva era de ROG XBOX Ally ya está aquí. Casi ocho meses después de lanzar ROG XBOX Ally y la más potente ROG XBOX Ally X, los de Redmond han colaborado una vez más con ASUS para diseñar un nuevo modelo para su familia de PC consolizados. Y esta opción interesará a más de un jugador, pues los fabricantes por fin han decidido dar el salto a las pantallas OLED con ROG XBOX Ally X20; dispositivo que, además de actualizar su monitor, también incluye un puñado de ajustes y novedades para llevar la experiencia de juego a un nivel superior.

ROG XBOX Ally X20 marca un momento importante en la historia de ASUS. En 2026, la marca celebra el 20 aniversario de los productos ROG (Republic of Gamers) y el dispositivo gaming en colaboración con XBOX forma parte de este festejo. Porque no hablamos solamente de una ROG XBOX Ally con pantalla mejorada, sino que ASUS define este nuevo modelo como una "obra maestra" que destaca con un diseño especial y unos retoques pensados para mejorar el funcionamiento y ergonomía del producto. Lo que, en otras palabras, se establece como un dispositivo visualmente espectacular capaz de reproducir títulos de última generación y que se adapta a las necesidades de cualquier jugador.

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"Una obra maestra en negro y dorado"

De acuerdo con los detalles compartidos en la página web oficial de ASUS, la compañía no se corta en definir ROG XBOX Ally X20 como uno de los dispositivos más bonitos de todos los que ha lanzado a lo largo de su historia. Y es difícil llevarle la contraria en esto, pues hablamos de un PC consolizado con un chasis negro translúcido que permite ver la circuitería interna del artículo, revelando así "una estructura interna dorada personalizada, ventiladores con detalles dorados e iluminación alrededor del joystick". Por si todo esto fuera poco, este nuevo modelo de ROG XBOX Ally también incluye una insignia exclusiva del 20 aniversario de ROG en la parte trasera, convirtiendo así el producto en "una verdadera pieza de coleccionista".

Ahora bien, ¿qué novedades trae ROG XBOX Ally X20 en lo que respecta a funcionamiento y características técnicas? Lo más destacado está en la pantalla Nebula HDR, que cuenta con un panel OLED de 1400 nits de brillo máximo, frecuencia de actualización ultrarrápida de 120 Hz y compatibilidad con FreeSync Premium Pro. Además, ASUS también ha ampliado la pantalla FHD a 7,4 pulgadas, lo que supone una pequeña mejora a comparación de las 7 pulgadas de la pantalla IPS de los modelos originales de ROG XBOX Ally. En cuanto a los componentes internos, los fabricantes han decidido mantener el chip AMD Z2 Extreme de ROG XBOX Ally X, los 24 GB de RAM LPDDR5X y 1TB de almacenamiento.

Lo que sí se ha retocado es parte de la ergonomía del dispositivo. Basándose en "el diseño familiar y asimétrico que tanto os gusta" de las ROG XBOX Ally originales, ASUS ha implementado joysticks TMR para minimizar casos de drift y reducir el consumo de energía, y un conjunto de botones ABXY que quedan al ras de la carcasa al pulsarlos, permitiendo así "un deslizamiento suave e ininterrumpido del pulgar para realizar entradas complejas en juegos de lucha". Adicionalmente, el equipo ha transformado el D-Pad clásico a una configuración de ocho inputs para habilitar movimientos diagonales más precisos.

Todo esto se complementa con otros detalles que, aunque menores, también contribuyen a mejorar la experiencia general con ROG XBOX Ally X20. En este sentido, se ha sustituido el botón para acceder a la biblioteca por uno de 'Acción' que, como ocurre con las consolas actuales, permite sacar capturas de pantalla y grabar sesiones de juego. Y, en lo que respecta a pequeñas modificaciones internas, el portavoz Anthony Spence señala a The Verge que los ventiladores se han rediseñado ligeramente para canalizar más aire fresco a través del chasis, lo que ayudará especialmente a reducir la temperatura de la pantalla táctil.

Pack de aniversario con las gafas ROG XREAL R1

Lo más curioso del anuncio de ASUS es que los jugadores que compren una unidad de ROG XBOX Ally X20 recibirán algo más que el PC-consola. Y es que, como se indica en el comunicado de presentación del producto, la compañía ha decidido distribuir este nuevo modelo de ROG XBOX Ally en un pack junto a las ROG XREAL R1. Unas gafas gaming de Realidad Aumentada compuestas por lentes Micro-OLED que presentan una pantalla virtual de 171 pulgadas con frecuencia de actualización de 240 Hz, "convirtiendo tu ROG XBOX Ally X20 en el mejor cine inmersivo portátil que eleva la adrenalina al máximo en los juegos de acción o te coloca en la cabina de aviones y simuladores de carreras".

"Además, tienes muchas opciones para personalizar tu experiencia. El seguimiento Native 3DoF permite que la pantalla siga tus movimientos de cabeza, o puedes activar el Anchor Mode para mantenerla fija mientras juegas", continúa ASUS, destacando la forma en la que las gafas ROG XREAL R1 pueden mejorar la experiencia de su PC consolizado. "Se empareja fácilmente con ROG XBOX Ally X20 con una sola conexión USB-C, lo que simplifica enormemente la configuración. Con una integración optimizada con Command Center y una combinación de colores negro y dorado a juego, esta combinación crea la battlestation móvil definitiva para juegos".

ASUS todavía no ha establecido un precio para ROG XBOX Ally X20. Sin embargo, teniendo en cuenta que los modelos ya existentes de ROG XBOX Ally se venden por 599€ y 999€, ya hay quien piensa que esta edición de 20 aniversario podría contar con una barrera de entrada más elevada. De hecho, las grandes compañías de la industria han estado encareciendo sus productos y el sector de los PC-consolizados no se ha librado de esta tendencia; sin ir más lejos, Valve acaba de anunciar una subida de más de 200€ en sus Steam Deck OLED. Y, viendo que ROG XBOX Ally X20 se distribuirá junto con unas gafas gaming que por sí solas cuestan 849€, es muy probable que la compra del nuevo modelo de ROG XBOX Ally supere los 1.000€.

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Soy lo suficientemente mayor como para haber vivido los últimos coletazos de las máquinas arcade. En España, muchos recordaréis que podían encontrarse en cualquier bar de barrio. Entre ellas, los juegos de peleas siempre han sido los más populares y casi una bandera. Ahora, PlayStation ha querido recuperar ese espíritu y hacer una apuesta por traer de vuelta esa jugabilidad gracias a FlexStrike, su nuevo controlador arcade que se lanzará a la vez que Marvel Tokon: Fighting Soul. No viene solo y es que de camino también hay unos nuevos altavoces, los Pulse Elevate, que quieren elevar la experiencia de juego al máximo. Yo ya he tenido la oportunidad de probar ambos (así como el esperado juego de lucha de los héroes de Marvel) con gran satisfacción para la luchadora que llevo dentro. 

Mis primeras horas con FlexStrike

Cualquier jugador de juegos de lucha que se precie tiene o sueña con tener un stick arcade. A fin de cuentas, es la mejor manera de jugar competitivo por su ergonomía y disposición de los botones. Para otros, es un golpe de nostalgia que le recuerda a una época que ya parece irrecuperable. Hay quienes los encargan a un artesano que se los haga al gusto y, los que no, nos conformamos con seguir jugando con un mando convencional hasta agotar los pulgares. 

Dado que es uno de mis géneros preferidos, he tenido ocasión de adentrarme en toda clase de propuestas, desde Eternal Champions y el mando de seis botones de Mega Drive hasta propuestas más actuales. Cabe decir que mi corazón siempre ha sido de Tekken. Sin embargo, con el inminente lanzamiento de Marvel Tokon: Fighting Soul, PlayStation ha decidido que es una gran ocasión para devolvernos la forma más cómoda de jugar con un nuevo dispositivo.

Ese no es otro que FlexStrike, un stick de lucha inalámbrico (también por cable) que busca facilitar la experiencia de juego. Como ya os he dicho, he tenido ocasión de probarlo en detalle y lo cierto es que he quedado encantada. Lo primero que me gustaría señalar es su comodidad. Acostumbrada a grandes "cajas", este destaca por su diseño estilizado y práctico. Lo que más me ha gustado es que está pensado para que te lo puedas poner en las rodillas sin que resbale gracia a una base adaptada en la parte posterior. 

Pero no es lo único. Sus botones son grandes, mecánicos, cómodos y perfectos para que los pulses con la mano izquierda sin necesidad de resentirte en las largas sesiones de juego. Ya sabéis, hay que practicar. Lo interesante es que, en el caso de jugar de forma inalámbrica (se conecta con un simple receptor USB y se puede hasta dos sticks con el mismo), prácticamente no se percibe latencia.

Y esto lo sé porque, bueno, cada uno tenemos nuestros dejes al jugar. Una manía mía siempre es empezar hacia atrás para defenderme y luego tiendo a saltar hacia arriba (esto último me gustaría no hacerlo), pero el personaje no siempre me responde tan rápido como quisiera. Al jugar con FlexStrike por fin he podido hacer mis locuras con Ghost Rider en Tokon sin frustrarme. 

La palanca más de lo mismo, pero donde verdad destaca es en la posibilidad de cambiar los restrictores de movimiento. Es decir, los más duchos sabrán que, dependiendo del juego, se tiende a mover de diferentes formas: movimientos circulares, movimientos más contundentes, etc. En este caso, FlexStrike viene con recambios (cuadrado, hexagonal, circular) para adaptar la resistencia dependiendo del juego en cuestión. Además, también incluye una pantalla táctil y varios botones necesarios. 

Los nuevos altavoces de PS5

Dejando de lado los juegos de lucha, PlayStation tiene otro lanzamiento en el horno. Se trata de los nuevos altavoces Pulse Elevate compatibles con PC, PS Potal, teléfono móvil y también con chat de voz. El objetivo no es otro que ofrecer un sonido realista (lo consigue) gracias a la tecnología de audio 3D Tempest y, además, te permite moverlos por cualquier parte de la casa sin cables y con la posibilidad de colocarlos donde más te convenga. 

Yo he tenido la oportunidad de probarlos con Saros, juego de acción donde el sonido destaca considerablemente. Hay dos cosas que me han llamado la atención en particular: los graves y lo bien que reproduce cada pequeño detalle. En cuanto a esto último, incluso la sensación de eco parecía rodearme y disfrutaba activando el escudo frente a proyectiles solo para escuchar los matices de estos al rebotar. 

