从地下 House 与 Techno 场景出发，Gigi Lee 以《Money Money Come to Me》打破圈层，这首融合东方祈福意象与双语电子说唱的作品，借短视频传播出圈，催生席卷全网的“电子财神抓钱舞”，也让她标志性的 “赛博国风” 视觉被更多人看见。UPEE 有幸邀请电子音乐人兼赛博财神 Gigi Lee 进行一期专访，聊这首爆款神曲的诞生始末以及藏在音乐与视觉背后，属于她的显化信念。

UPEE：很多乐迷通过《Money Money Come to Me》认识到你，可以分享你创作这首神曲的契机以及它的制作过程吗？

Gigi Lee：几年前，拿下年度最佳 House DJ 的奖，但恰逢疫情，我感觉自己在国内已经遇到事业瓶颈。我一直向往欧洲这片电子音乐发源地，所以干脆放下国内的一切，只身奔赴欧洲，开启了一边漂泊一边做音乐的生活。那段日子我颠沛流离、居无定所，但总安慰自己：“我的精神世界很富足、我不需要钱。也能继续创作。后来因为生活中的变故不得不提前结束欧洲的生活，回国后，我逐渐明白，金钱的意义不在于钱的本身。它是一种能量、一种底气，可以给我的音乐带来更多的可能。

当时我人在大连，几乎每天都在写歌。“Money Money Come to Me, dollar euro rmb”最初只是我给另一首歌写的两句词，但越念越顺，我决定把它变成一首单独的歌，整首歌像是我写给自己的一个财富咒语。主歌也很快写了出来， “东边招财 西边进宝 南接福星 北迎闪耀“把中国的传统元素和电子音乐结合我觉得很酷；同时，歌词也复刻了我的真实音乐成长之路，写了“从underground house and techno，一路飙到BBC、纽约时报”。我的音乐起点，就是从最纯粹的地下House、Techno电子音乐开始，一步步深耕、一步步走向更大的舞台，这句歌词也是对我整个音乐生涯最真实的写照。

UPEE：很多音乐人可能不会想到通过在视频号上发切片走红，你有预想过《Money Money Come to Me》会收获现在的反响吗？

Gigi Lee：完全没有预想过。《Money Money Come to Me》的反响，和我过去的作品真的不是一个量级。在歌曲正式发行前，我发布的视频就在视频号和 Instagram 上得到了很多关注；四月发歌后，越来越多人通过这两个平台听到了它。抖音上的反响来得稍晚一些：一开始没什么任何水花，后来歌曲发行已经一个月了，突然开始爆发。再往后，很多人加入我发起的电子财神抓钱舞挑战，还有很多人自发的编舞、做原创视频传播这首歌，它甚至逐渐变成了一个大家都在玩的梗。这些都是我以前没有经历过的。我也没想到，自己持续分享一首歌，真的能让它走到这么多人面前。

UPEE：你从 DJ 起步，如今在作品中融合电子音乐、Rap 和演唱。你会如何定义现在的 Gigi Lee？

Gigi Lee：我现在会定义自己为一个电子音乐人。DJ是我音乐的起点，它让我广采博听、学会感受舞池的能量，也让我知道怎样用节奏和声音与人连接。后来我开始写歌、Rap、唱旋律，这些表达慢慢成为了我音乐的一部分。它们对我来说不是几种需要分开的身份，而是同一个 Gigi Lee 在不同的时刻想说的话。我初心不变，依旧热爱 DJ，但更期待大家通过原创作品和舞台看见我，正如歌词所说：“从 underground house and techno，一路飙到 BBC、纽约时报”。

UPEE：你会如何定义 Gigi Lee 的视觉风格，可以分享你的视觉理念吗？

Gigi Lee：我会把自己的视觉风格形容为一种“赛博国风”：用赛博朋克的机能感和未来感做外壳，内核则扎根于东方民俗文化。我很喜欢把看似不属于同一个时空的东西放在一起，让传统意象呈现出大胆、当代的一面。对我来说，造型和影像不只是歌曲的包装，它们也是音乐表达的一部分。就像《Money Money Come to Me》把财神民俗写进双语电子说唱，我也希望观众看到画面时，能立刻进入这首歌的世界。

UPEE：你相信显化吗？如果要给自己设立下一个目标，你会显化什么？

Gigi Lee：当然相信。我觉得《Money Money Come to Me》本身就是一次显化：我先把愿望写进歌里，再靠自己的努力，一点点把它带到更多人面前。它取得的反响已经远远超出了我的预想，但我相信这只是一个开始。下一个目标？我希望下一首歌的影响力能达到《Money Money Come to Me》的十倍，甚至更多，让我的音乐走进更大的世界。这个愿望我现在就说出来，也会继续用行动去实现它。

UPEE：《Money Money Come to Me》收到了世界各地歌迷和同行的 Remix，可以分享你最喜欢的版本吗？

Gigi Lee：这次我收到了来自世界各地将近 60 个《Money Money Come to Me》的 Remix。听到大家把同一首歌改编成完全不一样的样子，我特别惊喜。如果只挑一个实在太难了，所以我从中选出了四个最喜欢的版本，做成一张 Remix EP 正式发行。里面有国内顶尖电音制作人 VESK GREEN 的 Hybrid Trap 版本；Vagabon 打造的氛围感拉满、很上头的 Techno 版；还有刚考完高考的制作人 Bray Denim 做的 Drum and Bass，能量感非常强；以及炒饭国国王大 B 一世的 House 版本。这四首风格各不相同，各有性格，都是我真心想推荐给大家的。

UPEE：在接下来还有什么新歌的发行计划可以与歌迷们分享？

Gigi Lee：未发行的新歌有很多啊，包括《I’m The DJ》《CRAZY》《If I Want It》《Wanna Be Me》《只想和你在一起》等，而且我还在继续创作。现在最常收到的消息就是：“这首什么时候发？”“那首什么时候上线？”大家每天都在催更！至于下一首具体发行哪首、什么时候发，我还在考虑，希望能选一个最合适的时机，把它好好地带给大家。已经迫不及待想让你们听到更多新作品了，希望下一次能给大家一个惊喜！

UPEE：你的星座是？以及，你觉得你的歌迷里最大占比的星座是什么？

Gigi Lee：天秤座， 我猜最大比重应该是风向和火象？风向因为、我的天马行空、火象因为Yo, It’s Gigi Lee, I’m on fire 🔥

编辑/整理：石田吉藏

图片：Gigi Lee

采访联络鸣谢：龙泽穷

Rated by FanBinBin

Genre: Pop

Release: 2010

Label: 花花草草

周五乐评，每周一张值得回顾的华语佳作。

与周迅、袁泉等演员跨界不同，钟汉良的生涯有相当长的作为歌手的活跃时间，这些发行大多没有带来让人感到启发的探索。但作为自立门户为自己搜罗班底的双栖巨星，这张厂牌开刃作并没有想象中的那么乏味，《视觉动物》在某些时刻仍然维持了值得驻足的主流水准。小哇的确是一个运气很好的帅哥，毕竟也没那么多人一口气薅了李雨寰写的五首歌，其中像《约翰屈伏塔》这样骚断腿不解释、堪比深柜杀进目的地的 Nu House 小品完全就是为他量身定做。

《视觉动物》彼时在宣传期为大众强调了很多“感官”上的要素，但其实这张专辑并没有带来那么多层次的刺激，它更像一张主流视野里非常常见的“快歌+慢歌”的统筹模式，没有多突出的制作人专辑思维，全靠班底发挥和收歌运气。但毫无疑问，在只看金曲奖进行班底遴选在 2010 年仍然是奏效的：阿弟仔做了一首韩味十足的舞曲，尽管没有同时期的黄立行那么自若有效，但在专辑中并不尴尬；陈熙、姚若龙的专辑同名曲则适当地给专辑整体带来更轻盈、摩登的听感。

来自李雨寰的五首曲目带来了专辑中最重要的感觉，其中由陈珊妮填词的三首《摇起来》《红色》《约翰屈伏塔》最为突出。《摇起来》作为一首已经相当闷骚的爵士融合流行，四处穿行的铜管和DJ转盘声相得益彰，极具张力和拉扯的旋律进行则更证明这是一首实在的好歌。《红色》是四平八稳的华语抒情，但陈珊妮提笔给副歌结尾一句“热恋是红色”这首歌就一下子拥有不一样的意味。《约翰屈伏塔》则是一顶一的骚歌，像钟汉良这样嗓子有点稍白的帅哥，可能在一些故意耍帅的音乐里带来一种力不从心的“空壳帅哥”感——《约翰屈伏塔》这样的闷骚明骚纯骚 Nu House 则让它成为了一种激情难按捺的深柜感，让这些持续骚动的冲动成为撕内裤的一瞬间，放心吧全世界说中文的没几个能这样唱李雨寰的歌。

可能是因为《摇起来》《约翰屈伏塔》太过突出，很多时候听众可能忘了《风和日丽》这首陶喆风味的中国风 UK Garage 收尾曲——但是那又如何呢，这首歌唱的有点太难听了——

如果你期待找到一张被忽略的好唱片，那你大概可以跳过钟汉良；但如果需要一些在华语主流男歌手身上看不到的、没有包袱的形象，那么《视觉动物》里一些比较撒手的试验可以成为一个满足好奇心的选择。尽管这样的试验注定不会拥有太多的后续影响，但诞生的这些值得被听到的曲目，仍然在现在来看让人感到启发。

Rated by BB

Genre: Indie Pop/Indie Rock

Release: 2026

Label: 草台回声

唱作人陈静琳早前发布了个人首张全长专辑《哪天的形状》，在气质清新的 Indie Pop/Band sound 编排配合舒爽的旋律写作，带来了近年中文独立乐界中又一张致力于 Gen Z 年轻印象的发行。与此同时，陈静琳并不回避自身创作影响中来自华语流行音乐的部分，也让这张作品对于受到港台流行音乐与青少年互联网独立音乐、另类乐队营养错杂熏陶的听众来说拥有微妙的亲近，并伴随着相对成熟、精准的制作带来扎实的属于流行工业的声音。尽管这些扎实某些时候显露着写作本身的力道与冲劲折中。

《种子》给《哪天的形状》带来了一个十分具有气场的开场——既拥有 曾我部惠一、中村一義 那样清爽简洁的唱作人风采，又有恰到好处的可以仿佛 chestnut bakery 与 Night Tapes 融合的 Shoegaze/Dream Pop 噪音使用，在简短的五分钟内就已经将她自己的气质凸显。在堪比 Air《Sexy Boy》前奏的贝斯线条中，《嘘！》正式将听众引入这张唱片与陈静琳的形象里——至此，她逐渐将自己的声音以具体的类型进行形容，可以有 Spitz 那样舒展广阔的、有 J-Pop/10s Mandopop 气场的吉他流行基础的旋律写作，同时在 Indie band 的声音与唱作人音乐之间把控平衡，并让 Indietronica、Alternative Rock、Dream Pop 的元素穿行在自己的表达之间。

这样的方法让《哪天的形状》拥有内容紧凑、质感扎实的前半程，无论是《或许不该去海边》这样简洁但具有张力的，又或者《及时就医》这样本身就直陈地展示演奏的曲目，都足够给听众留下印象。而在后半张专辑中，这样的气场被缩聚到《形状》中，这是专辑中在写作和器乐上均最具有性格的曲目，但在这里我们也可以非常清晰地感受到她所受到的音乐影响，并且感受她如何尝试驾驭、内化为自己的音乐语言。

《哪天的形状》可以给听众留下很直接的印象，它拥有稳当的制作思路，并且维持着悦耳的水准，在对呈现一个怎样的陈静琳这一议题上笔力精准——陈静琳期待在这张作品中探讨自己的可能性与对自己的诚实，自我可以成为的以及这些形象与自己本真的距离。它们成为这张专辑所呈现的诸多类型的基础，并在声音上小心地维持了融通与平衡。就从制作本身来说，或许这些问题尚未得到太确定的解决，以至于我们仍能感受到一些摆动：它既没有果断地走向 Indie band/alternative 的声音，又不完全地停留在中文流行乐的树荫下，成为稍稍尴尬的折中。《哪天的形状》或许可以成为“音乐人该如何面对场景与类型”这一问题时一个可以参考的答案，但对于一位刚刚发布首作的年轻唱作人而言，这样的徘徊可以代表或被形容为一种贴切的体验。