Yo no soy mucho de jugar en compañía, pero para todo aquel que quiera, estos también vienen con micrófono integrado y un sistema de IA con cancelación de ruido que pude observar con una videollamada in situ. A mi parecer, se trata de un salto significativo a la hora de mejorar la experiencia de juego: vibración háptica del DualSense más un sonido espectacular y envolvente. 

Lo más llamativo es el precio: 199 euros, pero ojo, solo hay que hacer una búsqueda rápida en Internet para ver que se trata de una cifra razonable para un dispositivo hecho por PlayStation. Hay algunos artesanales que superan esa cifra de largo. Adicionalmente, este viene con una mochila protectora de buena calidad y con compartimentos para cada accesorio. Lo mejor es que estará disponible a partir del 6 de agosto, con plazo de reservas abierto a partir del 12 de junio.

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Ya le tocaba a Valve. Aunque la compañía estadounidense había llevado una racha provechosa y afable con sus usuarios, la pasada semana tuvo que confirmar que haría frente a la crisis actual de memorias RAM y almacenamiento, amén de la subida de precio en la fabricación de componentes, con un cambio en el precio de sus Steam Deck. En este contexto, y con el modelo OLED de 1 TB rozando los 1.000 euros, el analista Mat Piscatella ha dejado claro que una crisis tan compleja dificulta hacer cualquier previsión fiable sobre el coste de los próximos dispositivos de Valve.

En declaraciones concedidas en exclusiva a Eurogamer, Piscatella describe el escenario actual como uno de los más inestables que recuerda en la industria del hardware internacional. Según explica, la enorme variabilidad en los precios de la memoria RAM y el almacenamiento, así como las tensiones en las cadenas de suministro a nivel global, impiden que cualquier compañía se moje con un precio estándar para su dispositivo; más aún, que cualquier analista establezca un rango de precios.

"Mi suposición es que el aumento de los precios de Steam Deck indica que probablemente veremos precios de cuatro dígitos para las Steam Machines cuando se anuncien los precios oficiales y la ventana de lanzamiento", añadió Piscatella, no sin antes dar una estimación de lo que él imagina que será el valor total de este hardware. "Si me obligan a estimar, diría que es fácil asumir un valor de lanzamiento de 1.200 dólares en Estados Unidos para la versión base de Steam Machine".

Sin embargo, el propio analista insiste en que estas cifras deben tomarse con extrema cautela. En su opinión, el mercado "no se está comportando con normalidad", lo que convierte cualquier predicción en un riesgo enorme, por lo que, más allá de esta estimación fruto de una elucubración, no se atreve a dar cifras más o menos exactas. De hecho, lejos de Valve y sus futuras Steam Machine, que siguen previstas para la primera mitad de 2026, el resto de compañías tampoco tiene nada claro.

Que le haya pasado a Valve no implica que Sony o Microsoft no sufran otra subida

"No creo que el potencial aumento de precios que podría afectar al hardware de Valve se limite únicamente a esta compañía, por supuesto. Podríamos ver otras subidas de precios tanto en productos de PC como en consolas, dependiendo de lo que ocurra en el entorno macroeconómico”, citó el analista. Y es que, a su juicio, el aumento del coste de los componentes, sumado a la presión económica sobre los consumidores, podría impactar en el ritmo de adopción de nuevo hardware y prolongar la vida de la generación actual más de lo previsto.

De hecho, aunque Xbox ya trabaja en Project Helix, consola de la que no se sabrá nada en el gran evento de la marca esta semana, PlayStation no tiene siquiera claro cuándo lanzar su PlayStation 6 ni el precio que tendrá dicha consola. Según estimaciones, ambas consolas podrían rozar los 1.000 euros en su lanzamiento, incluso superarlos si las pistas sobre el acercamiento de Xbox al hardware de PC llegan a buen puerto.

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La noticia "Veremos precios de cuatro dígitos en las Steam Machine". Un sueldo 'normalito' no te va a dar para comprar el hardware que se avecina fue publicada originalmente en 3DJuegos por Alberto Lloria .

No me equivoco demasiado si afirmo que Scary Movie es una de las películas más influyentes de finales del siglo pasado y comienzos del actual. Sí, es una gamberrada repleta de chascarrillos de mejor o peor gusto, una parodia desatada que dispara a quemarropa contra los grandes éxitos del cine de terror de aquellos años. Pero su impacto fue tal que marcó un antes y un después y abrió la puerta a una avalancha de imitaciones de la que incluso España quiso ser partícipe a su manera—¿no recordáis Spanish Movie?—. Ahora, tras más de una década de descanso, la saga estrena una nueva entrega en un muy buen momento.

El regreso de Scary Movie no es casualidad. Llega en plena tercera juventud del slasher, un género que está viviendo un repunte gracias a nuevas IP como Terrifier y a la reactivación de franquicias históricas como Halloween, Sé lo que hicisteis el último verano y Scream. Cualquiera que viera la cinta debut de la parodia más gamberra del cine de terror sabe que estas dos últimas marcaron por completo su tono, su humor e incluso su iconografía, convirtiéndose en la base sobre la que se construyó la sátira más ¿soez? del terror millennial. Pero hay algo más… De unas de ellas también tomó prestado su título descartado como nombre.

Scream If You Know What I Did Last Halloween

Scary Movie es un buen nombre para una comedia como la que nos ocupa, que busca rendir homenaje, a su manera, a multitud de producciones del género. Significa, literalmente, "Una Película de Miedo". Su denominación es muy simple. Pero, originalmente, los autores de esta producción llevaron la parodia de los clásicos del género tan al extremo que incluso quisieron darles espacio en el propio título. ¿El resultado? Scream If You Know What I Did Last Halloween (Grita si sabes lo que hice el último Halloween). Aunque también evidente en su propósito, era un nombre demasiado largo como para resultar comercial.

Finalmente se decantaron por Scary Movie, pero aquí es donde viene el giro. Ese nombre, en realidad, fue el título provisional con el que se empezó a trabajar en Scream. A Bob Weinstein, de The Weinstein Company, no le gustaba Scary Movie. Lo consideraba, muy apropiadamente, más propio de una comedia que de una película de terror algo más seria como era Scream. Hubo cierta discrepancia al respecto, pero finalmente apareció Harvey Weinstein y decidió inteligentemente que Scream era mejor opción. Tomó el título de Scream, el dueto de Michael Jackson y Janet Jackson que estaba bastante reciente por aquellas fechas.

Scary Movie, como decíamos, nos marcó a los millenials. No es que fuera una película precisamente recomendada para los adolescentes de entonces, pero el film fue un completo pelotazo al que muchos otros quisieron sumarse. Es más, se supone que Scary Movie se concibió para no tener secuelas, pero acabó teniendo cinco, seis con la que se estrenará este 5 de junio con sus creadores originales, y parte del elenco, así como nuevos éxitos del cine de terror para parodiar. Si te apetece, por cierto, tienes las tres primeras entregas de Scary Movie en HBO Max, donde también se encuentra, a su vez, la trilogía original de Scream.

Y recuerda, este 5 de junio Scary Movie vuelve a cines. "26 años después de conseguir escapar de un asesino enmascarado sospechosamente familiar (Ghostface), el Core Four están de vuelta en el punto de mira del asesino y ninguna película de terror está a salvo", leemos en su descripción, que también promete acuchillar sin piedad reboots, remakes, requels, precuelas, secuelas, spin-offs, terror elevado, historias de origen, todo lo que tenga la palabra legacy en el título y cada capítulo final que, por supuesto, no es final. Gracioso.

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La noticia En 4 días vuelve a cines una gamberrada que nos marcó a los 'millenials'. Lo que quizás no sepas es de dónde viene su nombre fue publicada originalmente en 3DJuegos por Marcos Yasif .

Pocas personas pueden decir que han pasado casi un año en el espacio. El astronauta Scott Kelly es una de ellas, pero en lo que sí es único es en el hecho de que durante algunas de esas 5000 "vueltas" que dio al planeta desde la órbita utilizó unos sistemas de pedagogía aeroespacial de lo más originales. Conceptos como la inclinación orbital, la reentrada o la correcta proporción de Delta-V son términos que el domina a la perfección... y sin saberlo tú también si eres aficionado a cierto videojuego: Kerbal Space Program.

Y no es solo porque el que fuera tripulante de la Estación Espacial Internacional un día se decidiese a hacer una demostración de cómo el juego de simulación recrea a la perfección las maniobras que día sí día también los cosmonautas en órbita deben efectuar para el correcto mantenimiento de estaciones, satélites o lanzaderas. La propia NASA ha financiado becas para formación aeroespacial otorgando específicamente el videojuego en cuestión como material de referencia y didáctico.

El juego que se convirtió en herramienta de la NASA

Kerbal Space Program ya tiene sus añitos, se publicó inicialmente en 2011 (primero como Early Access y 4 años después en versión 1.0) como juego independiente de parte del estudio mexicano Squad; sin un gran presupuesto ni ningún editor detrás, sólo una simulación hiperrealista de cómo construir un ingenio diseñado para orbitar el planeta o ir a la Luna, mantener la órbita, y regresar a la superficie terrestre (preferiblemente intacto). La cuestión es que su modelo de simulación era casi un calco de los programas que la NASA había estado utilizando para formar a sus cosmonautas y astronautas, y con las mismas "reglas" que los ingenieros del JPL tienen que aplicar a la hora de diseñar un cohete o alguna pieza tecnológica que pueda mantener la órbita terrestre de forma prolongada. 

Y el éxito que cosechó no solo llamó la atención de crítica y público; las instituciones públicas dedicadas a la exploración espacial también quedaron impresionadas con el juego. Sin ir más lejos, la propia NASA colaboró periódicamente con Squad y su programa de ordenador durante seis años.

Scott Kelly a bordo de la ISS. Imagen: NASA / vía Ars Technica (YouTube)

El momento más recordado fue cuando, después de regresar de una misión de larga duración en la ISS, Scott Kelly se sentó frente a un PC con un mando y comenzó a jugar a Kerbal Space Program (durante una entrevista concedida al medio Ars Technica). No para pasar el rato solamente, estuvo explicando algunos de los conceptos que el y otros colegas suyos aplican cada día para desempeñar su trabajo, y apostillando que "es algo que la NASA podría usar para entrenar a futuros controladores de vuelo y astronautas en mecánica orbital.”