冲出亚洲、走向世界，来自武汉的摇滚乐队 Chinese Football 在中文独立音乐场景中无可替代。在国足的北美巡演启程前，我们在杭州凛歌音乐节的间隙完成了这次封面的拍摄。本期封面音乐将包含他们同名首作的回顾以及乐队关于本次巡演、未来计划的独家专访。

本季实体内容包含了我们与深圳明天音乐节的合作专访内容与特别专题，作为中国最为重要的实验与前卫音乐节，明天音乐节本届阵容覆盖了前卫摇滚大师三重奏 Orcutt Shelley Miller、个性突出的顶尖吉他手 Ava Mendoza、声音艺术家 Sarah Davachi、Brutal Prog 类型开山鼻祖 The Flying Luttenbachers 以及当代杰出的奈伊笛演奏者、苏菲音乐学者 Kudsi Erguner。

你还可以在本季内容中看到来自印尼的新生代另类流行音乐人 NIKI，极具个性的吉他摇滚乐队 The Beths，新千年英伦哥特领军乐队 The Horrors，实验电子与声音艺术二人组 Matmos，以及去年以同名作引起乐迷关注的 Racing Mount Pleasant 与UPEE 进行的独家专访内容。

除此之外，你仍然可以在本季内容中阅读我们新鲜打捞的过去一季最佳新音乐以及未来一季值得关注的新发行。

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封面摄影：浴室傩

特别鸣谢：徐波（Chinese Football）

冲出亚洲、走向世界，来自新加坡的 Indie Pop/Indie Rock 乐队 Sobs 是 20 年代乐迷不容忽视的声音。在她们 2026 年首次来到中国巡演之际，我们在上海与 Sobs 完成了此次封面的拍摄。除此之外，本篇封面内容还会包含我们此前与 Sobs 进行的专访。

本季实体内容包含过去一季的精选与独占内容。在封面音乐之外，还包含在独立乐迷心中极具分量的 Black Country, New Road，水星奖得主 English Teacher，泛后摇类型新锐 caroline，以及长期以独特的创作成为乐迷心中不可替代的 Sea Power 与 Múm 等音乐人的中文独家专访。此外，今年重组回归的情绪劲旅 Shanghai Qiutian，以及凭借首作获得广泛关注的中文新人 jody积融、Lay Lady Lay 我们也进行了访问，你可以在本期内容中看到。

本期内容也包含了我们与 Marshall 合作的合作专题内容。除此之外，本季实体内容仍包括过去一季的发行推荐，以及未来一季值得关注的新发行前瞻。

封面摄影：浴室傩

特别鸣谢：Zach（Anniversary Group）、丁丁（Sour Production）

温暖细腻之间拥有坚韧与耐心，我们在 2026 的春意到来之前邀请了“植物系音乐人” 饭卡 登上我们本年度的冬季封面，与大家一起感受冬季阳光的和煦，体会他独特的生活哲学。

本季实体内容包含过去一季的精选与独占内容。除开封面音乐之外，还包括与来自英国的人气摇滚天团 Wolf Alice，爱尔兰器乐摇滚劲旅 Overhead, The Albatross，法国新锐乐队 BRUIT≤，极具个性的中文唱作新人王忆灵与 Private Cinema，以及华语另类摇滚乐迷心中极具重量的 Skip Skip Ben Ben 等音乐人的独家专访。

除此之外，本季实体内容仍包括过去一季的发行推荐，以及未来一季值得关注的新发行前瞻。

摄影 yeweiming

制片 yuye

造型 cc

妆发 Ruoyu

摄影助理 yc

特别鸣谢：Lisa（西北土特产）

正如《People》杂志每年都会选出当年的“年度性感男士”，作为中文互联网最具垂直影响力、行业权威性和乐迷认可度的爱男频道，我们也将从今年开始选出独立乐界在过去一年中最为性感的男性音乐人。

首届年度性感 INDIE 男士为深圳新晋摇滚乐队 夏日麽麽茶 的贝斯手 AJ ，他以独特的审美与衣着进入我们的视野，成为过去一年中我们认为最为性感的独立音乐人——在今年 11 月，我们与这位年度性感 INDIE 男士在深圳进行了拍摄，他十分慷慨地在镜头前展示了自己的肉体，为中文乐迷们展现自己的男性魅力。

除开关于性感本身的特别采访外，本期副刊包含了此次拍摄的诸多写真以供爱男的朋友们欣赏。

本实体内容为年册副刊，仅随年册出没，为附赠性质的非卖品。

封面摄影：方进一

经过一年有余的等待，我们终于带来了 UPEE 实体内容的首期年终辑，并邀请华语独立场景在这个十年最受关注的新人之一 张醒婵登上封面。这位两度登上 UPEE 最佳中文发行年榜的音乐人在 2025 年带来了首张专辑《No，no！》的后续 EP《No，now！》，并持续收获了乐迷与评论的支持与肯定。在本期年终辑，我们与张醒婵进行了一期特别专访，同时收录了两期年度回顾榜单，并赠 2026 年历。

在 2025 年范围内（即截至 2026 年 1 月 1 日前）订阅一整年实体内容或连续、陆续订阅四期实体内容的读者将会收到年终辑。

在报纸形式之外，我们仍有杂志形式的全年纪念册，除了年终辑包含的内容（不含年历），我们收录了过去一年内的四期封面内容以及部分精选发布内容。

纪念册单独上架，不与脲报订阅相关，限量 100 份（或根据预售情况补制），至多限售至 2026 年 2 月 16 日（除夕）。同时，纪念册包含副刊赠刊一本，赠刊内容我们会在明日公布。

封面摄影：浴室傩

在本季，我们邀请了来自成都的数摇乐队 Fayzz 担纲封面人物，这支乐队在前两张全长专辑《CONNECTION》《Days Gone》中即展示了他们独特的创作审美和技术力，成为中国数摇场景最出色的乐队之一；而今年秋天，他们在第三张专辑《Patch》，在更贴切于此时此刻的视角中思考AI时代的命题，探讨“明天”与希望。

此外，本季内容囊括了我们与近年中文音乐最令人振奋的新锐唱作人 张醒婵，无论在录音室或现场都极具趣味与个性的美国乐队 Battles ，在《歌手》节目中引发乐迷广泛关注的民族音乐人 者来女，绝对有感觉的台湾迷幻摇滚乐队 Dope Purple 以及越南灵魂乐的当代代表 Saigon Soul Revival 的独家专访。以及纸刊限定的过去一季最佳新音乐打捞，未来一季的演出信息整理与新发行前瞻。

读者们可前往 UPEE 爱发电小站进行订阅。

封面摄影：杰克甲

封面后期：浴室傩

特别鸣谢：Jef（New Noise）

在本季，我们邀请了来自泰国的新锐后摇乐队 JPBS 担纲封面人物，这支乐队在上半年于 Can Festival 初登场以来就通过出色的现场视听在乐迷们的脑海里留下了深刻的印象。也由此，我们本季以 Post Rock 以及泛器乐摇滚作为主题，聚合了五月末与越位音乐节合作进行的五组音乐人专访，包括早已知名于乐迷之间的 Maybeshewill、東京酒吐座、SAISA，以及来自香港的新锐乐队 Virgin Vacation 与来自伦敦的后摇新秀 Million Moons。

此外，更包含我们早前发布的几篇专题文章，以及独一无二俄罗斯国际天后那艺娜的首篇音乐媒体专访，极致独特的电子音乐二人组上海复兴方案专访，以及 REDЯUM 复出以来的唯一一篇的中文媒体专访。除以上封面内容外，仍有 Diner 等新锐音乐人，ODUCHU、乌仁娜等世界音乐天籁的特别内容你可以在本季报纸中找到。

脲报夏季刊将在八月的第一周陆续寄出。

封面摄影：Pawaris Jiamchoatpattanakul

特别鸣谢：吉里（Space Circle）

年初，我们宣布了全新的订阅方案，即以 ￥39.99 一季进行订阅的用户，我们会赠出一季一期的限定实体刊物一份（包邮，并附带当季限定的音乐人海报一张）。

从本季开始，UPEE 将持续为大家呈现独家脲报封面与独家当季海报。在冬季刊如数售罄后，我们便火热开始制作春季的脲报内容。在本季，我们与战马音乐节合作，对在过去一季来到中国大陆进行演出的日本民谣二人组 Suzumeno Tears 与蒙古音乐人 Enji 进行了采访，并成功邀请 Enji 成为我们第二季季刊的封面人物——在成都与上海巡演的短暂间隙，她接受了我们的拍摄，我们也荣幸迎来首位登上脲报封面的国际音乐人。

采访收录：Enji、Suzumeno Tears、角銅真実、春ねむり、Shii、STUTS、Klang Ruler、Yufu、David Boring (Jason)、劣

音乐整理：春季最佳新音乐、三月三特辑·史上最佳小三音乐、夏季新发行前瞻

封面摄影：杰克甲

特别鸣谢：弋可、Elisa（战马时代）

寻找纸媒传统，追求可触及的观点。在乐评自媒体井喷的互联网时代，逆流而上走回纸媒的形态，尽管触感熟悉，却足有新颖、即时、独到的观点。2025 UPEE 冬季脲报，首批已经如数寄出啦！

冬季采访看点/ 中文爵士流行女伶 喜辰晨 · 来自荷兰的东方主义迷幻摇滚乐队 YIN YIN · 从日本走向世界的数学摇滚新锐 tricot · 上海独立电子双人组 CHILLGOGOG · 意识独特的新民谣乐队 天鹅与花朵

时新观点汇集/ 黑人音乐人横扫三个通类奖项-第67届格莱美“改革”确有其事？

最佳新音乐打捞/ 从jasmine.4.t、Oklou 新发行，再到蓝奕邦、Dreamfish 的再版资讯

封面摄影：严肃

特别鸣谢：Lisa（西北土特产）

Rated by JonJon

Genre: Art Rock/Alternative Rock

Release: 2026

Label: 赤瞳音乐

时隔六年，柏林护士发布了乐队的第二张全长专辑《The Good, The Bad and The Tomorrow》。相较于早前对于中文乐迷来说充满力度的后朋克基底，他们在这张久违的回归作品中更多拥抱了 Art Rock、Indie Rock 的元素，这让他们听起来与以往的印象十分不同、焕然一新。而在几乎同类型创作者都在尝试让自己听起来更“国际”也更加“2020年代”的当下，《The Good, The Bad and The Tomorrow》反而更让人有一种与“中国摇滚”语境相关联的声音。

乐队在开场即以《Genesis》的两部分展现了一种内心的迷失，以及在之中寻找自己、自己在环境中的位置的挣扎。《The Good, The Bad and The Tomorrow》就在这样的，充满错杂的混沌中展开了整张唱片的叙事和声音旅程。转变成为了这一阶段柏林护士最为醒目的一点，它体现在《Philip Marlowe》更放得下的情绪以及更内聚、紧凑的能量线条，后者作为单曲发布时它仍然是一支很适合作为现场演绎的曲目，但在专辑中他们保留了爆发的余地，让曲目的后半段更为自如，同时注入了更多即兴化的精神。

与此同时，专辑拥有许多可以让听众第一耳便感到catchy的部分，例如《Empire of Ants》的贝斯与打击乐配合，《Legilimens》颇有 The Clash 回顾的鼓和吉他，《An Unscathed Flash Forward》一股 Baroque Pop 气质的人声旋律。某种程度上，《The Good, The Bad and The Tomorrow》保留了各式各样的浪漫，并通过更加根源的形态进行呈现，乐队也在试图让它们得以以一种有条理的方式共存、融通。这些都让这张实际上内容做得庞大的作品拥有了一些适度的外放和呼吸，也让它相比乐队六年前崭露锋芒的首作，更有一张成熟乐队应该做出的唱片的气场。

柏林护士没有想要通过《The Good, The Bad and The Tomorrow》让自己听起来“合群”，相反他实在与时下各样的浪潮/场景都太不兼容，这是乐队当下更注视自身的佐证。但同时，它也展露了对他们而言这场“向内挖掘”仍在过程中，他们仍然需要更贴切的属于自己的声音，这或许会让这些对浪潮的反叛更像一个应有的成果或收获。

Rated by JonJon

Genre: Alternative Pop/Indie Pop/Singer-songwriter

Release: 2026

Label: Cashmere Records

独立唱作人 苏给给Hastings 的个人首张全长专辑《草莽》将他身上所具有的诸多音乐影响以杂糅但不失条理的方式进行了呈现，对 Indie band sound、Chamber Folk 器乐、Blues、Jazz Fusion 以及某些时候让人联想到华语流行的旋律这些来自不同类型和领域的思路进行重组，让这张作品在协调、融洽的同时拥有引人入胜的层次与内容感。与此同时，《草莽》仍然维持着一张流行专辑的体量，让一些充满趣味的尝试停留于小打小闹，这不免让人联想如果这些声音更纯粹成为“垂类”的样子。