La NASA y el gaming, lo que te enseñan sin que te des cuenta

La gracia de Kerbal Space Program es que, pese a que es una simulación extremadamente precisa y ajustada a la realidad, consigue con su tono desenfadado y didáctico que quien lo juega aprenda muchas cosas sobre conceptos de ingeniería aeroespacial, mecánica orbital, o diseño aeronáutico. Es un manual de física interactivo del que aprendes todo eso jugando, sin darte cuenta. 

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Exactamente fue eso lo que llamó la atención de Kelly y de los instructores de la NASA, que junto con la ESA (que también ha mostrado su interés por el juego) son las mentes más dedicadas y expertas a una materia con la que pocos se atreven. Tal es el reconocimiento de la agencia espacial norteamericana por el juego que incluso el Montgomery County Community College de Pennsylvania fue destinatario de una beca de la NASA que usaba de forma explícita KSP como eje de un curso piloto sobre cohetes y mecánica orbital. 

En años posteriores -desde 2020- ingenieros aeroespaciales han publicado propuestas formales para integrar el juego en las fases iniciales de diseño de misiones reales, según el marco de ciclo de vida de proyectos de la NASA. Dicho de otra forma: hay ingenieros que usan KSP para hacer bocetos de misiones antes de pasar a las herramientas profesionales.

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La Computex 2026 ya ha comenzado. Taipéi, la capital de Taiwán, está acogiendo esta semana a las grandes compañías del mercado tecnológico, desde Qualcomm hasta NVIDIA, pasando por Intel o AMD, en la gran feria de este mismo verano. No obstante, y al margen de todas las empresas que se reunirán al otro lado del globo durante 72 horas, los californianos de Jensen Huang generaron un enorme revuelo la semana pasada anticipando lo que llamaban una "nueva era del PC", un anuncio cuya presentación oficial ya se ha producido como parte de la Computex, aunque las primeras reacciones de la industria y de la comunidad de jugadores han sido más bien tibias y con muchas, muchísimas dudas.

Si no estuvisteis al tanto, la compañía acompañó dicha frase con unas coordenadas que, evidentemente, nos situaban en el lugar donde está teniendo lugar la Computex 2026. A esta publicación siguieron otras, incluso republicaciones en X, de marcas como Windows o GeForce, anticipando un golpe en la mesa que afectaría también al mercado gaming. Sin embargo, la publicación decisiva que disipaba cualquier duda sobre lo que podrían estar anticipando los californianos llegó de ARM.

Haz clic en la imagen para acceder a la publicación en X

Efectivamente, Jensen Huang subió esta mañana en Taipéi (madrugada en España) al escenario para presentar su familia de ordenadores RTX Spark, todos ellos haciendo uso de su chip N1X, desarrollado junto a ARM; un procesador que se convertirá en el corazón de esta nueva gama de ordenadores portátiles y de sobremesa compactos, orientados tanto a productividad como a gaming. Hablamos de chips con arquitectura ARM y con una GPU Blackwell integrada, es decir, un procesador gráfico de la familia RTX 50.

Un auténtico portento que, según las especificaciones, en su configuración más potente, integra hasta 20 núcleos de CPU, 6.144 núcleos CUDA en la GPU y 128 GB de memoria LPDDR5X unificada. Además, la compañía ha confirmado que también habrá versiones más económicas con configuraciones reducidas, incluyendo modelos con solo 16 GB de RAM, ofreciendo gamas de entrada o media para ampliar su alcance en el mercado. Todo ello, además, integrando inteligencia artificial tanto en el flujo de trabajo del sistema operativo como en el gaming.

En términos de rendimiento, y si bien los datos son de la propia NVIDIA, Huang no ha tardado en afirmar que integrar una GPU de la familia RTX 50 dentro de un chip ARM es uno de los movimientos más arriesgados que se han hecho, pero con resultados impresionantes en materia de videojuegos y edición de vídeo. Según los ejemplos mostrados, Indiana Jones y el Gran Círculo funciona a 100 FPS en 1440p, todo ello en portátiles ultrafinos de apenas 14 mm de grosor. Asimismo, en la presentación se pudo ver a Huang acompañado tanto de Forza Horizon 6 como de 007 First Light funcionando en dos portátiles con RTX Spark, aunque sin mención alguna al rendimiento.

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Sin embargo, la recepción inicial por parte de los jugadores ha sido moderadamente escéptica. Parte de la comunidad considera que el enfoque híbrido entre IA y GPU podría estar más orientado a productividad y servicios en la nube que al gaming tradicional. De hecho, aunque Huang citó el caso del último juego de MachineGames, no hay benchmarks oficiales comparables frente a competidores como Intel, AMD o Apple. NVIDIA ha prometido un rendimiento de primer nivel, acorde al mejor sobremesa, pero sin acompañarlo de métricas detalladas o pruebas públicas.

Imagen del Microsoft Surface Laptop Ultra con NVIDIA Blackwell RTX

Otro punto de debate es su arquitectura basada en ARM, que obliga a ejecutar parte del software de Windows mediante emulación. Aunque Microsoft ha avanzado mucho en este terreno, el impacto en rendimiento en aplicaciones y videojuegos x86 sigue siendo una incógnita, especialmente en un producto que aspira a competir en el mercado actual de alto rendimiento.

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En el plano del rendimiento, ya han aparecido los primeros benchmarks no oficiales que comparan el chip N1X con el M3 Max de Apple. Aunque no son análisis concluyentes debido a su estado preliminar, este hecho, sumado al enfoque tan centrado en la inteligencia artificial, no ha hecho sino que muchos arqueen la ceja ante lo nuevo de NVIDIA. La compañía plantea un cambio de paradigma donde la IA es el eje del sistema; algo que, sumado a la incertidumbre del precio, refuerza la sensación de un producto aún inmaduro en términos comerciales.

Vía | GryOnline

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De alguna manera, creo que Disney y Lucasfilm trataron de convencernos de los contrario, pero ahora está claro que convirtieron la cuarta temporada de The Mandalorian en una película pensada para todos los públicos, pero la segunda semana en cines de the Mandalorian & Grogu ha dejado claro que ese "todos" éramos, en realidad, los de siempre. Da igual que a la chavalada le encante las aventuras de la peli y que se vendan millones de juguetes. La película ha tenido un estreno decepcionante en taquilla. 

Para entender lo ocurrido hay que remontarse a una decisión de despacho que explica buena parte de la historia: Jon Favreau tenía escrita la cuarta temporada de la serie del mandaloriano cuando Lucasfilm optó por reconvertir el regreso de Din Djarin y Grogu en un largometraje concebido como un nuevo punto de partida para atraer a espectadores que no habían seguido sus aventuras, tal y como señala Fotogramas. La propuesta sonaba razonable sobre el papel; en lugar de ofrecer una nueva tanda de episodios, se buscaba una puerta de entrada accesible para nuevos fans. Sin embargo, la taquilla no ha tardado más que una semana en poner a prueba esa estrategia y los resultados han terminado dibujando una realidad muy distinta a la esperada por Disney.

Porque, según los datos de Variety, la película cayó un 70 % en su segundo fin de semana y se fue a un tercer puesto, con 137,4 millones de dólares recaudados en Estados Unidos y 246,6 en todo el mundo. El golpe es difícil de maquillar: la puerta estaba ahí, pero por ella solo entraron los de siempre. Cuando un estreno se desploma así de rápido no es que la gente lo odie, es que la gente nueva no aparece y la de siempre ya fue el primer día, por mucho que algunos queramos repetir la experiencia. ¿De verdad sorprende? Una historia reescrita para ser accesible terminó atrayendo, sobre todo, a quienes ya estaban convencidos de ir a verla.

Favreau durante el rodaje de The mandalorian & Grogu

Star Wars se ha pasado seis años enseñando a su gente a esperar en el sofá

Esto no es un estreno cualquiera de la saga, es la secuela de una serie de streaming. Durante seis años, Star Wars estuvo ausente de la gran pantalla y vivió en Disney+, episodio a episodio, y nos acostumbró a una idea concreta: lo nuevo se ve en ya casa, en pijama, cuando a uno le apetece. No es una crítica, es una constatación dolorosa de cómo los actuales modelos de distribución afectan al circuito cinematográfico. Quien durante media década te enseña que el siguiente trozo de galaxia llega al sofá no debería extrañarse de que, al pedirte que te vistas, conduzcas y pagues parking y entrada, una parte haga números y prefiera esperar. Personalmente me parece una pena, porque creo que el cine es, curioso, para verlo en cines, especialmente Star Wars. Pero lo entiendo.

El hecho de que la propuesta sea, en el caso de Mandalorian & Gorgu, tan obviamente una producción de streaming llevada a pantalla grande también ha influido en el batacazo, y aquí enlaza con algo que ya conté en la crítica: esta película funciona más como un capítulo largo de la serie que como una experiencia pensada para la sala, tanto en los técnico como en lo narrativo. No hay que olvidar que la saga nació imitando aquellos seriales de matiné en los que cada sábado tocaba capítulo, así que la tensión entre el formato episódico y la gran pantalla la lleva en el ADN desde el primer fotograma, como toda buena producción de Star Wars. 

Pero hasta el momento el Star Wars que habíamos visto en los cines eran producciones pensadas para la gran pantalla. Conozco gente, muy fan, que la ha visto, le ha gustado, y aun así habría jurado que podía esperar al streaming sin que pasara nada. La diferencia con el origen del fenómeno Star Wars es que entonces el cine era el único sitio donde ocurría la magia, y ahora compite con el mando que tienes en la mano y con un buen número de propuestas diferentes, todas igual o más espectaculares e interesantes que las demás. en ese contexto, quien diseña una estrategia de cine para una marca que él mismo ha vuelto sobremesa de plataforma está tirando piedras contra su propio tejado del entrenamiento.

Si alguien quiere hacerse una idea del panorama real del momento cinematográfico, que no mire a Star Wars: que mire a la película que la ha desplazado en taquilla: Backrooms. se trata de una película de terror dirigida por un chaval de veinte años salido de YouTube debutó con 81 millones, y la otra cinta que ha superado también a the Mandalorian & Grogu, Obsession, es una producción diminuta que subía en su tercera semana en lugar de bajar, algo que no pasaba fuera de Navidades desde 1982. Las dos juntas costaron una fracción de lo que vale una sola secuencia de esta saga. Y las dos llenaron de público joven unas salas que, supuestamente, ya no pisa nadie de menos de 30. Para pensarlo. A lo mejor es que el sector del público que más se ha acomodado a las facilidades del streaming no es el que pensamos.

Lo interesante no es que superaran a la peli de Lucasfilm, es a quién metieron en el cine: críos, adolescentes, gente de veintipocos que esa noche pagó por una butaca, pero no para ver una superproducción. La conclusión parece ser que el público joven no se ha ido del cine, se ha ido de Star Wars. O al menos, del cine como Star Wars. No hay una crisis del cine de la que culparse; hay un público que ha cambiado su foco de atención. La galaxia muy, muy lejana ha dejado de ser el sitio al que esa generación quiere viajar un viernes por la noche.

Grogu vende muñecos a cholón, lo que ya no vende es la sensación de acontecimiento

Conviene separar dos cosas que se mezclan siempre, porque a pesar de todo la marca Star Wars  goza de una salud de hierro, pero el cine de Star Wars, no tanto. Hablamos de una película "modesta" de unos 166 millones de dólares cuya cuenta, sin embargo, nunca dependió del todo de la taquilla. Grogu vende muñecos a cholón, las estanterías de las jugueterías se llenan de peluches y figuras de acción, y la propia industria reconoce que el estudio tenía esa red debajo: aunque la película flojee en salas, los juguetes de Grogu no fallan. Y aquí va la única observación con algo de mala leche: la maquinaria del merchandising no necesita una sala llena para seguir girando, así que el drama para Lucasfilm y Disney tampoco parece tanto drama. Entonces, ¿por qué suenan las alarmas ?

El problema es que un acontecimiento no se fabrica con peluches. Hubo un tiempo en que un estreno de la saga paraba el mundo, reservabas entrada con semanas e ibas aunque pintara regular, porque no estar te dejaba fuera. El temido efecto FOMO. Esa sensación, la del acontecimiento que no te puedes perder, es la que se ha ido erosionando a fuerza de tenerlo todo, siempre, a la vez y en todas partes. Cuando hay tanto Star Wars que ya no caben las ganas, cada estreno pesa un poco menos y el reflejo de salir corriendo al cine se apaga sin que nadie lo decida, especialmente si algunos de esos estreno flojean en calidad. Le pasó a Marvel y al cine de superhéroes en general, que parecía un fenómeno imparable hace unos años. La franquicia Star Wars sigue siendo enorme; lo que pasa es que ha perdido pegada.

Lo de la taquilla es un síntoma, no la enfermedad

Y aquí está, para mí, el verdadero problema, el que debería quitar el sueño a ciertos ejecutivos más que un mal segundo fin de semana en taquilla. Un batacazo se cura con la siguiente película, igual que un mal capítulo se olvida con el próximo, siempre que haya un próximo claro. El problema es que ahora mismo no lo hay. No sé vosotros, pero en este momento me da la sensación de que las expectativas con Star Wars: Starfighter son bajas. ¿Cuánta gente os parece que hay ahora mismo que sepan que el año que viene se estrena otra peli de Star Wars? Y no es la única: la película de Rey, titulada New Jedi Order y dirigida por Sharmeen Obaid-Chinoy, se anunció hace tres años, ha pasado por las manos de varios guionistas, perdió su fecha de estreno en diciembre de 2026, y sigue sin fecha confirmada para comenzar su rodaje, mientras Starfighter, la película de Ryan Gosling, se le adelantaba en la parrilla de estrenos de manera inesperada. Cuando el buque insignia de tu futuro lleva años dando vueltas sin echar a rodar, el mensaje que le llega al público (y a los fans) no es de plan, es de improvisación.

Por eso la próxima Star Wars Celebration importa tanto, y no por nostalgia. La cita es en Los Ángeles, del 1 al 4 de abril de 2027, coincidiendo con el 50 aniversario de Una nueva esperanza, y será el escenario perfecto para que alguien diga por fin hacia dónde vamos. No hacen falta diez anuncios; hace falta uno creíble, con fecha, con director que no se baje del proyecto a mitad de camino y con una razón para existir que no sea rellenar el calendario. Tal vez la saga necesite menos cantidad y más motivo, tal vez le sobre galaxia y le falte brújula, tal vez sea tan simple como volver a darle a la gente algo que de verdad no quiera perderse. 

¿Y tú qué opinas? ¿Crees que The mandalorian & Grogu ha sido tratada injustamente en taquilla o que ha tenido justo lo se merece? ¿Cómo ves el futuro de Star Wars? Puedes unirte al servidor de Discord de 3DJuegos y compartir tu opinión con otros fans.

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Ya iba tocando evento de PlayStation, ¿no? Desde febrero, más allá de algún anuncio puntual, la compañía japonesa lleva guardando silencio en lo que se refiere a grandes novedades para PS5, pero eso acabará este martes, 2 de junio, con la convocatoria de un State of Play que promete ser bastante importante, si bien en el momento de redacción de esta noticia solo tenemos un videojuego confirmado: Marvel's Wolverine. Pero habrá más, y lo veremos con vosotros.

State of Play de PS5, retransmisión en español

Hora de inicio y duración del State of Play de PS5

Sony nos convocó hace unos días a dejar libre nuestras agendas para vivir este martes, 2 de junio, a partir de las 23:00 (hora peninsular española) un nuevo State of Play que promete estar muy atiborrado de anuncios y tráilers. Y es que, al fin y al cabo, se promete al menos una hora de contenidos. A continuación os dejamos la hora de celebración de la cita en diferentes países para que no lleguéis tarde.

• Bogotá — 16:00
• Buenos Aires — 18:00
• Canarias — 22:00
• Caracas — 17:00
• Ciudad de México — 15:00
• Costa Este de EE.UU. — 17:00
• Costa Oeste de EE.UU. — 14:00
• Madrid — 23:00
• Santiago de Chile — 17:00

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Todos los eventos de videojuegos de verano de 2026. Fecha, hora y juegos confirmados

Dónde ver el State of Play: Twitch y YouTube

El State of Play se podrá seguir por el canal en Twitch de PlayStation en España, donde se transmitirá en inglés y japonés con traducción simultánea al castellano. También podrá verse por la señal en directo de PlayStation en YouTube y Twitch. No obstante, desde 3DJuegos te invitamos a seguir el evento con nosotros. Rubén Márquez, editor de 3DJuegos, y José A. Mateo, director de Vida Extra, conectarán una hora antes para compartir con todos vosotros nuestras expectativas. Aparte, el equipo de redacción de noticias de la revista estará muy atento a la cita para compartir sus titulares al minuto y ahondar en los primeros detalles que hayan.

• YouTube de 3DJuegos.
• Twitch de 3DJuegos.

Qué sabemos del State of Play de PS5

La pregunta del millón en estos momentos... para la que no tenemos respuesta más allá de estas tres líneas: "Serán más de 60 minutos de novedades, anuncios y tráileres gameplay de los mejores estudios del mundo. Para empezar, veréis más en detalle Marvel's Wolverine". Este título llegará el 15 de octubre, semanas antes de GTA VI (19 de noviembre), lo que unido a otros lanzamientos habituales de la época hace poco probable que tengamos un bombazo más de Sony en la campaña de Navidad. ¿Quizás algún lanzamiento sorpresa para el verano?

Desde luego no hay muchas pistas que no lleven a creer eso. Lo que se habla en redes sociales estos días afecta más a desarrollos third-parties, y posiblemente también con la vista puesta en el 2027 y no tanto en lo que nos queda de 2026. Como decíamos, es una hora de contenidos, y la verdad es que el último State of Play, celebrado el pasado mes de febrero, no estuvo aburrido si bien se echó en falta más rock & roll, títulos de esos que nos hace levantarnos de la silla.

Otros posibles anuncios del State of Play

¿Alguna apuesta personal? No me atrevería, la verdad. Sabemos que se está trabajando en un remake de la trilogía original de God of War, pero este proyecto se encuentra en una fase muy temprana. ¿Y un videojuego centrado en Faye? Fue un rumor que cogió mucha temperatura hace unos meses y que de confirmarse, aquí sería un buen momento. Dejando atrás a Kratos y SIE Santa Monica Studio, tenemos a Naughty Dog con Intergalactic: The Heretic Prophet, que 18 meses después de su anuncio quizás deberías mostrar mostrarse con un gameplay.

Otros videojuegos estrechamente vinculados a PlayStation que deberían dar alguna que otra noticia en el evento, salvo sorpresa, serían Phantom Blade Zero, Marvel Tokon: Fighting Souls, ambos con fecha de lanzamiento para este verano, y 4:Loop, un shooter cooperativo al estilo de Left 4 Dead. Y hablando de propuestas multijugador, ¿reaparecerá Fairgames? El juego como servicio lleva mucho tiempo sin dejar noticias e incluso hace unos meses se dio por cancelado erróneamente. 

Cerramos este repaso de expectativas recordando que hay algunos estudios de PlayStation que llevan tiempo sin anunciar nuevos videojuegos. Por ejemplo, en las últimas se ha hablado bastante de Media Molecule, que de acuerdo a una última información trabajaría en una producción de mundo supervivencia y mundo abierto. Pero por el momento solo son especulaciones, rumores. Cuéntanos las vuestras aquí abajo, o directamente en el servidor de Discord de 3DJuegos.

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Has visto la imagen cientos de veces desde que los foros de internet la convirtiesen en un clásico a principios de los 2000. Gracias a los Backrooms nació la fiebre de los lugares liminales y todas las películas, series y videojuegos que, de una forma u otra, se han inspirado en esta perturbadora imagen para dar vida a nuestras peores pesadillas.

Ahora que A24 ha reventado la taquilla estadounidense llegando hasta los 81 millones de dólares en su estreno, superando incluso el pelotazo que fue Civil War para la productora, es más fácil entender por qué alguien creyó que hacer una película sobre Backrooms era una buena idea. 

El origen de los Backrooms que han saltado al cine

No hace falta darle demasiadas vueltas para entender su éxito. Tras haberse convertido en uno de los emblemas de internet, las primeras cifras apuntan a un 86% del público con menos de 35 años y, de ahí, más de la mitad quedaban por debajo de los 25 años. 

Desde su presentación en un hilo de historias creepypasta en 4chan allá por 1999, la foto del lugar se convirtió en obsesión para muchos investigadores que, como si fuese su particular Santo Grial, se embarcaron en una búsqueda que no parecía tener fin. Por suerte para quienes se sumaron a ella con el mismo entusiasmo, han encontrado el origen de los Backrooms en una web olvidada.

La imagen era demasiado antigua para dar con su origen, y cada vez que encontraban una pista se daban de bruces con un callejón sin salida que parecía sacado de la perturbadora instantánea. Ahora no sólo han encontrado el lugar donde se realizó la foto, también han descubierto que el local sigue abierto.