如果你仍然在期待华语音乐在 Art Pop 在这一品类发掘一些可以让人感到更丰富的声音，《草莽》在流派融合的层面的确可以满足胃口。苏给给Hastings 在这张开刃作中事无巨细地将这些营养他成长的元素进行呈现，值得一提的是，他没有以一种二十年前我们在主流唱片工业发行里感受到的”收歌”感进行呈现，而致力于寻找一种方式让这些声音可以融通在他的创作里。所以在这张专辑中，无论是《树与海》这样具有暗潮感的 Chamber Folk/Jazz，或者《砂瓦砾》这样非常有唱作人音乐气质的 Alternative Rock，都可以贴切于《草莽》整张专辑的语境，带来整体流利的听感。

这样的方式的确让《草莽》与同时期我们在“华语 Art Pop”这一品类里听到的作品不同，它不会用晦涩但不生动的写作跟听众拉开距离，相反这张专辑在绝大多数时刻都维持了流行音乐的易听，并尝试在流行感的旋律之间保留一些器乐生长的空间。这让《草莽》维持了一种相对更实在的演奏气场，不会在刻意的张扬之间让听众感到心虚；而对唱作人音乐的坚持某种程度也让这张颇有跨度的融合作品拥有更高的对写作与声音的要求，有非常多的流行气场的 R&B 以及摇滚乐发行可以让器乐、演唱之间维持巧妙的制衡，《草莽》于这一点而言则稍显招架失控——专辑中有时会让人感觉有种”流行小品”的小量感，在充足的轻松和愉悦感之下会让这些器乐的声音控制仿佛跳脱。

值得一提的是，《草莽》并不那么显露野心，它不是一张希望大家听起来会觉得这位创作者/制作人很“酷”的发行，它更忠实于以相对贴切的方式呈现这位唱作人的表达，也因此这些写作在这样的底色中成立，既可以拥有在暗色调中丰富亮丽的器乐（就像封面所呈现的那种色泽质感），可以拥有扎实的、很“华语流行”习惯的经验。

自今年始，我们将以一年一个年代的节奏，逐年推出十年代际回顾榜单（并计划一路连载至 2029 年——如果届时我们尚未倒闭），包含面向非华语地区的「海外单曲与发行百佳」，以及中文世界的「华语单曲与发行五十佳」。系列榜单剩余内容我们会在接下来的每个周六陆续发出。

90s 系列：海外单曲百佳 海外发行百佳

No.50-41

No. 50 黑豹: “Don’t Break My Heart”

No. 49 辛晓琪: “味道”

No. 48 杨千嬅: “再见二丁目”

No. 47 尹相杰 & 于文华: “纤夫的爱”

No. 46 那英: “雾里看花”

No. 45 江珊: “梦里水乡”

No. 44 朴树: “New Boy”

No. 43 陈绮贞: “嫉妒”

No. 42 陈洁仪: “担心”

No. 41 林忆莲: “倾慕”

No.40-31

No. 40 动力火车: “那就这样吧”

No. 39 郁冬: “北京的冬天”

No. 38 李杰: “笑容”

No. 37 伍佰 & China Blue: “心爱的再会啦”

No. 36 陶喆: “沙滩”

No. 35 莫文蔚: “冷雨”

No. 34 关淑怡: “恋一世的爱”

No. 33 王菲: “守护天使”

No. 32 范晓萱: “数字恋爱”

No. 31 中国娃娃: “丹凤眼女生”

No. 30 陈珊妮: “ㄐㄧㄢ视”

陈珊妮早在出道之初就已经拥有相当完善的唱作人气场，并成为我们在现在回顾台湾音乐（或者两岸三地的音乐产业）的“主流-独立”融合场景里不可或缺的重要人物。《ㄐㄧㄢ视》保持了一种在简洁的构架里打得出力度的自若感，这样的气质可以让她跳脱在千禧年对女性歌手的凝视之外，拥有相当突出的创作性格。

No. 29 张震岳: “分手吧”

很多时候歌迷会因为一种“挫”感把张震岳和陈昇放在一个类似的评论语境中，但实在来说两位音乐人对于在创作中书写自己的尴尬很不相同：张震岳会把自卑和怯懦以直接的笔触陈述出来，他会用很直接的方式在他的音乐里承认自己的软弱，而这样的少年自白文本也让他能一直与同时期的创作者不同。

No. 28 伊能静: “害怕”

陈珊妮是我们当今时代最优秀的创作者之一，伊能静则是一位长期以来被忽视的歌手，《害怕》容纳了这两位音乐人一个融洽的合作状态，拥有谨慎、脆弱的、患得患失的都市情绪。

No. 27 郑秀文: “出界”

世纪之交总会有这样轻盈简单的，让你深刻感受到这就是“华语流行”的音乐。华语流行音乐从来不是一两个“英雄造时势”的类型，总会有像陈冠蒨、伍思凯、潘协庆这样的唱作人弥补了许多大众可能暂时没意识到但不可或缺的时代注脚。

No. 26 陶晶莹: “姊姊妹妹站起来”

好那个。

No. 25 伊能静: “洗衣服”

陈冠蒨的创作是极具作者气质的，在《下大雨春花开了》这一张颇受黄舒骏与张雨生影响而充斥着古典美的作品里，她以微妙的方式将这些可能有些凌驾在伊能静身上的声音以更日常、更轻的笔触缝进伊能静的音乐中。

No. 24 蔡琴: “点亮霓虹灯”

蔡琴的都市寂寥心情都在《午夜场》，而《点亮霓虹灯》拥有这些心情里最顾自神伤的一面。90 年代的蔡琴在新一代的乐迷眼里，可能因为 City Pop 的尝试与民歌发行成为某种“填补空白”的人物，但实际上，她的唱片更拥有多元、扎实的声音形象。

No. 23 吴佩慈: “Candyman”

喜欢 Chara 你就来吧，喜欢小山田圭吾你就来吧，喜欢那些日本流行音乐风潮影响的中文音乐你就来吧！

No. 22 伍佰 & China Blue: “牵挂”

伍佰在写作上拥有相当突出的个性，更在制作上拥有扎实的水准，可以在 AOR 的整体气场之间不落俗套，书写出当代那些极具金曲质感的作品。《牵挂》就有一种在硬朗、柔软之间恰到好处的调和，伍佰写这样的情绪不需要将自己放在一个很“被设计”的形象中，这样自然的笔力正是他创作上灵感生动又十分精准的体现。

No. 21 林德: “拥抱”

五月天在将近 30 年前写出了国语流行乐中最感人的酷儿爱情之一。出于身份带来的自卑与不安定感，成为同性关系中一团所有人都共同体验的阴霾，但五月天在这样一首充满了哀伤的曲目中更传递出了一份关怀与温暖：会有人爱你，会有人握起你的手，抱紧你。

No. 20 金海心: “把耳朵叫醒”

金海心低调地呈现了千禧年前最有心气的流行小品。与 ASOS、范晓萱 如出一辙但更协调于精灵、野蛮之间的鬼马气，泛爵士融合的编排框架里已经穿插起酸感满满的旋律写作，又仿佛隐隐与二十年后网络流行音乐呼应（有点像本兮这些人会写的小流行音乐）。《把耳朵叫醒》以一种相当放得下的姿态走进听众，不流露什么野心，只呈现一些最单纯的趣味。

No. 19 卢巧音: “垃圾”

《垃圾》能让卢巧音从一开始就让人倍觉惊艳的一点，或许就在于卢巧音对于情绪相当精准的诠释。这些在词作中不自觉的失落，自轻的沮丧，都以一种细腻却直接的方式呈现给听众，仿佛是在用直觉唱歌。

No. 18 陈珊妮: “不做梦”

时事永远要求创作者保持关切，而陈珊妮作为坚持表达四十年的唱作人在九十年代的中期带来了现在来看仍然力敌千钧的话语。我们应该如何投身于这些话题以及看待自己在这些情绪里的位置，她以一种锐利却收敛的方式点明了这些出于各种缘由的“回避”或“枉顾”，这些无意于批判的对“无关痛痒”的指涉，可能是我们听到的对于政治性抑郁最贴切、直戳痛处的描写。

No. 17 林忆莲: “夜太黑”

都市气是林忆莲在90s太过熟练的命题，《夜太黑》不仅拥有相当直接的“Pop”面向，同时在 World Music/Sophisti Pop 的气场之间呈现出足致的饱满。作为相当出色的歌者，林忆莲对于演唱的精进至此已经不是致力于成为某个很具体的女性形象，某种力求贴切的生活情境或者场景，她的演绎可以成为一种复杂的综合。

No. 16 林强: “爱情研究院”

林强在《娱乐世界》中做了太多出色的 Midtempo/Dream Pop 尝试，并延伸出相当多值得驻足聆听的触角，但在《爱情研究院》里，他保留了一部分空间给“台语民谣”的柔软和流畅，用最极致的旋律审美诠释这张充满了探索性的作品对自身语言/音乐创作习惯的坚持与回首，也由此显得相当浪漫。

No. 15 凤飞飞: “追梦人”

No. 14 潘越云: “纯情青春梦”

我们该如何形容陈昇对于“新台语”这些音乐的意义呢？毫无疑问，来自陈昇的更加平衡、协调的整体制作让这些散发着市井气质的民谣流露出一种质感独特的古朴美感，直到现在听来仍然气质突出；而书写独立的女性意识，更让它在现在来看依旧让人感到启发，更不必论潘越云本身带着韧劲、又充满温情的演唱。这一代人对于台语并不像一种改造，反而更像自然地用更新的语境重新进行雕刻。

No. 13 张亚东: “只爱陌生人”

非常 Indie 气，非常 Alternative，是张亚东在世纪之交作为制作人在审美上的关键词，但在另类音乐与主流视野的融合中，这些相对粗糙的元素总有可能会被打磨得“太有光泽”——王菲持续的探索让她在生涯的末期找到了 Indietronica、Art Pop 在中文音乐语境里最合适于自己的表演方式，张亚东则给《只爱陌生人》保留了一份原初。一切都在他充满阳痿感觉的、宛若牛叫的人声里。

No. 12 田震: “野花”

那是2001年11月，春暖花开的日子。

南京五台山体育馆里，灯光璀璨星光熠熠。

中国流行歌曲榜颁奖典礼正如火如荼地进行着。

谁曾想这场本该群星闪耀的盛典，却变成了一场惊心动魄的修罗场。

当最受欢迎女歌手奖项即将揭晓时，空气仿佛凝固了。

全场的气氛瞬间紧张得像是拉满的弓弦，随时可能崩断。

按理说这个奖项应该是实力派歌手田震的囊中之物。

毕竟她的歌声可是响彻大江南北，圈粉无数啊！

可就在那英满心欢喜，准备上台领奖的瞬间，天雷勾动地火！

只见田震如一阵旋风般冲上舞台，当众掀起了颁奖典礼背后的黑幕。

她一把夺过话筒，声音中带着掩饰不住的愤怒。

这个奖项原本是我的，是经过公证处公正的结果！

可现在他们居然把奖项给了得票第二的选手！

田震的话音未落，全场哗然仿佛被投下了一颗重大炸弹。

紧接着她做了一个让所有人都始料未及的举动。

只见她将手中的话筒狠狠地摔在地上，发出砰的一声巨响。

这一幕堪称华语乐坛的巴掌门事件，震惊了在场所有人。

随后田震转身离去，留下一片狼藉和满场目瞪口呆的观众。

No. 11 彭羚: “给我爱过的男孩们”

在为彭羚写下这首歌的年纪，Eric Kwok 距离成为现在人们所熟知的“广东歌巨匠”，而相对于生涯之后诸多脍炙人口的创作，这首 1999 年彭羚转型专辑的开场曲保留了太多仅此一份的魅力。轻甜细腻的旋律就像一首献给青春与过往的挽歌，但又在略微的神伤之间带着期许，隽永的情绪一定会是错杂的，以至于让这首少女心事的曲目拥有如此的说服力。如果可以不考虑责任地说一些暴言，Eric Kwok 给《一枝花》创作的两首曲目总有那么一瞬想让人感叹这就是最好的粤语流行音乐了——而或许它们的确已是。

No. 10 陈昇: “风筝”

如果你也是一个恋老癖，你真的受得了别人对你唱“因为我知道你是一个容易担心的小孩子……”吗？陈昇在《风筝》中倾注了太多的爱，以至于它听来可以那么诚恳，让人相信这些爱都是单纯而真实的。

No. 9 崔健: “时代的晚上”

每次让我们回想一个时代时，《时代的晚上》就总有一种常听常新之感。浪漫的消退，经验取代了天真，持续的精神压力，欲言又止的瞬间，这些全都是三十年后的年轻一代仍然在持续经历的体验。人们把《时代的晚上》比作中国社会两页之间的交替，它其实更像一种持久的成长时刻，可以放在一切让人感受到在焦躁中难得平静的语境中，并且直接地让人感受到转瞬即逝。

No. 8 刘欢: “好汉歌”

No. 7 徐怀钰: “我是女生”

Teen Pop 从来没有缺席过 90s 的华语流行乐。相较于不那么成熟的小虎队，颇玩票的范晓萱，以及个性尚不突出、更着力于流派融合的蔡依林与周杰伦，徐怀钰在这首洗脱着轻松感雷鬼小品中为听众呈现了这个十年 Teen Pop 在中文语境里最为单纯的面貌。

No. 6 达明一派: “十个救火的少年”

达明一派的许多创作听起来都十分尖锐、辛辣，《十个救火的少年》就是非常显然的之一。相比《神经》里许多在笔触上就触目惊心的词作，《十个救火的少年》用一则简短但十分拥有力度的预言讲述了理想是如何沉沦、热忱如何缩水、流言如何侵蚀人的行迹的。直到现在来看，当我们面对人们的怯懦以及各式各样的世态炎凉时，这样一首被打造成“流行小品”的警世歌仍然那么有力。

No. 5 高枫: “大中国”

一切与中国的骄傲都在《大中国》里，那些民歌底色、东北的语言风格、朝鲜族的音乐元素全都组成了《大中国》在声音上的特色，而关于大好河山、中华民族、生活发展的一切，都足以成为为之自豪的理由。《大中国》的情绪太有自发性了，不是黄霑《男儿当自强》、屠洪刚《精忠报国》那种纯粹的男子气概音乐不一样，高枫的骄傲不仅是文化的，更是站在民族的，投身于政治的。

No. 4 许美静: “遗憾”

《遗憾》带着简单的器乐编制回忆一段无果的爱，歌词甚至有些将自己英雄化的色彩，鞭笞将自己遗弃的人，同时顾影自怜。编曲层层递进但继续贯彻许美静的特色，重 band sound 和实体乐器同时收敛合成器使用，让听感更少些同时代的痕迹。

No. 3 刘若英: “为爱痴狂”

在《为爱痴狂》里，刘若英坚强地称颂着每一段失意、失落的感情——唱片公司给《为爱痴狂》选定的英译为“Crazy For Love”，难免令人想到玛丹娜的同名单曲，但与后者那种纯粹的感情不同的是，陈昇为刘若英量身打造的这首歌更充斥着与美丽相伴的哀愁——它是一种不需要用太多情绪堆积就能让听众感受到的惆怅。很多时候我们会说二十年前台湾的主流音乐（尤其是滚石的发行）都有独特的、仅他们一份的气质，但在陈昇写给刘若英的这些作品里，更多的只是一种细致而个人化的感情，这样的感情既容纳于都市的气场之间，又有一种在微小之间坚强的能量。

No. 2 梁咏琪: “中意他”

简洁舒爽，轻盈自然，Eric Kwok 与 Gigi 的每次合作都有出乎意料的“贴身感”。《中意他》拥有相当自若的亮丽，翩跹的雷鬼节奏，短线条的旋律写作，与 Swing 一致的不求繁重的编排风格，一切听来都那么贴切于“新鲜”，也让她听起来跟很多同期的音乐不同：不强迫跟浪潮或者风尚合流，只做最纯粹悦耳的流行音乐。

No. 1 黄耀明: “你真伟大”

黄耀明和蔡德才在《你真伟大》中带来了“港式 Synth Pop”最有神采的形态，配合上周耀辉的词作，他们对《你真伟大》这一首颂歌的“改造”让它拥有了一种不一样的酷儿魅力：对主和父亲的称颂在酷儿小孩成长中是对 Father figure 的仰视，而对犯错、失望、叛逆的书写更带有一种“不在期望路径中成长”的个体体验，它延伸出了一种个性和家庭、环境之间的纠结。而这样在纠结、撕扯中尝试成长，是绝对贴切的少数派之歌。

歌单：Spotify / 网易云音乐

内容整理：石田吉藏

参与撰稿：UPEE

德国传奇独立乐队 The Notwist，自 1989 年成立以来不断跨越各种类型的边界，以个性十足的声音成为乐迷们心中极具分量的队伍。前不久他们时隔九年再次回到中国，在嘉兴泡泡岛音乐节带来久违的演出。UPEE 有幸在泡泡岛音乐节与 The Notwist 两位成员 Markus 与 Micha 进行一期专访，聊聊新作的创作以及当天演出的感受。

UPEE： 来到嘉兴泡泡岛音乐节，你们感觉如何？

Markus： 我们感觉非常好，也很高兴可以受邀。所以我们非常感谢泡泡岛，也感谢 New Noise——我们的代理，也是我们朋友，他们为这次演出做了很多组织工作。这是我们第三次来中国了，对一支德国乐队来说，能来中国演出非常开心、非常幸运。我们很喜欢这个国家，希望尽可能多地来。

UPEE： 对这里的观众、场地和整体环境感觉怎么样？

Micha：很酷，一个很棒的地方。人都特别好 —— 每个人都非常友善。观众也超级棒，我们从德国来到这里，有人认识我们的歌、会跟着一起唱，这让我们很感动。那感觉太好了、太美妙了。

UPEE： 关于刚不久发布的专辑《News From Planet Zombie》，这张专辑听起来比以往有更不一样的听感，可以分享这个概念以及标题背后的灵感吗？

Markus： 我们觉得整个世界以及我们周围每一个国家的发展，都渐渐变得非常可怕、非常严峻。这让我们感觉自己仿佛生活在一个某种意义上的“僵尸星球”上。于是所有这些歌，就成了我们表达对周围处境的感受、同时也是对自身生活感受的一种方式。所以它不只是负面的新闻——它也有很多非常正面、私密、动人的东西。它既关乎这个星球整体的政治局势，也关乎我们生活中那些非常积极的事情，因为每个人都有自己的生活。有太多事正在发生。这是一种非常个人的视角。

UPEE： 从音乐上讲，它听起来更民谣、更像唱作人，就像《Vertigo Days》的一些曲目那样。促成这次演变的原因是什么？

Markus：我觉得是因为我们这次的想法，是不想再做一张很“录音室”的专辑——不是一首接一首地录，而是让整支乐队，所有人一起待在一个房间里，现场一起演奏，然后按我们演奏的样子录下来。所以为了这个，我们得先把这些歌做完。于是这个想法就是去做一些非常简单、每个人都能产生共鸣的歌——乐队内部的人能共鸣，也许外面的听众也能。而且这也是我们真正喜欢的东西。我们喜欢实验性的东西，而当我们做了很多实验性的东西之后，我们就想做民谣；当我们转向民谣之后，我们又想做回实验性的东西。就这样循环。

UPEE： 这张专辑里翻唱了 Neil Young，他是一位很有美国感觉的歌手。而在你的职业生涯里，也有一个更偏美国音乐的时期。面对这些美国元素，你们现在和当时相比，感受有什么不同？

Markus：我觉得这么多年下来，我们有过非常多不同种类的灵感。美国音乐和 Neil Young 很重要，但也是我们早期的灵感来源。另外还有大量德国的 krautrock 音乐，最近则有很多日本音乐和其他亚洲音乐。所以我们觉得自己不是那种国际乐队，也不是一支德国乐队或者其他什么。我觉得在今天这个时代，你的根好像到处都是。所以我们其实不会去想这算不算美国化之类的——对我们而言，它只是一首我们喜欢的音乐。

UPEE： 从上世纪 90 年代起，你们在专辑里尝试了很多种流派，但听的时候还是觉得像一张完整的专辑。所以我想知道，作为专辑制作人去制作自己的专辑时，你是怎么做到的？你是怎么让这么多流派，仍然听感像一张专辑的？

Micha：我想主要靠的是人声、歌词和演唱——它们有贯穿所有歌曲的一条线。而且我想我们的品味在每一种表达里都是一贯的，所以哪怕我们加入一些更自由的东西，它也总是落在我们的品味和我们的编曲方式里。我想这就是贯穿我们所有作品的那条主线。

UPEE： 说到国际这个词——有很多音乐人来自音乐产业不那么成熟的国家，他们在努力寻找自己的声音，努力让人们听到自己来自哪里。对他们，你们有什么建议吗？

Markus：我觉得这是个好的时代，也是个艰难的时期——因为流媒体的现况，独立音乐人很难靠音乐维持生计、或者从音乐里赚到很多钱。但另一方面，这也让你非常自由。你可以做任何你想做的事，你可以触达整个世界。所以我觉得，这是一个适合专心做自己事情的时期——而且它会找到属于它的听众…… 我们唯一始终的建议就是：对所有做音乐的人来说，别去依赖任何建议，只要做你觉得对的事就好。

UPEE： 我刚刚看了演出，你们表演最新专辑或者以前的旧歌时，整个现场的能量也非常流畅。对于一场演出的 setlist 选择，你们会有什么考量？

Micha：像今天，我们就只是想了下什么合适、人们想听什么。而通常我们只是演我们想演的东西——不在乎是哪张专辑，就是每一首我们喜欢演奏的歌。我们把它放进歌单，然后试着按我们现在的方式去演奏它。如果是一首早期专辑里的歌，我们就用当下的方式来演奏。我们就是这样挑选现场歌单的。在舞台上不断做出变化、留出开放的部分、把一首歌渐变过渡到另一首，这始终很重要——所以这一切就像一首大的、贯穿这些年的长歌。

UPEE： 与此同时，我注意到你们的音乐里有很多抓耳的很有流行感觉的旋律，你们会怎么形容或者看待这种创作上的易听感、旋律性？

Markus：我觉得那不是一个我们刻意追求的东西——它只是我们喜欢、然后自然发现的东西。我们一直试着去做那种我们自己愿意听的唱片。而我们喜欢听的音乐，是那种带有我们可以跟着唱的旋律、同时又带着复杂的编排、仍然充满冒险感的。所以我想我们就是喜欢旋律和歌。

UPEE： 早些时候在 2021 年，你们发行了首张专辑的三十周年再版。我想知道，回望那张唱片、以及 90 年代的 The Notwist，是什么感受？

Markus：其实我们不太经常往回看，感觉我们总是一直在想下一张专辑。我们做了一些演出，是因为我们要办 Alien Disko 这个音乐节、想为它筹措资金。所以两三年以前，我们得为这个音乐节筹钱，于是演了几场只唱前两三张专辑里歌曲的演出。实际上那种感觉真的很好。就是说，不带怀旧色彩地、只是去演奏这些歌，我们找回了那种联结，以及我们现在听它们时所喜欢的东西。而且你总还是能找到一些依然能与之共鸣的东西，我想是这样的。

UPEE： 同时，我一直感觉 The Notwist 的封面艺术很令人印象深刻 —— 比如《News From Planet Zombie》，它有一个绘图质感的封面。你们觉得的封面视觉对于音乐人来说有什么作用，或者说 The Notwist 的视觉理念是什么？

Markus：我想它始终是想提供另一种故事、另一种给唱片赋予面孔的方式。就像《Vertigo Days》音乐就像是一部电影或者这张图片的配乐一样。所以我们会去寻找那些能给唱片上所有故事再讲一个故事的东西。来自维也纳的艺术家，Marie Vermont，她的画作作为这种梦境感的同时也是噩梦的一张专辑的封面，是非常契合的。

UPEE： 关于今天的音乐节，你们今天有遇到什么让你们感兴趣的东西或者听到有趣的音乐吗，比如早些时候？

Micha：Dry Cleaning，我们非常喜欢，她们很好。Alvvays 也不错。我们其实也很想看看惘闻，因为我们认识他们，看过他们的演出，还在某次巡演里一起演过、曾经聊了一整夜。那次真的非常愉快，他们也是非常有意思的人。但他们的演出和我们的演出在同一时段，所以这次没能看成。希望下次吧。