Valiéndose de la búsqueda de la imagen a lo largo y ancho de internet, y pese a que gran parte de las páginas y temas de foros en los que había aparecido ya no estaban disponibles, alguien compartió el enlace original de la fuente de la imagen a través de Twitter. 

En realidad puedes visitar los Backrooms

A diferencia del resto de mitos que pululan por la red, el lugar donde nació el mito de los Backrooms tiene una dirección que puedes introducir en Google Maps. Está en un lugar llamado Hobby Town Oshkosh, y gracias a Internet Archive consiguieron dar con él y encontrar una imagen adicional.

Tal y como relataban los cuatro usuarios que han dado con el origen de la foto tras varios años de búsqueda intensa, la imagen pertenece a un local que cuenta con pistas de carreras para coches de radiocontrol. Y como podéis comprobar, está muy lejos de ser el lugar de pesadilla que terminó convirtiéndose tras su particular periplo por internet.

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La imagen, fuente e inspiración para series como Severance, videojuegos como Pools, o la ahora famosa película de A24, pretendía dar a conocer la situación del local que habían adquirido para dar forma a sus competiciones de coches de radiocontrol. Por aquél entonces el lugar estaba en un estado bastante deplorable y tenía distintos problemas de fugas de agua que retrasaron el proyecto.

Desde entonces no les ha ido mal y, pese a que nunca se han aprovechado de la fama de su local porque desconocían todo el revuelo que habían causado, a los fans de los Backrooms os alegrará saber que, pese a que la reforma provocó que ya no se parezca en nada al sitio original, a los dueños del local les va de fábula con su negocio y el local puede visitarse en la ciudad de Oshkosh, en Wisconsin.

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El tremendo éxito de 007 First Light no solo está dando a IO Interactive uno de los mayores reconocimientos de su historia, sino que también ha superado un récord propio. Los autores de la saga Hitman compraron su libertad a Square Enix en 2017, sobrevivieron al reinicio de su saga bajo un concepto mucho menos narrativo y más expansivo y, aun así, es el nuevo juego de James Bond el que se erige como el más caro del estudio.

Si bien el presupuesto de algunos videojuegos se guarda a buen recaudo, Hakan Abrak, CEO de IO Interactive, ya tanteó que lo invertido en el desarrollo de First Light superaba "al juego de Hitman más caro". Esto es, si echamos un ojo a la hemeroteca, el primer Hitman de 2016, un proyecto que costó al estudio 100 millones de dólares, previsiblemente por culpa del salto visual de su motor Glacier Engine y el cambio jugable que vivió la saga.

007 First Light es el producto cultural más caro de Dinamarca

Sin embargo, Abrak jamás citó la cifra exacta y ahora parece que tenemos respuestas. Según ha citado la Danish Broadcasting Corporation, el proyecto ha estado en desarrollo durante siete años —contando la preproducción y el desarrollo activo— y habría requerido una inversión de 1.300 millones de coronas danesas, una cifra equivalente a unos 200 millones de euros. El dato también ha sido respaldado por el medio nacional TV 2, que asegura que "007 First Light es el producto cultural más caro jamás producido en Dinamarca, superando cine, televisión, música y otras producciones".

Como no podía ser de otra forma, la cifra supone un movimiento enorme para IO Interactive. Teniendo en mente los 100 millones del reboot de Hitman hace una década, los siguientes juegos de la trilogía fueron, consecuentemente, más baratos. Su secuela, Hitman 2, habría contado con cerca de 60 millones de euros de presupuesto, mientras que el presupuesto de Hitman 3 fue incluso menor: en torno a 25 millones de euros. En total, el estudio danés cita que la trilogía rondaría los 180 millones de euros, quizá algo más, colocando a 007 First Light como un proyecto con el presupuesto equivalente al de tres juegos.

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Muchos están embobados con los espejos de 007 First Light y se preguntan por qué otros juegos no los hacen así tan a menudo

Eso sí, pese al enorme desembolso económico, el estreno del nuevo juego de James Bond parece haber arrancado con muy buen pie. IO Interactive confirmó el pasado viernes que 007 First Light vendió más de 1,5 millones de copias durante sus primeras 24 horas, un debut especialmente sólido para una nueva etapa de la franquicia. Además, según los datos de Alinea Analytics, el inicio ha sido sorprendentemente positivo, algo que no haría sino dar alas a Amazon y MGM para confirmar una secuela.

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La salida de figuras clave de estudios importantes es algo normal. Muchos cierran círculos, otros llegan a una edad que les lleva a querer colgar el sombrero y otros buscan nuevas oportunidades. Sin embargo, lo que está sucediendo en Bandai Namco es extraño, se mire por donde se mire. Y es que, apenas unos meses después de la salida de Katsuhiro Harada como máximo responsable de Tekken, Kohei Ikeda, productor jefe y director de Tekken 8, también se ha marchado.

El nuevo máximo responsable de Tekken abandona Bandai Namco

Ha sido el propio Ikeda quien confirmó su despedida a través de un extenso post en redes sociales, donde repasó su trayectoria dentro de Bandai Namco y agradeció tanto al equipo de desarrollo como a la comunidad el apoyo recibido durante todos estos años. El creativo comenzó su carrera en Soul Calibur IV como director de efectos de combate y diseñador, antes de involucrarse en varios proyectos de Tekken, incluyendo Tekken Tag Tournament 2 y Tekken 3D: Prime Edition, hasta convertirse en una de las principales figuras detrás de Tekken 7 y Tekken 8.

Katsuhiro Harada (izq.) y Kohei Ikeda (der.)

En su comunicado, Ikeda recordó cómo su pasión por los juegos de lucha nació durante su etapa de estudiante, cuando pasaba incontables horas en los salones arcade compitiendo contra otros jugadores. Según explicó, entrar en Namco fue "un sueño hecho realidad", especialmente por la posibilidad de trabajar en Tekken, una saga que marcó profundamente su vida. También destacó que dirigir los últimos dos proyectos de la franquicia le permitió conectar con fans y miembros de la comunidad competitiva de todo el mundo, algo que definió como uno de los mayores tesoros de su carrera.

Sin embargo, a pesar de su cercanía a la saga y del hecho de haber conseguido ascender hasta convertirse en uno de los grandes nombres de la saga, trabajando codo con codo con el mismísimo Harada, Ikeda no ha confirmado por qué se marcha. Eso sí, aunque abandona su puesto como director, afirmó que los valores de la saga se mantendrán intactos y que el equipo actual continuará construyendo el futuro de la franquicia con una nueva dirección acorde al legado de ambas figuras.

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Por ahora, Bandai Namco no ha detallado quién asumirá el liderazgo principal de Tekken en el futuro, aunque Ikeda dejó claro en su despedida que seguirá afrontando "nuevos desafíos" dentro de la industria, sin mención alguna tampoco sobre sus siguientes pasos.

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Se acerca el verano y, con él, las promociones de descuentos y rebajas veraniegos en muchas tiendas. En este sentido, Amazon ya anunció que durante este mes de junio tendrá lugar una nueva edición de su Prime Day. Pero incluso antes, AliExpress ya ha lanzado una Promo de Verano con descuentazos, cupones exclusivos y ahorros adicionales que podemos aprovechar para hacernos, por ejemplo, con PlayStation 5 Pro.

La consola más potente de esta generación subió recientemente de precio, junto al resto de modelos de PlayStation 5, hasta un PVP de 899,99 euros. Ahora, sin embargo, y gracias a esta promoción de AliExpress, puede ser nuestra por tan sólo 693,05 euros. Es decir: más de 200 euros de descuento que la convierte en una oportunidad de oro para conseguir PS5 Pro.

El modo de conseguir este buen precio es muy sencillo: basta con aplicar el cupón XATAKAES110 (de 110 euros de descuento), disponible por compras superiores a 650 euros, y seleccionar PayPal como opción de compra (que nos descuenta 33 euros adicionales por superar compras de 299 euros). Esto, sumado a su rebaja aplicada de serie (836,05 euros), deja PlayStation 5 Pro a esos menos de 700 euros finales que la convierten en un chollo difícil de dejar escapar.

Esta promoción acaba de comenzar, de modo que estamos a tiempo de hacernos con ella. Pero estará disponible hasta el próximo 10 de junio y la cantidad de cupones es limitada, así que no deberíamos pensárnoslo mucho si no queremos quedarnos sin ella. Porque una PS5 Pro por 693,05 euros es una oferta que, a priori, costará volver a ver a corto plazo.

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Hay teorías de fans que se caen al primer empujón, y lo sé por que yo me montó muchas de esas. Pero hay otras que, cuanto más las miras, más sentido tienen. Esta es de las segundas, una de las mejor encajadas que he leído nunca, aunque requiere un poco de sentido del humor. Por un lado tenemos Seven es una de esas películas que se convirtieron en trauma colectivo allá por 1996; por el otro  está Lo que hacemos en las sombras, que es de mis comedias favoritas. La idea que las une es sencilla y un poco perturbadora de aceptar: el responsable último de la matanza de los siete pecados de Seven no sería John Doe, sino Colin Robinson, el vampiro de energía de la serie. Suena a meme, lo sé, pero la pista la dejó escrita el propio guion de Fincher hace treinta años, mucho antes de que Colin existiera.

Un vampiro que no va a por tu cuello, sino a por tus ganas de vivir

Antes de entrar al lío conviene presentar al sospechoso, porque no es un vampiro al uso. Colin Robinson no muerde cuellos ni teme al ajo: es un vampiro psíquico, una criatura que te drena la vitalidad mientras te cuenta con todo lujo de detalles qué tal le fue el finde. Trabaja en una oficina, que es su coto de caza natural, y se ceba en las reuniones largas, en los correos con copia a todos y en la charla insustancial del ascensor. Su arma no es el bocado en el pescuezo, es la banalidad. Sin poder quedarme con un vampiro favorito de los que protagonizan la serie (y la peli), reconozco que la idea del vampiro psíquico al que pertenece Colin me parece una genialidad, precisamente porque es escalofriantemente real: los que paséis ocho horas al día en un cubículo ya sabéis de qué tipo de malvada criatura os hablo, y seguramente le estáis poniendo cara.