UPEE： The Notwist 上一次中国巡演是 9 年前了。那次巡演有什么令你印象深刻的回忆吗？

Micha：那次也特别棒，超级好。这次我们其实也想多演几个城市，但来不及了。

UPEE： 我们有没有可能在之后看到 The Notwist 在中国大陆的巡演？

Markus：我们很想，也希望如此——只是我们得提前很长时间做安排，大概要提前一年开始准备。所以我们现在就会试着去安排。也许明年会有点什么，能再来亚洲。前几天我们也在亚洲去了一些地方，这些演出也都非常好，但在大陆只有一场演出。所以我们想多演几个城市，这三场演出都太好了。

UPEE： The Notwist 组成现在的阵容已经十年了。你们怎么看待如今、与十年前相比的变化——无论是创作还是现场演出？

Markus：我想对我们来说，这种变化一直是循序渐进的，从一张专辑走向下一张。所以专辑之间差别很大，但很难把现在的一张专辑和更早的某一张直接比较。它总是像在上楼梯——对我们来说，去想是前进还是后退，其实不太合乎逻辑。我不知道，我希望是向前吧。

编辑/整理：石田吉藏

图片：泡泡岛音乐节

采访联络鸣谢：泡泡岛音乐节

来自成都的独立音乐人 江上青山JasonYama，以 City‑Pop、R&B 与电子为基底，擅长打破语言与地域边界，将多国语言、各地方言、异域文化巧思揉进创作，构筑出奇幻松弛又扎根真实内心的音乐宇宙。UPEE 有幸与 江上青山 进行一期专访，聊聊《云中加冕 第三章》的故事，以及对于视觉载体与未来新作的规划。

UPEE：你前不久发布了单曲《云中加冕》的 3.0 版本，可以分享创作第三章的过程中对你而言最重要的灵感吗？作为一首贯穿江上青山这个项目至今的曲目，你觉得这首歌对你而言有什么特别的意义？

江上青山：《云中加冕》是我人生最低谷时期，治愈我、给我力量、完成自我救赎的一首歌。那段时间我的一切都陷入黑暗，没有任何人能够帮到我，生活、工作、身边熟悉的人都发生了巨大的变动，亲情、爱情、友情也同时遭遇重重考验。当我剥离掉这所有一切之后，内心迎来了前所未有的通透与震撼。这首歌是我当下最纯粹的情绪表达，创作之初也没有想过要凭借这首歌获得任何东西。

整首歌的创作发生在一个惬意的下午，整个过程让我觉得十分享受，从编曲、旋律创作到随性的录唱，一气呵成，写完之后我整个人如释重负。

这首歌的名字刚好契合了我当时的状态：“云中”代表彼时的我一无所有、身处虚空；而“加冕”是我对自己的期许，即便一无所有，依然要好好生活、认可自我、赋予自己前行的力量。创作时，过往的记忆不断闪回，曾经的自己不堪一击。我开始反思，从前自己一直坚信、执着的人和事，反而将我拖进无尽的漩涡，现在回头看只觉得荒唐。我希望能像这次酣畅淋漓的创作一样，彻底告别过去，重新活一次，塑造一个全新的自己。

这首歌对我而言，既是人生经历的革新，也是音乐风格的突破。这是我第一次在黑暗的境遇里，摸索出属于自己的全新音乐风格，也重塑了真正忠于自我的人生观。

第三章的MV里有一个很抽象的意象——飞船之中，未来的自己、或是另一个维度的自己，始终在暗中守护着当下的我，指引我奔赴更好的未来。其实我们自己，才是自己最无敌的守护者。当真正意识到这一点，内心的恐惧就会慢慢消散，取而代之的是笃定、无畏与轻盈。学会与自己的内心联结，认真过好每一天，这就是《云中加冕》想要传递的核心意义。

UPEE：前不久你还发了《蜀国物语》的音乐录影带，可以分享这次拍摄有什么有趣的经历吗？你觉得江上青山的视觉风格是什么样的？

江上青山：这次《蜀国物语》的拍摄是我第一次正式拍摄 MV，合作的导演是大臀村导，他非常懂我的创作理念。最有趣的一点是，这次拍摄没有固定剧本和分镜，第一次尝试这种模式我难免有些慌乱。于是我把自己满满的想法和创意全部给到导演，由他帮我做精简取舍，到了拍摄现场，我们全程头脑风暴、现场磨合解决问题，最终自然而然呈现出了成片效果，这样随性又治愈的创作过程，本身就十分有趣。

这支MV还有很多暖心的小彩蛋，独立音乐人尹立尧、键盘手钟晨豪、Sasha，还有我的猫咪都友情客串了出镜。拍摄之初，没有人能预想最终的成片效果，但整个过程充满未知与乐趣，一切都很有意思。

我认为江上青山的视觉风格十分鲜明，是独树一帜、可以让人耳目一新的风格，同时兼具多元融合性。从表面视觉呈现上看不出地域局限，和我的音乐一致，会融合世界各地不同的语言与文化元素，但整体质感不会割裂、违和。而作品的内核始终不变，根植于真实生活。整体是奇幻混搭的风格，离不开各种有趣的人、事、物与趣味剧情的结合。另外画面里那些轻微的晃动、随性的律动，对我来说也是一种独特的视觉表达，算是属于我的专属“跳舞”质感。

UPEE：很多乐迷可以在你的音乐里找到一种在场感，大家会联想这首歌播放时会身处什么场景。你在创作的时候会有这种”场景音乐”的意识吗？可以分享你一般创作一首曲目的大概过程是什么样的吗？你觉得对《蜀国物语》来说，它会是什么场景的音乐？

江上青山：我在创作的时候，并不会刻意预设对应的场景，更多只是单纯记录当下的抽象情绪与内心感受。在我的理解里，大家感受到的场景感，更多源于独处的心境。一个人独处时，无论身处何种环境，往往比身处人群中更细腻、更敏锐，能捕捉到更多情绪与感触，这也是我的音乐能带给大家在场感的核心原因。

我的创作没有固定死板的模式，我的语音备忘录里存了非常多灵感碎片，有哼唱的旋律动机、Riff、贝斯段落、节奏型，也有零散的歌词、随口哼唱的片段，甚至还有随性记录的玩笑话。这些灵感大多不会直接使用，但一旦适配曲目用上，效果往往会格外惊艳。

我的创作起点很随性，有时候会从歌词切入，一句有意思的话，就足以开启整首歌的创作，之后再慢慢梳理当下的情绪，明确整首作品的核心内核。有时候也会从编曲开始，可能原本没有创作计划，但偶然解锁新的乐器音色，随手把玩摸索时，就会自然而然萌生创作灵感，开启新的创作。

当曲目形成大致完整的核心demo后，我会围绕既定主题，融入一些趣味的语言元素、网络烂梗、适配的押韵句式，这个过程脑洞可以完全打开，十分自由有趣，有时候甚至会被自己的创意逗笑。

总而言之，我的创作没有固定流程，但永远有适配的方式推进。无论创作过程多么随性、自由、跳脱，我都会牢牢守住歌曲的核心内核，只要内核稳固，整首作品就一定能自然、完整地成型。

UPEE：在盛行短视频和AI的时代，似乎音乐录影带这样的载体变得不那么”流行”，你觉得视觉对于江上青山来说处在什么位置？

江上青山：对我而言，只要预算允许，我就会坚持拍摄音乐录影带。

当下确实是短视频、AI盛行的时代，MV这种传统载体已经不再主流，但恰恰是这样，我才更愿意坚持去做。MV能够承载更厚重、更完整、更有分量的内容，是碎片化短视频无法替代的。我看过的所有经典、伟大的音乐作品，都配有质感十足、表达完整的MV。哪怕是年代久远的老MV，仅从画面分辨率和镜头语言里，就能传递出满满的情绪与信息量，这是碎片化内容无法企及的。

同时这也倒逼我不断打磨音乐作品。如果一首作品本身质量平平，无论是从时间、精力还是预算的角度来看，都不值得专门拍摄一支MV。所以坚持做视觉、做MV，也在督促、要求我持续创作更优质、更有诚意的音乐。

UPEE：在接下来一段时间有什么计划可以在这里跟乐迷们透露吗？

江上青山：我会在今年补全这张EP的所有内容，明年的全长专辑创作工作已经正式启动了。这次的全专会有很多升级和全新的尝试，会带来和以往不一样的东西，值得大家敬请期待，我自己也对此充满期待。

UPEE：你的音乐有很多跨文化融合的元素，可以分享这些来自世界各地、不同社群的文化是如何影响到你的创作的吗？

江上青山：这种跨文化、跨地域的融合创作，对我来说是一件特别有意思的事。当我写歌遇到瓶颈，觉得段落单调、创作陷入枯燥卡顿的时候，我就会通过切换乐器风格、更换演唱语言的方式突破瓶颈，每次调整都会给我带来满满的惊喜。就像长期居家之后突然奔赴一个有趣的新地方，心境和体验会彻底刷新。但整首歌的内核、主题和自我表达不会改变，只是呈现形式更加丰富，带给听众的感受也截然不同。

比如《气运如来》这首歌，融合了中、日、英三种语言，这绝对不是随意堆砌的设计，我所有作品的元素融合都经过精心考量。这首歌想表达的是，当我心情低落、陷入低谷，想要出门走走、换换心境、扭转状态时，仿佛来自不同国家、不同地域的人，用各自的语言和口吻轮番安慰我、治愈我。我仿佛体验了不同的美食、奔赴了向往的远方、感受了多元的生活方式，最后再回归本心，用中文诉说自己的心境。当我看见世间美好与遗憾并存，才发现自己原本拥有的东西其实很多，心结就此解开，气运也随之舒展。

在切换语言的同时，我也会同步搭配大调、小调的转换，以及音色、乐器的更替，这部分创作细节是我特别喜欢、乐此不疲的环节。

除了多国语言，中文方言的细分变换我也经常运用在创作中。如果歌曲的故事发生在特定地域，或是有和当地人群对话的语境，在不违背歌曲主题、不破坏听觉质感的前提下，我都会融入对应方言，比如云南方言“克哪呢”（去哪里）、四川方言“咋个勒喃”（怎么了）、湖南方言“恰莫子”（吃什么），还有质感独特、适配度极高的粤语、闽南语，都是我创作里的常用元素。

另外，常规的英文演唱有时候会显得单调，很多句式、词汇被大量歌曲复用，缺乏新意，演唱质感也不够出彩。这时候变体英语就能很好解决这个问题，通过发音微调，既能让歌词变得可爱顺口，又能精准贴合歌曲情绪，比如日式英语的发音改编：Nice读作naisu（拿衣斯）、Dance读作dansu（荡斯）、Smartphone读作苏马霍。

我在学习日语外来词的过程中，日式英语的趣味改编常常让我觉得很治愈，所以我特别喜欢将这类元素融入创作。除此之外，欧式英语、印度英语、意大利英语，以及意大利语、法语、西班牙语等语种，我都很感兴趣。未来我想学习更多不同地域的语言文化，把它们自然、无痕地融入我的音乐创作里。

总的来说，这种多元文化融合的创作，对我而言早已超越了创作本身。它让我始终保持好奇心，不断去学习、探索新鲜事物，也让我更热爱生活、积极认真地好好生活。

UPEE：可以分享你的 MBTI 是什么吗？

江上青山：我只在去年测过一次MBTI，结果是INFJ，顺带也可以说一下，我的星座是水瓶座。

大家都说INFJ的人格特质比较“虐”，我感觉确实有几分贴合。大多数情况比较i，兴致来了也E，不是完全不能外向，只是需要看具体场景和状态。以前我很渴望被别人理解，希望有人能读懂我的内心和想法，但现在已经释怀了，别人不用完全懂我、理解我。说到底，我就是一个偏爱小众、忠于自我的非主流而已。

整理/编辑：石田吉藏

采访联络鸣谢：Kat

来自伦敦的 PREP，以顺滑精致、交织 Synth Funk 与 City Pop 的声音，成为了在亚洲最受欢迎的西洋独立乐队之一。在乐队重返中国巡演之际，他们登陆嘉兴泡泡岛音乐节，在下雨的午后中为大家带来十足的温暖与情感。UPEE 有幸在泡泡岛音乐节现场与主唱 Tom Havelock 进行一期专访，分享这次演出的感受、乐队的理念以及这一轮中国巡演的期待。

UPEE：来到泡泡岛音乐节感觉如何？

Tom：非常兴奋。我们远道而来，而且我们已经挺长时间没在这里演出过了——严格算起来，上一次来到这里差不多是两年半以前了。今天这是这轮巡演的第二场。而且在中国我们总是特别兴奋——有些歌在这里特别能 “打透”，比在任何其他地方都更受欢迎。所以你能感受到那种人们跟着我们唱回来的能量，太不可思议了。今天雨下得很夸张——试音的时候我们都撑着伞，舞台上还搭了小帐篷，但一切都很棒。而且所有人都站在泥地里，没人被天气拦住了，就那么投入进去。整个场地的环境其实很舒服，对吧？而且在音乐节感受这里，这种露营地的氛围，也有非常不错的风景。

UPEE：在组建 PREP 之前，你们各自在流行、古典、嘻哈和 DJ 领域建立了自己的职业生涯，带来了多样的词曲创作与制作经验。在你看来，这些不同的背景为 PREP 的音乐注入了哪些独特的东西？

Tom：我们在音乐的不同层面上彼此信任。一个人不必什么事都操心，我觉得这往往很有帮助。我自己也在乐队之外写歌，而且我确实觉得只专注于正在进行的某一个环节很有用——比如歌词，或者旋律。然后会有另一个人去操心鼓的律动有没有带起来，或者去想我们能不能放进去一些更有意思的和弦，好让整首歌更有味道。对我们来说，每个人都负责自己那一块、进来把自己最擅长的事做到最好，这样运转得非常顺畅。

UPEE：PREP 在视觉上自成一派，也让很多乐迷对你们的视觉着迷，无论是封面以及着装，可以分享 PREP 的视觉理念吗？

Tom：我觉得它和音乐理念其实是相通的。要追溯到乐队最初的时候。我们的封面一直由同一位设计师 Sam Coldy 操刀，他也在英国，我们跟他做的第一张封面就是《Cheapest Flight》。当时我们就知道，我们要的是一种简洁、明亮的感觉，但同时又带着一点忧郁，以及某种更复杂的情绪暗流。

我们最大的参照是 David Hockney。他在洛杉矶住过一阵子。他的作品非常有名——那些画，出自一个约克郡人，那里常年下雨。他去了洛杉矶，一切都变得明亮、带点疯狂。他是那种外来者，把这样独特的视角带进那个充满阳光和泳池的世界。我觉得我们对音乐也一直有这种感觉——我们大量参照美国音乐，它有那种快乐的质感，但我们会注入某种更忧郁的——或者更合适来说，精神。这就是我们的理念。

UPEE： 作为音乐人，你会怎么描述视觉和音乐之间的关系？

Tom：对我们来说，这种关系非常紧密。我们背后的视觉已经成为现场演出很重要的一部分，我们也知道乐迷们真的很喜欢唱片这个“物件”，而这很大程度上和封面艺术有关。我觉得我们似乎已经在封面里创造了一个属于 PREP 自己的世界，我们几乎是用感受音乐同样的方式去感受它。我常常是这么想的，不是吗？我并不觉得两者一定要形影不离。我能想到很多我真心喜欢的音乐，却完全不知道它的封面长什么样——它就这样出现了，像你在流媒体上随手发现的东西。我们所有成员都喜欢某一种特定形态的艺术，喜欢它组合到一起的方式。

UPEE： 你们是一支在亚洲非常受欢迎的独立乐队，我们好奇这种在家乡千里之外、尤其是文化底色不太一样的区域也能收获歌迷是什么体验？

Tom：这要归功于互联网的力量。我们在伦敦开始做音乐，也知道自己和别的英国乐队不太一样。但我们当时并没有想着 City Pop—— 那是我们后来来到亚洲之后才发现、并且很多乐迷会把它和我们联系到一起的东西。最初，我们在 SoundCloud 上传作品，我们起步那会儿，有来自美国的人——我们能看出什么样的人开始感兴趣。然后，在韩国有一批对我们很重要的关键人物以及一些乐队。我们有机会过去演出，然后突然就变得很清楚，我们的声音世界真的嵌进了一片音乐版图。

和声这件事很有意思，因为当我们组建乐队、作为词曲作者去给别人写歌的时候，和弦是不能写得太复杂的——人们会说 “这有点太过头了”。但换成 PREP，我们就会说 “让和弦再疯一点，再狠一点”。第一次来到亚洲，我们意识到，在亚洲有大量的流行音乐在持续做到更复杂的和声——也许更像是参照爵士和 R&B 的和声逻辑。然后是像落日飞车这样的乐队，我们最近还合作过——我们觉得我们和很多其他音乐人之间找到了一种天然的亲缘感。

UPEE：正如你们提到你们跟落日飞车这样的，在亚洲非常有影响力的乐队进行合作，可以分享你们对亚洲音乐场景的感受吗？

Tom：我们总是在说，这里对我们来说就像一个天然的家，我们能找到很多真心喜欢的音乐。我想我也留意过一些——尤其是来自各个地方的那些乐队，比如泰国、越南的迷幻乐队……K-Pop 在英国已经火得铺天盖地了，还有日本音乐，以及我一直有所耳闻的中国摇滚乐队。但来了这里之后，这种感受被放大了无数倍。来这里最大的好处之一就是——演出间隙有空的时候，我们会去买东西，也去发掘人们愿意播放的东西，就像在一个小小的黑胶酒吧里，有人会说 “你们一定得听听这张七十年代的 Funk 唱片”，都是我们从来没听过的。所以这是一个不断发现的过程。我或许能理解 PREP 为什么在这里能感到跟大家契合，至少在我看来是这样。

UPEE： 很多乐迷说你们的现场有一种 “录音室般完美” 的体验。能聊聊 PREP 的现场演出理念吗？在一场 PREP 的演出里，有哪些元素是你们一定会保留、或者一定会避免的？

Tom：这是个很有意思的问题。我们是一支四人乐队，但巡演和现场演出时，我们会有两位额外的乐手，萨克斯手 John 和贝斯手 James。他们都是非常了不起的乐手。我可以这么说，我们四个人也都会承认，他们比我们四个弹得好得多，所以能有他们在台上，对我们来说是种享受。你会来到某个瞬间，贝斯真的把那股 funk 的劲儿钉住了，那种感觉特别好。但当 John 开始一段萨克斯独奏的时候，我们几乎可以往后靠一靠，感觉自己像是在一支幻想乐队里——这对我们来说太不可思议了，因为我们刚成立的时候，根本没想过这会是一个现场项目。我们没有任何概念，甚至没想过要怎么演出。很多人会觉得电子音乐是属于录音室的，最初对我们来说也是一样。但现在你知道台下有观众，你在做一场演出。现场的能量、什么在现场有效、什么无效，这些也绝对会影响你脑子里做唱片时的想法。

UPEE： 作为一支成立十年有余的乐队，你们觉得从一开始到现在，PREP 有哪些成长？

Tom：我想我会说还是同一件事 —— 也许就是最大的变化。像《Years Don’t Lie》这样的歌，现场演起来太合适了，它几乎像一首摇滚歌曲。而我们刚起步的时候，绝不会想到去做那样的音乐。现在，我们所有人都发现这成了一支适合现场的乐队——可以撑得起一场演出。所以那是一个很大的转变。而且现场越来越有那种独立感觉的律动，吉他的比重也更多了。关于这一点我们其实之前没有太多讨论，我们只是立了一条规矩，现场完全不能有原声吉他。总之，这对我们来说已经变了很多了。

UPEE： 在此之后你们还有几场演出，对接下来的中国巡演有什么期待？

Tom：这太好了，可惜今天我们演得很短，其实我们想演更多。今天之后我们会去上海、北京——这两个地方我们都演过，那次都是很棒的演出，能量特别足。中国观众真的会带气氛，可以感受到那种纯粹的兴奋，反应非常非常热烈，真的会跳舞、会跟着唱。和中国的乐迷同在一个空间，是非常好的感觉。

编辑/整理：石田吉藏

图片：泡泡岛音乐节、AMIR HOSSAIN

采访联络鸣谢：泡泡岛音乐节

Rated by BB

Genre: Alternative Pop/Art Pop

Release: 2026

Label: Self-released

音乐人肖骏作为吉他手的身份已被乐迷熟知，从唱作人的角度而言，他在前两张个人作品中已经呈现出了不少摆动于另类与艺术化思路之间的信号，在新作《22:22》中，他以更放开的方式接纳了这些灵感，并融合来自 Ambient Pop 与 Indietronica 的启迪，尝试呈现出一种兼有理性与情绪的作品。他将在 11 月的巡演中呈现这张专辑，而就从录音室的收听体验上说，《22:22》的录制版本更试图在一个独处的空间内为听众提供想象和体验，虽然流行的易听性与氛围的沉静感之间找到平衡同时拥有有效的表达并非易事。

相较于乐迷们以往常讨论的 mandarin 在音乐上收到的 Radiohead 影响，在肖骏的个人作品中，这样的影响更多体现在于他创作时所展现的一种乐迷姿态上。例如在器乐中融入些许 Ambient 类型或者 IDM 取向的声音尝试，肖骏更致力于将它融入到原有的声景中，并尝试让它拥有流动的触感。在此之上，听众实际上可以从《22:22》中感受到诸多诚恳的时刻：《Monkeys on the Sea》细腻的 Chamber Folk 底色之上有《Weird Fishes》那样透彻波动的吉他和Sufjan Stevens那样浸透情绪的写作，《The self,Emerged》则宛若 The Smile 在更流行化的状态中与 Clark 合作。

值得肯定的是，尽管这些在现在的同期创作者的作品中可能会成为“变酷”的做法在《22:22》中得到了较好的取舍。肖骏给《22:22》设置了一个实际上较为艰深的概念，并期待给专辑带来更有厚度的文本，而从收听体验上，他反而以更做减法的方式让这张作品维持在更“Alternative Pop”的主路径里。《Random Piano》是 IDM 体感明显的曲目，但在氛围舞池之间没有伸出太过激进的触角，更让专辑的整体停留在可控的范畴内，《Mirror Hunter》清晰的吉他层次和入耳的旋律写作更让曲目维持在轻盈的状态里。除了《00:00:00》，整张专辑以一种低调的方式为大家呈现了肖骏自己对这些概念的解读。

稳重的后制某种程度上可以让我们更仔细地了解肖骏如何看待《22:22》，他并没有以一种很“genre”的方式进行融合，而是从乐手的思维模式出发，思考如何使用声音——这让他可以拥有更开放的制作，但同时要求他拥有更广阔的视野。《22:22》的沉静或许是他现阶段仍然处于安全范围的侧证，这些声音和元素尚未触及到能被称为实验的时刻，而更应该被称为肖骏对自己的音乐与写作经验的梳理。《22:22》没有显露出那么多的野心，但已经包含了些许昭告自己不同的意图，后者实际上让肖骏对于自己创作要求着一个必要的突破。

自今年始，我们将以一年一个年代的节奏，逐年推出十年代际回顾榜单（并计划一路连载至 2029 年——如果届时我们尚未倒闭），包含面向非华语地区的「海外单曲与发行百佳」，以及中文世界的「华语单曲与发行五十佳」。系列榜单剩余内容我们会在接下来的每个周六陆续发出。

90s 系列：海外单曲百佳

No. 100 Radiohead: OK Computer (1997)

Radiohead 在 1997 年带来了他们生涯最负盛誉的作品之一，《OK Computer》在技术性格与编排审美并具的器乐以及情绪色泽饱满的旋律写作之间成为 Alternative Rock 类型的代表作，也在未来思考、科技恐慌和充满想象力的文本里带来了相当的文本美感，成为 90s 绝对的时代印记。

No. 99 Beck: Mutations (1998)

同样是 Nigel Godrich 制作，其实这个只说好听程度没有比《OK Computer》差太多（悄悄放前一名那咋了），因为 Beck 除开相当广阔的制作视野外，他更首先是一位个性十足又水准突出的唱作人。我们可以在这张弥漫着 Alt Folk 和 90s Neo Psych 气场的作品中感听到诸多在写作和情绪都十分突出的旋律，相较于《Sea Change》那样质感显然的室内乐类型，《Mutations》以更自若的姿态成为了千禧民谣复兴的先声。

No. 98 中森明菜: Shaker (1997)

中森明菜与小室哲哉的合作纵使是不尽人意的，放进这一张专辑成了一次瑕不掩瑜的动作。她从来不吝于实验和尝试同时代偶像想都没想过的曲风，而她在这张把对爵士的理解和90年代时兴的电子与trip hop元素”shake”在了一起，并用自己独特的审美和嗓音给这张专辑润色，缔造了她90年代专辑中听感最为统一，创意最为爆发的一张专辑。

No. 97 U2: Zooropa (1993)