Y aquí llega la teoría. En la serie de FX, los vampiros de energía se regeneran a los cien años, así que Colin muere el día de su centenario y, acto seguido, una versión bebé de sí mismo sale gateando de su propio cadáver. A lo largo de la cuarta temporada ese crío crece a toda prisa, y su transformación en el Colin adulto, gris y cansino que ya conocíais se completa cuando encuentra y lee los diarios meticulosos que dejó escritos una versión anterior de sí mismo. Por ejemplo, uno de lso anodinos pasajes que Colin lee en sus diarios describe cómo el 17 de noviembre de 1994 se acercó a un hombre en el metro para hablarle de banalidades y alimentarse de su desesperación. El propio showrunner Paul Simms ha llegado a admitir en una entrevista que alguien que no sabe lo que es un vampiro de energía leyendo cientos de años de diarios bien podría ser, justamente, la forma en que nace uno nuevo.

Colin Robinson

Vamos ahora la otra mitad del puzle. en Seven, cuando Somerset y Mills entran por fin en el apartamento de John Doe, no encuentran trofeos macabros ni un altar al demonio: encuentran dos mil cuadernos de unas doscientas cincuenta páginas cada uno, colocados sin orden aparente, toda una mente volcada en el papel. Es el trabajo de una vida entera dedicado a anotar, repetir y rumiar las mismas obsesiones una y otra vez. Si lo piensas fríamente, esa montaña de prosa monótona y compulsiva no es el retrato de un genio del mal: es el de alguien drenado, vaciado, escribiendo en piloto automático. Es exactamente el rastro que dejaría el diario de alimentación de un vampiro de energía. ¿Y si esos cuadernos no fueran el delirio de un asesino, sino el síntoma de algo que se le había instalado dentro?

Pero la prueba definitiva está en una de las páginas que Somerset lee en voz alta. En ella, John Doe cuenta que un día, en el metro, un hombre solitario se le acercó a darle conversación: el tiempo, naderías, charla de la más insustancial. Escribe que intentó ser amable hasta que la cabeza empezó a dolerle por la banalidad de aquel tipo y que, casi sin darse cuenta, le vomitó encima. ¿te suena? La teoría, popularizada hace poco en redes a partir de una idea nacida en Reddit, sostiene que aquel hombre anodino del metro era Colin Robinson.

Si escuchas lo que cuenta Robinson sobre cómo abordó a un hombre en el metro para alimentarse de él y lo relatado por Doe en su diario, verás que la anécdota casa prácticamente palabra por palabra. Un vampiro que se alimenta de banalidad aborda a un hombre corriente en el metro y lo deja seco; ese hombre empieza a llenar cuadernos con prosa repetitiva y desesperada sobre lo vacío que está el mundo; años después, completamente drenado, descarga toda esa nada en una cruzada contra los pecados de una ciudad que ha normalizado el horror cotidiano. Lo inquietante es que la teoría rima con la tesis que la propia película ya defiende: que el mal de verdad no es satánico ni espectacular, sino banal, trivial, algo que vemos en cada esquina y toleramos porque es de lo más común. John Doe lo dice casi con esas palabras. ¿No os parece genial?

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Es el cartel más famoso que nos ha dado una serie de ciencia ficción, en realidad es una foto robada a un granjero suizo manco

Así que la próxima vez que volváis a ver Seven, fijaos bien en esa secuencia de los cuadernos, porque ya no la veréis igual. Y la próxima vez que reveáis Lo que hacemos en las sombras, mirad a Colin Robinson con algo más de respeto: igual tenéis delante al verdadero responsable de las series de crímenes más célebres del cine. No hace falta creérselo a pies juntillas para disfrutar el escalofrío de que encaje tan bien. 

¿Y tú qué opinas? ¿Qué te ha parecido este guiño que Lo que hacemos en la sombra sle hizo a Seven? Puedes unirte al servidor de Discord de 3DJuegos y compartir tu opinión con otros fans.

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Hay sagas de videojuegos que, en algún punto de su historia, deberían reflexionar sobre la dirección que han tomado. Call of Duty ha vivido esa situación en los últimos años al ofrecer colaboraciones y cosméticos carísimos que poco a nada tenían que ver con la estética bélica y militar de la franquicia. No tiene sentido ver a Nicki Minaj o a las Tortugas Ninja pegando tiros, ya sea en Warzone como en Black Ops 6. Activision ya confirmó el cambio radical en Black Ops 7 con las skins, y parece que hará lo mismo en el próximo título de la franquicia.

Modern Warfare 4 no tendrá skins ridículas

Infinity Ward ha decidido dejar claro una serie de cosas sobre Call of Duty: Modern Warfare 4. En un mensaje publicado en X/Twitter, el estudio escribió que "cada elemento de Modern Warfare 4 está anclado en la narrativa del juego" y que "cada función y cada decisión tiene que sentirse auténtica respecto a lo que Modern Warfare representa, incluyendo cosméticos y colaboraciones". El equipo de Activision asegura que están "comprometidos a mantenerlo realista y transparente", y quieren "escuchar de ti qué te gustaría ver en nuestro juego".

Un fan desconfiado respondió a ese mensaje: "Haz una captura de este mensaje para echárselo en cara cada vez que decidan incluir a Lady Gaga, Omni-Man o alguna colaboración ridícula en el juego". Acto seguido, Infinity Ward contesta de la siguiente manera: "Nada de Lady Gaga. Nada de Omni-Man. Nada de Teletubbies. Nada de Bob Esponja. Que quede por escrito". De hecho, hace unas pocas horas, Activision se ha reafirmado. "Hemos recibido el feedback. Sin tonterías".

Haz click para dirigirte en la publicación.

"Todo esto tiene que ver con mantenernos fieles a Modern Warfare. Nada de skins ridículas para el lanzamiento ni para las temporadas posteriores". Por poner un ejemplo, Battlefield 6 se ha mantenido auténtico al tono bélico del juego en sus cosméticos, aunque ahora es el turno de Call of Duty para demostrar si convierten las promesas en hechos. Es una realidad que estas colaboraciones son muy lucrativas para Activision, pero será el 23 de octubre cuando descubramos si los cosméticos encajan con Call of Duty: Modern Warfare 4, que se lanzará el 23 de octubre en PC, PS5, Xbox Series X|S y Nintendo Switch 2.

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Salir de la famosa "Matrix", enfrentarse al sistema, encontrar los secretos más recónditos que oculta la red. La figura del hacker siempre ha sido una que ha llamado la atención en todo tipo de obras de ciencia ficción. Aunque la representación de estos nunca ha sido la más realista, quién no se ha divertido desvelando secretos en Watchdogs, deshabilitando enemigos en Cyberpunk 2077 o viendo la ya mencionada trilogía de las hermanas Wachowski. Pese a que estos genios de la tecnología tienen su peso en distintas obras, normalmente el acto del hackeo suele realizarse pulsando un botón, o vemos cómo un personaje aporrea un teclado hasta que consigue su objetivo. 

Pero, ¿qué pasaría si somos nosotros los que debemos hacer todo el trabajo? Explorar los archivos, eliminar los virus, abrirnos paso por la red, resolver un puzle y adquirir habilidades para sobrepasar las barreras impuestas por las grandes corporaciones. Si eso es algo que te puede llamar la atención, entonces debes conocer 868-BACK.

Ponte en la piel de un hacker profesional

868-BACK, creado por Michael Brough, es un roguelike de puzles y estrategia que sirve como continuación de la anterior entrega del autor, 868-HACK. En este nuevo título nuestro personaje, representado por el emoticono de una carita feliz con un parche, es un hacker legendario retirado del oficio que debe volver a las andadas para enfrentarse de nuevo a las élites que controlan este mundo ficticio. Nuestra misión es abrirnos paso por los servidores hasta llegar a su núcleo y recabar toda la información posible para acabar con nuestros enemigos. La forma de llegar al final de estos servidores es la parte divertida y donde tendremos que pensar detenidamente cada uno de nuestros movimientos pues esto será la diferencia entre seguir vivos o morir.

El mapa del juego se representa como un tablero de 6x6. En cada uno de los niveles nuestros personajes tendrán que encontrar la salida del tablero pero cada vez que hacemos cierto número de movimientos aparecerán las temidas "tareas", las cuales intentarán atacarnos y sacarnos del servidor. Siempre que nosotros nos movemos las tareas también lo harán y apuntar en dirección a ellas hará que nuestro personaje dispare. A medida que avanzamos por los niveles el número de tareas aumentará y será cada vez más difícil salir. Es ahí donde aparecen nuestras habilidades, también conocidas como "programas". 

Como suele pasar en los roguelike, cada vez que entramos en un servidor recibimos un programa aleatorio al igual que una pasiva. A través de créditos que podemos encontrar en algunas casillas del tablero podremos desbloquear nuevos programas que a su vez alertan a las tareas de nuestra presencia, algo que tenemos que tener muy en cuenta a la hora de adquirir estas habilidades. Más de una vez me he encontrado rodeado de infinidad de enemigos por avaricia y creedme que es muy fácil ser eliminado en este tipo de situaciones. La lista de programas que hay en el juego es enorme y varía desde empujar una casilla atrás a las tareas, cambiarnos de lugar con ellas, dejar cortafuegos en su camino o incluso usar el lag a nuestro favor para que los enemigos cambien de posición sin siquiera tener que movernos.

Todo esto es prueba y error, hay que experimentar con cada una de estas habilidades para entenderlas bien. Que nadie se alarme si al probar el juego necesita de cierto tiempo para que su cabeza se adapte a lo que está viendo, yo mismo estuve peleándome con el juego para entender bien sus mecánicas, he usado programas sin tener ni idea de cómo de mal las estaba utilizando y he muerto incontables veces con movimientos de lo más ilógicos. Al fin y al cabo otro de los factores claves de los títulos de este género es intentarlo una y otra vez hasta que todas las piezas encajan. Y si bien es cierto que acaban encajando, 868-BACK no es demasiado benevolente en sus primeras instancias.

Esto de hackear no es un trabajo para cualquiera

Uno de los problemas que han hecho que mi comprensión del juego haya sido en cierta medida lenta, es la falta de información que recibe el jugador nada más empezar. Al abrir el juego estamos en una especie de escritorio con varias opciones de las que no sabemos nada, no se nos indica cuál es nuestro objetivo y es muy probable que empieces a jugar sin tener ni idea de cómo funciona el gameplay. Aunque el tutorial es fácil de localizar, entenderlo no es lo más intuitivo. Las explicaciones y los términos utilizados para describir ciertas habilidades o enemigos son extremadamente confusos y hacen uso de lenguaje técnico que, aunque lejos de ser incomprensible, resulta muy tedioso. Esto se agrava si tienes en cuenta que el juego llega con textos en inglés.