相较之后在《Achtung Baby!》与《All That You Can’t Leave Behind》里对流行质感的拥抱与融合，U2 在《Zooropa》里以纯粹、利索的方式构建了自己最 Alternative 的姿态。扎实但不失分寸的电气化尝试，The Edge 依旧个人风格鲜明的吉他写作，在 Space Rock 风潮的短暂余晖里，《Zooropa》拥有 U2 最具锋芒的形态。

No. 96 Stone Temple Pilots: Purple (1994)

Stone Temple Pilots 有一种微妙的大屌感：Eric Kretz 的鼓很肉鸡，DeLeo 两兄弟没什么感觉，但 Scott Weiland 听来又是百分百血鸡大金刚——不是所有主唱的声音表现都这样，在 Trent Reznor 和 Josh Homme 带着他们的巨大肉鸡称霸大屌乐界时，我们需要一点新鲜感。哪怕 Grunge 是一个文化上这么依赖于“乐队领袖”的运动，谁敢说 Kurt Cobain 私底下不会想要一根 Scott Weiland 这样的坤巴。

No. 95 Liquid Liquid: Liquid Liquid (1997)

Liquid Liquid 于 97 年发布的合集收录了他们八十年代三张 EP 的曲目，一次性打包所有来自他们的那种粗壮结实、韧性十足的 Dance Punk 时刻，足致的为听众展现后朋克所具有的跳舞性潜能。

No. 94 Pizzicato Five: Happy End of the World (1997)

舒适的 DnB 与 Lounge 类型共同筑成了 Pizzicato Five 这张充满乐趣、轻松愉悦的代表作，也成为涩谷系音乐里具有电子流行、俱乐部气场的一块重要的拼图。

No. 93 Low: I Could Live in Hope (1994)

No. 92 Boredoms: Vision Creation Newsun (1999)

No. 91 Kylie Minogue: Impossible Princess (1998)

No. 90 Suede: Dog Man Star (1994)

No. 89 D’Angelo: Brown Sugar (1995)

No. 88 Happy Mondays: Pills ‘n’ Thrills and Bellyaches (1990)

气质独具的 Baggy 杰作，Happy Mondays 在《Pills ‘n’ Thrills and Bellyaches》完成了 90s Neo Psych 和新的舞曲运动的预演，并在隐约冒头的 Britpop 运动前找到了一个折中却毫不软化的声音。你可以在 Happy Mondays 里找到相对于 Suede 而言更柔、更韧的声音，它在非常英式的同时保留了相当的开放性，可以为听者提供足够的想象和放开舞动的空间。

No. 87 LFO: Frequencies (1991)

No. 86 Nine Inch Nails: The Downward Spiral (1994)

特雷特·雷泽诺就是那种所有人都会喜欢的翘屁嫩男。Nine Inch Nails 作为从 DIY 开始再至引领文化的乐队，在《The Downward Spiral》里以相当缜密的思路构建了 NIN 的工业声音：不抗拒流行化的可能让这些硬朗的编排保留了对听众的开放，重而扎实的声音审美则让他站在电子与另类摇滚两种类型发展的汇合点，并可以独当一面成为这个时期的代表。

No. 85 松任谷由実: 天国のドア (1990)

用清亮的合成器和原声层次一同组成扎实的 Synth Pop 与 Sophisti Pop 底色，在显然的气质和可以让人体会到灵感的出色写作之间成为”时代之声”。

No. 84 PJ Harvey: To Bring You My Love (1995)

No. 83 Buffalo Daughter: New Rock (1998)

极简精神指引下足致冰冷的 Krautrock 实验是 Buffalo Daughter 美学最显而易见被捕捉到的特质，在此之外，她们仍有完成出色的跳舞性探索，足够锋利的声音理念，以及在相当丰富、扎实的内容量中保持利索的状态。

No. 82 UA: Turbo (1999)

No. 81 Madonna: Ray of Light (1998)

No. 80 Bikini Kill: The C.D. Version of the First Two Records (1993)

No. 79 Red Snapper: Making Bones (1998)

No. 78 Cibo Matto: Stereo Type A (1999)

No. 77 Kruder & Dorfmeister: The K&D Sessions™ (1998)

美疯了你们知道不？

No. 76 Jeff Mills: Live at the Liquid Room - Tokyo (1996)

No. 75 Kylie Minogue: Kylie Minogue (1994)

No. 74 Built to Spill: There’s Nothing Wrong With Love (1994)

No. 73 Sonic Youth: Goo (1990)

转入大厂牌并没有改变Sonic Youth激进的噪音风格，《Goo》有着扎实的写作和充满创意的听觉实验，不管是抓耳洗脑的流行朋克《Dirty Boots》和《Kool Thing》还是不安的《Tunic(Song for Karen》，或是专辑里其他更加疯狂吵闹的曲目，都印证着乐队跨入90年代也仍然是无可忽视的一道声线。

No. 72 Aaliyah: One in a Million (1996)

Timbaland 与 Missy Elliott 在 Aaliyah 的第二张全长专辑中实力尽显，在 Hip Hop 和 Smooth Soul 的基础骨架中画出了 21 世纪对“Urban”这个类型定义的蓝图。

No. 71 Tortoise: TNT (1998)

No. 70 Air: Moon Safari (1998)

No. 69 DJ Shadow: Endtroducing..... (1996)

《Endtroducing...》的启发性是横跨电子乐和现代嘻哈的，你可以把任何你钟爱的声音偷过来为自己的音乐服务。你能在《Building Steam With a Grain of Salt》永不结束的钢琴loop，躁动不安的《The Number Song》，神秘深邃的《Stem/Long Stem》和《Midnight in a Perfect World》中各自找到90年代是如何像一个熔炉一样把古老和先锋的声音拼接，融合为一体的线索。

No. 68 Fiona Apple: Tidal (1996)

No. 67 The Cure: Wish (1994)

高新医院，高效药液。The Cure的生涯基本就是一个双向情感障碍的概念，一会躁狂阳光一会阴郁悲伤，直到Robert Smith在《Wish》彻底确认了自己的声音。在沉缓的大吉他回授暗潮开场曲《Open》和被关淑怡版《忘记他是她》抄袭编曲的《Apart》中我们能听到《Pornography》和《Disintergration》那种黑暗和压抑气息。但在明媚的流行摇滚金曲《Friday I’m in Love》或David Bowie式俏皮的哇音吉他Glam Rock《Wendy Time》中又能看到《Kiss Me Kiss Me Kiss Me》愉悦轻松的英伦气质。

No. 66 OutKast: ATLiens (1996)

No. 65 Basement Jaxx: Remedy (1999)

由 House 与 Garage Punk 构筑起整张专辑的躯体，再由 Funk、Hip Hop、Samba 共同构成肌理，就像封面上贴紧的裸体一样令人感到充足的热量与紧致的体感，绝对可以让人感受到身体如何被驱动。Basement Jaxx 在很多时候并不是一个刻意呈现自己的制作性格的音乐人，《Remedy》足够作为一张代表性的 Fusion House 体现他的技术能力与舞曲理念。

No. 64 Number Girl: School Girl Bye Bye (1997)

No. 63 Missy Elliott: Supa Dupa Fly (1997)

No. 62 Spiritualized: Ladies and Gentlemen We Are Floating in Space (1997)

No. 61 吉村弘: Wet Land (1993)

柔性、广阔，放低了身态，用声音构画出了一个可以让听者感受到自己的渺小的声景，但这样的渺小不会引发令人恐惧的联想，它更邀请听众把自己投入其中，感受可感知的周遭。

No. 60 Underworld: Second Toughest in the Infants (1996)

No. 59 George Michael: Older (1996)

No. 58 Aphex Twin: Richard D. James Album (1996)

No. 57 Belle and Sebastian: If You’re Feeling Sinister (1998)

No. 56 Blur: The Great Escape (1995)

在过了三十年后仍将“英伦对决”作为《The Great Escape》的话题实在太缺乏新意。《Parklife》的光芒让许多乐迷或多或少忽视了这张于写作与演奏都利落而性格显然的作品，铜管与弦乐的融入尽管在当时像是乐队面对类型或多或少的迷茫，于现在听来却有仅此一份的精巧温润。而相较于《Parklife》里十分易作为噱头的英伦生活速写，《The Great Escape》以清醒而具力度的视角将这份“英伦精神”放在更具体、更个人的体验之中，足能提供给听众相当的感动。

No. 55 Modest Mouse: The Lonesome Crowded West (1997)

No. 54 Autechre: LP5 (1995)

No. 53 Oval: 94diskont. (1996)

Oval的音乐就是那种完完全全的功能性发呆音乐，相比idm场景仍遗留的舞曲元素，这群德国人就真的只把电子音乐作为当代艺术发展的手段了。破裂的声学碎片与氛围乐段落成为了一种纯粹的听觉teasing。在今天的模拟恐怖配乐和一些互联网音乐美学中仍能看到这些先锋氛围乐先驱留下的遗产。绿色的具象波浪中，你不知道他们什么时候会放起一首《Drown World》。

No. 52 UA: 11 (1996)

No. 51 Smog: Knock Knock (1999)

Bill Callahan 我们喜欢你，Jim O’Rourke 我们喜欢你。《Knock Knock》有点太好听了，调适了 Lofi 风潮在一张有气场的唱作人作品里应该呈现的形态，在民谣复兴的时代找到了对的声音，咋那么会制作呢！可能因为这张作品涉及的种种标签在二十来年后的现在已经发展到很难直接跟它相关，但在出色的写作和执行里，它可以被形容为一张好的纯粹的唱片。

No. 50 Squarepusher: Hard Normal Daddy (1997)

人机音乐：人类伪装成鼓机。

No. 49 Amon Tobin: Bricolage (1997)

No. 48 R.E.M.: Automatic for the People (1992)

在 80s 里对 Jangle 以及 Post Punk 内容的重新梳理后，R.E.M. 在他们 90 年代的代表作《Automatic for the People》展现了极致的写作能力，以独特而出色的 songwriting 成为同时期更沉心于在编排上探索花样的 Alternative Rock 类型中兼具气质与特征的代表。在十几年的时间里，Michael Stipe 几乎都未在旋律上失掉水准，更能在以 Peter Buck 为代表的乐手配合里呈现出不一样却融洽自若的气场。

No. 47 Múm: Yesterday Was Dramatic - Today Is OK (1999)

充满生机、富于的灵感的 IDM 声响，气质舒畅的自然原野声景，在 múm 温和而抚慰的全长专辑《Yesterday Was Dramatic - Today Is OK》中都可以体验到，他们延展了听众柔软而丰富的想象。

No. 46 Prodigy: The Fat of the Land (1997)

No. 45 Public Enemy: Fear of a Black Planet (1990)

No. 44 Cat Power: Moon Pix (1998)

扎实的写作与温柔的声线让Cat Power作为女性唱作人音乐在90年代的代表之一，在Lana Del Rey，Adrianne Lenker和Cassandra Jenkins等人的写作上仍可以找到她所留下的影响。《He Turns Down》唯美的长笛让人想起Nick Drake的遗风，《Metal Heart》的独立流行美感则显然地影响了Songs Ohia或Angel Olsen等创作者。

No. 43 Wilco: Summerteeth (1999)

No. 42 Slint: Spiderland (1991)

刺耳尖锐的吉他声响和不协和的狂躁音符如冰冷刺骨的河水涌动，在黑白的蜘蛛之地中，Slint精准地把握住了一种全新的声音美学与写作上的后现代特质。与后来的相当对数学摇滚或后摇相异的是《Spiderland》在时而阴郁时而狂躁的情绪回路中翻腾时居然还能很好听，而且也不用什么管啊号啊的乐器硬上价值。依靠摇滚四大件，来自肯塔基州的四个年轻人反叛了摇滚乐本身。

No. 41 Sunny Day Real Estate: Diary (1994)

No. 40 Sonic Youth: Washing Machine (1995)

把你的脏鞋子丢进我的洗衣机心。Kim Gordon在她的自传里提到自己其实最中意乐队在《Washing Machine》里的声音。吉他鸣响在粗粝却清脆的的噪音流行《Becuz》和忧郁的后朋气质民谣《Unwind》中，与前作在科幻小说、街头文化或麦当娜专辑中取材的主题不同，《Washing Machine》中的乐队从充满女性主义哲思的《Little Trouble Girl》到献给Kurt Cobain二十分钟的噪音挽歌《The Diamond Sea》里都展露了更加贴近现实的情绪与哀伤。

No. 39 Pet Shop Boys: Behaviour (1990)