Aun así quiero dejar claro que estos problemas no son terribles ni arruinan el juego, sencillamente hacen que el hecho de entrar en su universo y empezar a divertirse con él se vea frenado por algunos momentos frustrantes y muertes en las que me he quedado mirando a la pantalla intentando comprender qué es lo que acababa de ocurrir. Sin embargo una vez te metes de lleno en lo que este ingenioso roguelike tiene que ofrecer tendrás ganas de seguir jugando y adquirir el mayor número de herramientas posibles para hacer temblar a las malvadas corporaciones con tus habilidades de hacker.

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GQuuuuuuX. Una G, una Q, seis u's seguidas y una X de remate. La primera vez que lo ves escrito, la reacción es pensar que a alguien se le quedó el dedo enganchado en la tecla. O que es la clave de tu cuenta de Tuenti, de la que ya no te acordabas. Pues no: es el último anime de la franquicia Gundam, se estrenó en 2025, se puede ver en Prime Video y acaba de colarse entre los nominados a Mejor Anime Original en los Crunchyroll Anime Awards. Y para mí es el Gundam que más he disfrutado desde la serie original de 1979, esa en la que un chaval se metía sin querer en la cabina de un enorme robot blanco y le cambiaba la vida. No lo digo a la ligera, que la saga lleva casi medio siglo en danza y por el camino ha repartido alegrías de sobra.

Lo llamativo es que ese título tiene una explicación, y que es solo la punta del iceberg de una serie empeñada en hacer cosas raras a propósito y, lo más difícil, en hacerlas bien. Detrás de las cámaras están los responsables de Evangelion, que es tanto como decir que Sunrise ha invitado a su fiesta a sus amiguetes más gamberros. La premisa se atreve a tocar uno de los rincones más sagrado de toda la mitología Gundam, y habrá quien piense que exagero, porque GQuuuuuuX no le ha gustado a todo el mundo por igual ni pretende gustarle. Yo mismo la rechazaba de primeras, pensando que no iba a ser par mí debido a su estética. Pero, ya sabeís, esos ratos tontos que dices dices "me voy a ver si es tan malo esto mientras me tomo el café", y nada, que me enganché. Pero dejadme que os cuente por qué tengo la sensación de que la franquicia llevaba demasiado tiempo sin atreverse a probar cosas realmente nuevas (lo siento, Gundam: Réquiem para una venganza, casi lo consigues).

Un nombre que espanta a media humanidad, y pero que es un chiste interno

Detengámonos un momento en el asunto del nombre, porque tiene más miga de la que aparenta. ¿Cómo se pronuncia GQuuuuuuX? Según detalló Aftermath, que fue a preguntárselo directamente a un experto, suena más o menos como "Yíicuacus", que no es otra cosa que "Sieg Axe" leído a la japonesa, aunque sobre el papel parezca que tu gato se ha tumbado sobre el teclado. En la era del streaming, con más de animes nuevos peleándose cada temporada por tu atención, bautizar tu serie con un nombre que nadie sabe deletrear ni pronunciar es una jugada de riesgo altísimo. Puede ser un suicidio comercial, o la mejor campaña del año si te sale bien. Y resulta que ha sido lo segundo, porque mucho aficionado al anime se ha puesto a verla precisamente para averiguar qué significa semejante galimatías.

Y aquí llega lo bueno, porque la broma no se queda en la carátula: está cosida dentro de la propia ficción. En la serie, cuando los personajes se topan con el gundam protagonista y se ponen a analizar sus datos, también se hacen un lío para pronunciar su nombre, exactamente igual que tú desde el sofá. Es más, dentro de la historia GQuuuuuuX ni siquiera es el nombre real de la máquina, sino una clave que esconde otra identidad por desvelar. Cuando un anime se permite reírse de su propio nombre y encima convertir esa broma en un misterio central de la trama, ya te está avisando por lo bajini de la clase de cacharro con el que te acabas de sentar a jugar.

El creativo que se rebeló contra Gundam ha vuelto a casa

GQuuuuuuX es la primera vez que Studio Khara y Sunrise trabajan codo con codo, y para quien no siga estos asuntos os explico brevemente: Khara es la casa de las últimas pelis que contaban Evangelion (las famosas 1.0, 2.0, 3.0, además de encargarse próximamente tanto de la nueva serie de la saga como del reboot de Patlabor y de Kaiju N.8), y Sunrise es el estudio que lleva animando Gundams desde 1979. Esta nueva serie a dirige Kazuya Tsurumaki, que se curtió en Evangelion y firmó esa joya gamberra llamada FLCL, y en el guion se ha remangado el propio Hideaki Anno. El diseño de los robots, por cierto, corre a cargo de otro veterano salido de la misma cantera, Ikuto Yamashita:si sumas todos los nombres te darás cuenta que se trata de un relevo generación de creativos que eha saltado de un mito del anime a otro.

Es un detalle que me gusta, pero porque soy un poco fanboy. Evangelion nació en los noventa, en buena parte, como respuesta al género de robots gigantes que Gundam había levantado dos décadas antes: le dio la vuelta como un calcetín a todo lo asentado por Gundam y cambió el mundo del anime para siempre. Pues bien, treinta años después, el hombre que firmó aquella rebelión coescribe una nueva serie de Gundam. El tira y afloja de ese diálogo generacional asoma en varios momentos de GQuuuuuuX, y la más emocionante la encontrarás en un episodio que se despide con "Beyond the Time", esa canción que cualquier veterano asocia con uno de los grandes momentos de la historia de Gundam.

Su jugada más valiente es meter mano al canon de la saga

Pero lo que de verdad me ganó es lo que GQuuuuuuX hace con la propia historia de la saga. La serie transcurre en una línea temporal alternativa del Universal Century y, atención al matiz, no es un refrito ni una corrección de lo ya conocido, sino un "¿y si...?" planteado sobre el momento fundacional de todo el universo Gundam: ¿y si Char Aznable, el villano enmascarado por antonomasia, hubiera capturado aquel Gundam blanco durante la Guerra de Un Año del 79. en lugar de dejarlo en manos del bando contrario? A partir de esa idea, el anime levanta una continuidad con una protagonista nueva, Amate, que se hace llamar Machu y se gana la vida en unos combates ilegales de robots, hasta que un Gundam misterioso y su piloto irrumpen para poner su vida patas arriba su vida. Tocar el 79 es meterse con el mito fundacional de la franquicia, una temeridad que casi siempre acaba en desastre; aquí, en cambio, creo que resulta interesante.

Y es justo en este punto donde el contraste con lo que se cuece al otro lado del mundo me ha parecido muy interesante para comentarlo con vosotros. Mientras Sunrise y Khara rebuscan en su propio pasado para reinventarlo desde dentro, Hollywood prepara su asalto por la puerta grande a la licencia Gundam: Netflix trabaja en una película de imagen real de Gundam, dirigida por Jim Mickle y protagonizada por Sydney Sweeney y Noah Centineo. La peli está ya está rodándose en Australia con una historia original de pilotos rivales en plena guerra espacial. Son dos estrategias opuestas y las dos son legítimas, que quede claro: una construye un mito desde cero para quien jamás ha visto Gundam, y la otra escarba en sus cimientos argumentales. La duda que me ronda, y os la dejo abierta porque no tengo la respuesta, es si el anime original seguirá siendo el corazón de la franquicia el día que su versión occidental aterrice ante un público inmensamente mayor que el que ahora sigue Gundam. Porque una cosa es ganar espectadores nuevos y otra bien distinta conservar el alma que te trajo hasta aquí, y casi nunca se logran las dos cosas a la vez.

No es una serie perfecta ni ha contentado a todos, pero hacía años que la saga no se atrevía a tanto

Sería deshonesto venderte GQuuuuuuX como una obra genial y sin fallos, porque no lo es. tienes sus cosas: no soporto a Haro, el robot esférico con el gorro del Señor Burns haciéndose pasar por un adolescente. Bueno, eso es solo un detalle muy personal, pero son apenas doce episodios a los que se les notan las prisas en algún tramo y su segunda mitad ha dividido a una parte del fandom que esperaba otra cosa del desenlace; el debate que ha generado es bastante intenso. La saga, además, ha tenido alegrías recientes de sobra, y no me olvido de lo bien que funcionó Mobile Suit Gundam: The Witch from Mercury. Pero cuando me siento a echar cuentas de los últimos veinte años de Gundam, lo que veo es una franquicia que ha pasado demasiado tiempo oscilando entre la nostalgia segura y conservadora y las novedades que responden más a la búsqueda de un nuevo tipo de público que a la intencionalidad real de contar algo original. Es mi opinión, pero creo que GQuuuuuuX rompe esa inercia, asumiendo hasta el ridículo de su propio nombre, y eso para mí ya es motivo suficiente para valorarla positivamente.

Así que sí, mantengo lo del titular: creo que es la serie reciente de gundam que más he disfrutado en lso últimos año. Incluso tal vez desde la original. No ´se, depende un poc como me pilles y tampoco quiero exagerar. Pero me ha gustado por original, tal vez no tanto porque la serie lo valga como porque comparándola con el resto de series de Gundam es la que más destaca. Ese es, créeme, el mayor cumplido que se me ocurre para una serie encajada en una saga con tantas entregas. Hazte un favor y al menos dale dale una oportunidad al gundam de nombre raro, aunque solo sea para averiguar de una vez cómo demonios se pronuncia. 

¿Y tú qué opinas? ¿Eres de los que defienden GQuuuuuuX o de los que la odian? ¿Prefieres los enfoques más clásicos? ¿Cuál es tu entrega preferida de Gundam? Puedes unirte al servidor de Discord de 3DJuegos y compartir tu opinión con otros fans.

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Los Sims de EA pueden gustar más o menos, pero hay una verdad innegable: han dominado un género entero durante dos décadas. Si bien incluso la propia saga ha tenido batacazos, como el lanzamiento incompleto de Los Sims 4, el concepto de "rivales de Los Sims" es relativamente nuevo, y ya he probado a su nuevo contendiente: Paralives. No obstante, mientras inZOI era un amante complejo de querer, demasiado artificial y falto de alma —y eso que como proyecto era ambicioso como ninguno—, el primer juego de Paralives Studio es todo lo contrario: un juego humano, con cariño por lo artesanal y lo tranquilo. Y tras jugarlo casi ocho horas, me he puesto a escribiros sobre él porque creo que merece más atención de la que está teniendo.

Mundo abierto y aroma a costumbrismo europeo

Quizá la primera sorpresa, sobre todo viniendo de inZOI, cuando das el salto a Paralives es cómo entiende el estudio canadiense su mundo abierto. En lugar de emplazarnos en grandes ciudades o puntos estratégicos del desarrollo tecnológico de Corea del Sur o California —al menos en los mapas de lanzamiento del juego—, Paralives recupera la calidez de Los Sims originales estableciendo su punto de partida en un pueblo europeo tan coqueto como visualmente atractivo. Ya en su comienzo, Paralives traza paralelismos obvios con Animal Crossing o My Time at Sandrock mediante un tren que nos llevará a nuestra nueva vida, dejando claro el enfoque tan apacible del proyecto.

En este tren podremos crear a nuestra familia o Parapersonas independientes con un creador de personajes que, de hecho, puede no contar con todas las locuras técnicas de inZOI, pero no por ello merece menos aplausos. Nada de poder emular caras de famosos, la tuya propia o incluso usar escaneos vía inteligencia artificial; Paralives es mucho más artesanal que todo eso, dando lugar a un creador de personajes con poca variedad de ropa u opciones como tatuajes o accesorios (por ahora), pero mucha buena mano y empatía con el jugador. Podremos editar el rostro, el pelo, el peso o la altura, hasta poder modificar aspectos individuales como el tamaño del cuello, lo anchas de nuestras caderas o la posición de nuestra nariz en un editor complejísimo que no tiene miedo a la competencia. Pero, más importante aún, Paralives se deshace por completo de ese habitual "síndrome de la misma cara" de otros simuladores. Aquí, moldear a un avatar se siente como un ejercicio de representación sincera, permitiéndonos proyectarnos incluso con nuestras imperfecciones.

Y así, una vez editemos a nuestro avatar, llegaremos a la ciudad —tenemos la opción de limitar la jugabilidad a una casa en otro modo de juego paralelo, pero impide explorar el mundo—, donde podremos comprar una casa o un solar y, dejándonos enamorar por la calidez de un lugar que parece parado en el tiempo en la Europa francesa, comenzará nuestra vida. Afortunadamente, Paralives no comete el error de inZOI con un mundo gigantesco, enorme en posibilidades pero vacío cuanto más tiempo pasas ahí; entiende que para conectar verdaderamente con el mundo, este debe ser único y especial.

El mundo de Paralives, de hecho, se divide en dos segmentos: lo que vemos en el pueblo a simple vista y las casas o locales a los que podremos entrar. Si bien no todos los edificios permiten nuestra entrada, hay más de una decena que sí, detallados con esmero y sirviendo para un propósito claro en lugar de ser un escenario más, ya sea un restaurante, un bar o una tienda de segunda mano. Es un diseño que respeta al jugador, ofreciendo un entorno que invita a intervenir y a formar parte de la vida comunitaria. Y todo porque Paralives vive y muere por la cultura europea mediterránea (aun siendo canadienses): la vida exterior, la vida social en terrazas o bares, es tan importante como la vida dentro de cuatro muros.

Y hablando de construir, es necesario hablar del Modo Construcción, el apartado donde Paralives saca un músculo técnico casi insultante si tenemos en cuenta que se trata de un pequeño estudio. El equipo canadiense rompe límites dejando de lado la cuadrícula clásica de estos modos, permitiéndonos trazar paredes curvas con fluidez y entendiendo bien el entorno sin necesidad de pelear contra colisiones invisibles. Es un sistema que premia la creatividad, y prueba de ello está en su sistema de redimensionamiento. En lugar de navegar por un catálogo interminable buscando una ventana que encaje por casualidad en el hueco de tu pared, Paralives te permite colocar un marco base y, arrastrando sus bordes, ajustar su alto y ancho al milímetro para que ocupe exactamente el espacio deseado, todo con una precisión milimétrica. Incluso permite hacer eso mismo multiplicando, por ejemplo, las luces de una lámpara de pared, estableciendo un sistema lógico que no solo nos hace ahorrar algo de dinero in game, sino también quebraderos de cabeza.

El alma de Paralives está en sus personajes y relaciones

Y ya que he adelantado tantos detalles de las relaciones o cómo se trabaja ese abanico de posibilidades a la hora de interactuar con los NPC, es hora de hablar del aspecto social de Paralives. Sí, aún tiene mucho que mejorar y añadir, pero la base es tan sólida como humana. Al comienzo, en el creador de personajes, deberemos establecer el comportamiento de nuestro personaje, eligiendo desde cómo es su capacidad física, inteligencia o carisma, además de su creatividad, aptitud física o talento. Hablo de siete opciones tan simples como tremendamente funcionales. Paralives trabaja con lo mínimo para crear un juego que no es el más profundo, pero sí se siente cercano.

Estas opciones, cómo no, establecerán el abecé de cómo nuestro personaje se relaciona y vive. Y es que, al contrario que inZOI, donde se nos permitían mil y una opciones para entablar relaciones, Paralives reduce todo a lo mínimo y básico: hablar. Cuando hablemos con otros NPC, veremos cómo nuestra barra de aptitud social se llena —puede ser más o menos lento dependiendo de lo sociables que seamos—, momento en el cual podremos seleccionar una opción social para mejorar o empeorar nuestra relación con la otra Parapersona. Son como cartas aleatorias basadas en nuestras aptitudes que, por ahora, no son muy variadas, pero consiguen lo que se proponen: ser lo suficientemente tangibles como para invertir horas a mansalva.

Conforme más relación tengamos, más podremos hacer con la otra persona. Sin embargo, y como antes he mencionado, el hecho de que los NPC vivan y mueran por lo que hagamos como jugadores implica que Paralives rompe ciertas barreras que antes entendíamos como lógicas. Por ejemplo, podremos seleccionar que durante nuestras charlas ambos nos sentemos en un banco sin siquiera dejar de hablar o parar la acción. Lo mismo sucede al andar o durante tareas menores, dando a Paralives un toque mucho más cercano que otros simuladores. Asimismo, podremos llamarlos por teléfono, quedar o tener relaciones románticas y sexuales. De nuevo, Paralives no quiere reinventar la rueda ni redefinir el género, pero sí darle un toque más humano porque todo se siente artesanal y hecho con cariño.

Lejos de ser absurdo como Los Sims, aunque tiene su toque de locura, Paralives es coherente con la psique de nuestro personaje y la de los demás. Las cartas de conversación ofrecen respuestas o dan pie a situaciones plausibles y propias del personaje que hemos creado, sin influencias externas solo por el hecho de sacar pecho de mejoras técnicas que rompen la simulación social que el propio juego trata de crear. Paralives se siente vivo. Opciones como decidir lo celosos que podemos ser o incluso permitir que un personaje introvertido, en plena conversación, suelte una excusa y se marche —aunque si sale mal, puede afectar negativamente a la percepción que la otra persona tiene de nosotros— son nimiedades que dan sabor al proyecto. Al final, con tantos sistemas funcionando al mismo tiempo, es más probable que un juego falle, y aun así el estudio consigue mantener cierta naturalidad.

Y es que uno de los aspectos más obvios de Paralives tras varias horas jugándolo es que, al contrario que inZOI, las Parapersonas están aquí por y para nosotros; no viven una vida paralela a la nuestra. Esto supondrá un choque si vienes del juego de Krafton, donde técnicamente trabajaron un simulador mucho más realista. Se nota nada más poner un pie en la ciudad: si seleccionas a un NPC para hablar, este se parará en seco e incluso se acercará a ti. No es un problema, ni mucho menos. Creo que responde a una lógica necesidad de dar más importancia a las relaciones sociales que al realismo por el realismo. Podrás hablar con ellos e incluso tu Parapersona establecerá metas vitales individuales para cada una de esas relaciones basadas en la cercanía y el trato que tengamos. Estas van desde iniciar un cortejo hasta la necesidad de establecerse como amigos y no simples conocidos, o hacer preguntas para conocer mejor a la otra persona. Son objetivos que, de hecho, aun siendo Paralives menos realista que su competidor, resultan mucho más auténticos que las interacciones fugaces y superficiales de otros.

Por otro lado, tenemos las mejoras de personaje, que van hiladas con las mejoras en nuestras aptitudes. Al trabajar, por ejemplo, podremos seleccionar atributos o ventajas independientes del empleo, como una mayor facilidad para resolver problemas o un mejor trato con los clientes. Además, cuando interactuemos con los NPC, podremos ganar propósitos a corto y medio plazo dependiendo de cómo se sienta nuestro personaje; pudiendo seguir la meta de "quedar con un personaje X" si hemos respondido con bromas mientras nos sentíamos de buen humor. Estos objetivos, al completarlos después, nos darán experiencia para subir de nivel, un sistema que, lejos de ser artificial, busca que mejoremos habilidades innatas, dejando el aprendizaje de nuevas capacidades a nuestra elección mediante libros o cursos, sin que aparezcan por arte de magia.

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Todo ello sin olvidarnos de la narradora, o narrador. Esta es una figura extraña y aún no sé hasta dónde llegan sus opciones jugables y cómo de bien o mal afecta al conjunto, sobre todo porque todavía está verde y falto de opciones, pero su papel es primordial en la construcción de nuestro personaje. Este narrador, a elegir entre tres opciones, establece lo difícil o fácil que será nuestra vida como Parapersona. No solo nos chivará aspectos sociales o abrirá nuevas posibilidades de relación según nuestras acciones, sino que cada cierto tiempo aparecerá ofreciéndonos tres objetivos vitales: desde tener un bebé hasta comprarse una casa más grande o simplemente ascender en el trabajo (aunque irán variando). Y aunque todavía no termine de entender del todo la mecánica, sí sé valorar el trabajo humano de Paralives Studio con ella, pues representa nuestras inquietudes, esos momentos con nosotros mismos donde decidimos, en base a lo vivido hasta ahora, dar un salto de fe con ciertos aspectos de nuestra vida. Es cierto que aún está verde, pero sí he notado que su papel y nuestra elección afectarán a nuestro personaje mediante nuevas inquietudes y cambios en las relaciones si no seguimos el camino marcado para conseguir dicho objetivo.

Con todo, y asumiendo que el camino hacia la versión 1.0 será largo, Paralives arranca con honestidad y muy buena mano. Alex Massé y su equipo tienen por delante 24 meses —el estudio estima dos años de actualizaciones constantes hasta la versión completa— para pulir, ampliar y mejorar el proyecto. Por ahora, el estudio ha confirmado que quiere construir el futuro de Paralives junto a los jugadores, dando más peso a sus dinámicas sociales y mecánicas internas, pero si tengo que dar una tesis sobre este acceso anticipado, la doy con ganas: los cimientos son de hormigón armado.

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