Synth Pop作为一个类型时常让创作者停留于一个既定的“印象”，某种程度上也让类型里的音乐人在声音上个性不足，Pet Shop Boys 的突出在于他们可以将这些声音纯粹地作为表达的要素，并让他们自身的气质贯彻在创作之中，而非被来源于流派的声音印象所控制。《Behaviour》相较于他们在《Please》《Actually》里一些仍可能让人感觉到“Synth Pop 场景”属性的创作达到了自洽、利落的突破，走到了 Erasure 与 OMD 没有实现的更前一步。

No. 38 Jim O’Rourke: Eureka (1999)

No. 37 Boards Of Canada: Music Has the Right to Children (1998)

朦胧的记忆中，在一个70年代的午后坐在沙发上打开《芝麻街》，卫星电视传来的模糊图像还带着led屏幕的温热。这就是BOC的音乐给人带来的感觉，空灵神秘，却充满着细腻的怀旧感。 柔美粗糙的模拟合成器声音层层叠叠如同水纹散落，繁杂破碎的downtempo鼓机碎拍仿佛永无休止。《An Eagle In Your Mind》嗡鸣的合成贝斯在震颤的碎拍中如秃鹫盘旋，《Telephasic Workshop》酸性十足的lead若隐若现，人声切片荧光般地闪烁着。《Turquoise Hexagon Sun》和《Pete Standing Alone》美轮美奂的ambient段落接入迷离的trip hop鼓点，科幻感的《Bocuma》和《Olson》短小精悍。BOC用一种启示录式的电子音乐迷梦唤起了一种源自童年的复古未来主义迷思，粘稠柔软，同时也细腻动人。

No. 36 Bjork: Post (1995)

No. 35 Angelo Badalamenti: Soundtrack from Twin Peaks (1990)

No. 34 Gustavo Cerati: Bocanada (xxx)

Downtempo/Trip Hop 的基础骨架配合 Soda Stereo 风采依然的器乐内容，保持了利索但柔滑的整体质感，并在双碟体量的时长中呈现出两个极具完成度的生长方向，前半是在跳跃和流动之间可以体验到想象突触的 Art Pop，后半则完全游弋于电气 Alt Dance 之间，体会纯粹的声音和空间。

No. 33 椎名林檎: 無罪モラトリアム (1999)

《正しい街》是否同样让你想起《Fixing A Hole》？大小调本就在不同层面上以转喻的方式共存，但《無罪モラトリアム》所展现的冲突远不止于此。比如标题所表示的，首要的冲突即是代际的，而这也呼应了椎名林檎某一阶段的生活经验。对她而言，生活的问题亦即《無罪モラトリアム》的问题，就是“如何组织某种表演性”。于是，我们在不同曲目中看到她对于“表演”的不同质地所持的态度——这些态度与《正しい街》同等复杂，与《ここでキスして。》同样诚挚。而这样的丰富最终回归到这一观念：人正是通过复杂的表演才得以组织自我，无罪的意义正在于你无需为这些表演之间的不一致而自责。也因此，《無罪モラトリアム》是一张漂亮的元专辑：它用一个更易解的题材类比出一个全长专辑内部不同曲目间的秩序。

No. 32 PJ Harvey: Rid of Me (1993)

No. 31 Erykah Badu: Baduizm (1997)

No. 30 The KLF: Chill Out (1990)

No. 29 Pavement: Crooked Rain, Crooked Rain (1994)

就是比碎南瓜好听。哪个indie rock少男少女没有听着《Range Life》坐在地上发呆的时刻呢。

No. 28 Moby: Play (1999)

No. 27 Cap’n Jazz: Shmap’n Shmazz (1994)

No. 26 The Dismemberment Plan: Emergency & I (1999)

应该是90s最纯粹好听的独立摇滚。没有奇怪的声音实验和别出心裁到怪异的唱腔，清音吉他和落在听觉预期内的写作，鼓手的爵士感摇摆为专辑带来了午后阳光般的柔和感，在《Memory Machine》的奇数拍律动中将数学摇滚和流行朋克融合，再到《The Jitters》的后摇气息和《You’re Invited》的新浪潮舞曲风格，《What Do You Want Me To Say?》和《Gyroscope》日漫op风的抓耳旋律线无不丰富多彩。讨论孤独、存在主义以及阳痿的词作更让专辑成为一部青年迷思的日记。

No. 25 Lync: These Are Not Fall Colors (1994)

No. 24 Portishead: Roseland NYC Live (1998)

No. 23 µ-ziq: Lunatic Harness (1997)

µ-ziq的音乐展现了一种Warp系音乐与Aphex Twin完全相异的躁狂气质。如果说《Come To Daddy》或同名专辑里的RDJ是机器人般冰冷却冷血疯狂的，Mike Paradinas的东西就显得很有人味了，《Lunatic Harness》在前作《In Pine Effect》有机朦胧的声音上更进一步，将破碎躁郁的jungle和dnb节奏切碎，循环，代入更具梦幻感的氛围合成器中，制造一瞬黑夜中锐舞时醉酒的意乱情迷。

No. 22 The Roots: Things Fall Apart (1999)

No. 21 Primal Scream: Screamadelica (1991)

No. 20 Liz Phair: Exile in Guyville (1993)

No. 19 The Sundays: Reading, Writing and Arithmetic (1990)

No. 18 The Breeders: Pod (1990)

一张可以总结 90 年代印象的另类摇滚乐唱片，Kim Deal 做出了最好的摇滚音乐。

No. 17 Beastie Boys: Ill Communication (1994)

扎实的器乐把控与利落的元素融合让这张全长听来趣味十足，并果断地将自己融入 90s 拼贴主义的浪潮之中。Beastie Boys 的 Alternative Hip Hop 与 Hardcore Punk 两条主轴在密切而充满弹性的形态中达成了贴合，并得以成为未来几十年嘻哈领域发展里与众不同的异色。在注重类型融合的当代乐迷视角来看，《Ill Communication》以及诸多来自 Beastie Boys 的创作拥有无可替代的启发性。

No. 16 Lauryn Hill: The Miseducation of Lauryn Hill (1998)

No. 15 Blur: Blur (1997)

Blur 在 90 年代留下了足够多精彩的作品，在这张同名专辑中，Graham Coxon 进一步探索了此前在 Britpop 最声势高涨时期没有发掘的吉他潜力，完成了 Blur 这支乐队向更 Alt Rock/Noise Rock 类型的迈进。作为一支 The Kinks/XTC 影响非常明显的乐队，Blur 跳脱出“类型”的思路，这让他们与同期更追求与场景合流音乐人相比有所不同、自成一派。

No. 14 Janet: Janet. (1993)

Janet 在《Janet.》中完成了 New Jack Swing、Contemporary R&B 两种类型在 90s 语境里的平衡，同时在保持易听和舒适的状态里对 Trip Hop、Smooth Soul 进行了颇有收获的探索。Janet 不是以一种拿来主义的方式展示自己的视野，这让这张大体量的同名作品在流利、融洽的形态中保留了足够让听众自行体验的新鲜感和趣味。

No. 13 The Future Sound of London: Dead Cities (1996)

No. 12 Sade: Love Deluxe (1992)

No. 11 my bloody valentine: Loveless (1991)

对于盯鞋这一整个流派来说，《Loveless》的横空出世在声音和审美取向上都带来了一副供所有后来者自赏音乐人取用的蓝图。mbv用精巧的制作和眼花缭乱的细节让《Loveless》在朦胧的粉红色吉他噪音下幻化出梦幻般的绚丽色彩。《only shallow》强悍的后硬核节拍和《when you sleep》喷薄欲出的合成器旋律带来了直观的听觉刺激，诡异的《touched》和有着70s艺术摇滚气息的《i only said》，以及密不透风失真扫弦下忧郁悲怆的《sometimes》则展现了抽象声音的偶然性与联觉效果能带来多大的情感冲击。用一张专辑钉死整个流派的天花板是整个独立音乐史难得一见的现象，自赏音乐在90年代后的低沉与今日复兴的盛景更印证了这张暴烈粉色噪音的影响力如何流转至今。你永远不知道属于哪个新流派自己的《Loveless》就在路上等着听众。

No. 10 Mouse on Mars: Autoditacker (1997)

Mouse On Mars在90年代的探索聚焦在火星的太空dub感与老鼠的机灵童趣，在随机性的、张弛有度的编排和被充分调教的声音之下听众还能嗅到些许来自泡菜摇滚的气息。整张专辑从紧密逐渐滑入散漫和静谧，即使充斥着看似晦涩的巧思，它仍保留了所有灵感来源中最悦耳的一面，这种肥瘦相间的做法让它成为了90年代另类电子音乐人们对于声音设计和曲风融合的极致代表。

No. 9 Autechre: Amber (1994)

晶莹剔透的声景之下拥有扎实的情绪与叙事，Autechre 以十足的想象力给听众展现了极致的音色美感与空间营造，并将之作为使用配器/装置与声音的方法，成为 90s IDM 在体感上最能让人感受到偏锋的一枝。

No. 8 V.A.: Artificial Intelligence (1992)

No. 7 松任谷由実: Dawn Purple (1991)

尽管对于新一代的中文乐迷而言，Yuming 似乎不是他们心中东亚音乐探索的第一选项，这也让这位创作力极其丰沛的音乐人在 90 年代带来的诸多重彩在现在来看或多或少被轻视。Yuming 在《Dawn Purple》中以精巧的方式保留了 Synth Pop 时代的气场，并在 Funk、Sophisti Pop 的肌理之间各具色彩的情绪。在各路流行文化运动井喷的 90 年代，这张纯粹致力于个性的流行作品反而拥有最为普世的精神。

No. 6 PJ Harvey: Is This Desire? (1998)

欲望啊我要变成你。《Is This Desire》从《To Bring You My Love》处继承了那种阴湿的英国乡间气质，以及《Rid Of Me》充斥后摇气息的歇斯底里与躁郁，却通过氛围感的电气化制作将她的创作路线从外放汹涌的朋克与凌厉转入一种更加阴翳深沉的哥特美学中。从呼啸山庄般的凄美描绘到惨妇般百年孤独式的叙事路径，女性视角下的愁苦与妒火，神性的圣洁与罪恶的诱惑，PJ Harvey通过细腻的艺术摇滚声音将被模糊的现实与幻想交织在欲望的湍急河流之中。

No. 5 TLC: CrazySexyCool (1994)

No. 4 Stereolab: Emperor Tomato Ketchup (1996)

启迪自寺山修司，Stereolab 在《Emperor Tomato Ketchup》里呈现的丰富与内容正如它的标题一样让人感到兴趣非/常。在这张里程碑作品中，这支乐队重新梳理了自身携带的 Alt-gaze、Krautrock、Chamber Pop 等诸多元素，并将它梳理成了自己音乐个性中最令人印象深刻的部分，成为 The Velvet Underground 在 90 年代最突出的精神继承。

No. 3 The Magnetic Fields: 69 Love Songs (1999)

要把一张专辑放在这个位置可能需要非常多的笔墨来为之背书。我一直在寻找一个角度描述这样一张专辑之于整个九十年代乃至之后所有Indie/Singer-Songwriter类的音乐创作的意义所在。这个十年，无数专辑开创性的定义了一类声音的形态、一类叙事的范式甚至是某个社会的侧面。《互口情歌》并非上述任何一类，却具有无法掩盖的“元”性：一个songwriter究竟可以用多少种方式写一首歌。或者说在九十年代很多乐队和艺术家在为“我拥有自己的声音”创作时，Merritt用一个很具体又很包容的角度“Love”让一张专辑能拥有不同的声音而自洽。

No. 2 Bjork: Homogenic (1997)

Bjork 在世纪末重新为大家展现了Chamber Pop、Downtempo、Trip Hop对那个十年的重要影响，并将之汇聚成 Art Pop 这个场景或类型重要的、新一代的旗帜。

No. 1 Aphex Twin: Selected Ambient Works 85-92 (1992)

对Rodin而言，想象力作为一种美德从来都不与实干相对，他将它们视为同一创作存在的两面、或某种理念运动的双元体——因为他的（乃至整个20世纪的）艺术目标发生了从显现自我到显现对象的转变（对Rodin来说就是，材料的抵抗产生思想），这是每个艺术家悠长其生命的根本要义。大胆一点说，这一点不仅能在Rilke身上得证（比如他的Dinggedicht），也能用来观测Aphex Twin被怪才般的性格掩盖的特质：Aphex Twin实际上是一个具有巨大想象力的实干家，他的生产能力（比如他令人震惊的demo存量）即是他的想象力不断扩张的条件。

歌单：Spotify / 网易云音乐

内容整理：石田吉藏

参与撰稿：UPEE